Saboreando los 80, Parte V: Películas (II)

Continuamos con la travesía por la producción cinematográfica de la década más allá de los grandes títulos como Akira (1988) o las películas del estudio Ghibli. Como en otras entradas de este tipo sobre la década, recuerdo que pondré una puntuación de recomendación del 1 al 5 como orientación de lo que vale la pena cada título, donde:

1: No vale la pena perder el tiempo en ella, totalmente olvidable.

2: Correcta, pero nada sobresaliente o de gran calidad.

3: Buena, puede que no del agrado de todo el mundo, pero merece un intento.

4: Muy buena, aunque con sus defectos y puede que no tan icónica como para ser algo indispensable de ver.

5: Excelente, indispensable de ver de la década.

 

Project A-ko

Título: Project A-ko

Año: 1986

Director: Katsuhiko Nishijima

Géneros: acción, aventura, mecha, comedia, ciencia ficción

Estudio: APPP

Duración: 1h 23min

Con una buena animación y música pop del momento, Project A-Ko ha sido uno de los animes de la década que más he disfrutado. Muy alocada y divertida, se trata sobre todo de una parodia del anime de la década y de algunos títulos importantes como Capitán Harlock. Muy absurda y trepidante, y con algunos personajes que me han recordado muchísimo al trío de Kill la Kill Mako-Ryoko-Satsuki, aunque la historia no tenga nada que ver. Sus roles, especialmente como están al principio de la serie, son sospechosamente parecidos, aunque varias décadas separan ambas obras.

NOTA: 4/5

 

Venus Wars

 

 

Título: Venus Senki

Año: 1989

Director: Yoshikazu Yasuhiko

Géneros: acción, ciencia ficción, aventura

Estudio: Triangle Staff

Duración: 1h 43min

En el siglo XXI la humanidad vive en dos mundos. Debido a la colisión de un asteroide de hielo, Venus se volvió un planeta con capacidad para habitar vida. Los colonos de la Tierra han llevado la vida allí durante cuatro generaciones, pero también lo peor de la humanidad: Venus volverá a ser zona hostil. El motociclista protagonista Hiro Seno se verá envuelto en una guerra entre dos ciudades enemigas: Aphrodian e Ishtar.

El título de la película no engaña, esta va directa a lo que pretende: mostrar la guerra que se da en Venus entre dos ciudades. Protagonizada por una banda de macarras motoristas, Venus Wars es una fantástica película bélica en cuanto a acción respecta, pues la animación es tremenda, con un detalle y cura que te hace disfrutar de cada explosión, disparo de tanque y aceleración de las motos monociclo. No se da demasiado contexto a la guerra y tampoco se centra mucho en el desarrollo (que podría haber) de los personajes o el drama que de hecho hay, pero tampoco se le acaba dando mucho bombo. Simple y pura acción acompañada con sus temas ochenteros y, repito, un animación que por sí sola hace que merezca la pena ver esta guerra venusiana.

NOTA: 3’5/5

Windaria

Título: Windaria

Año: 1986

Director: Kunihiko Yuyama

Géneros: acción, drama, fantasía, romance, ciencia ficción

Estudio: AIC (entre otros)

Duración: 1h 41min

Los reinos de Isa y Paro han reanudado el conflicto bélico, y esta vez la guerra pondrá en apuros las relaciones de dos parejas de enamorados. Por un lado tenemos la princesa de Isa, Ahanas, y por otro el príncipe de Paro, Jill. ¿Podrá su amor parar la guerra? Además, el conflicto entre las dos reinos tiene de por medio la villa de Saki, que tiene un gran árbol llamado “Windaria” al que sus habitantes rezan por tener buenos recuerdos. Entre sus habitantes están los campesinos Izu y Marin, que se separarán a la que el primero decide elegir bando en la guerra y tomar partido. ¿Podrán cumplir su promesa de volver a reencontrarse?

Con un argumento entre flojo y tópico, Windaria se desarrolla de forma bastante corriente con unos personajes poco o nada destacables e igualmente clichés. Lo único remarcable es el buen apartado visual con una excelente acción y con escenas con vehículos moviéndose a toda velocidad muy bien hechas. Por desgracia, no suplen del todo el resto, que con su poca originalidad no llega a ofrecer nada digno de recordar o siquiera que despierte un gran interés a lo largo de la hora y cuarenta minutos que dura. La acabé de ver porque era una película, pero fácilmente podría haberla quitado a la mitad y olvidarme de ella.

NOTA: 1’5/5

Five Star Stories

Título: Five Star Monogatari

Año: 1987

Director: Kazuo Yamazaki

Géneros: acción, drama, fantasía, ciencia ficción, mecha

Estudio: Sunrise

Duración: 1h 05min

La historia tiene lugar en una lejana galaxia, en un sistema formado por cuatro estrellas llamado “Joker”. En una de estas estrellas se dan los hechos narrados, que tienen que ver con unos grandes mechas llamados Mortal Head. Poseer uno de estos otorga un gran prestigio y honor, pero para pilotarlos son necesarias las Fatima, unas mujeres creadas a través de ingeniería genética. El joven Ladios Sopp prometió casarse con una de ellas cuando era joven, y ahora que esta debe elegir a quien servir para pilotar el Mortal Head él está decidido a salvarla de su destino.

Five Star Stories es una chuchería para la vista, especialmente para los amantes del estilo más cercano al shojo con personajes ultraestilizados y de belleza inconmensurable. Más allá de eso, nos presenta un argumento de lo más sencillo al más puro estilo “rescata a la princesa de las manos del villano”, que forma parte de una historia mucho más extensa del manga que adapta. Por desgracia, se queda muy corta en acción pues esta queda relegada a unos pocos minutos finales, así que en ese aspecto la gran calidad del arte vista en el dibujo no queda demasiado patente en muchas escenas de acción. Aunque la historia parece quedar más como un prólogo a algo mayor, puede disfrutarse igualmente, pero tampoco es nada muy relevante ni que deje una gran impresión.

NOTA: 2’5/5

 

Goshu, el violoncelista

Título: Cello Hiki no Gauche

Año: 1982

Director: Isao Takahata

Géneros: musical, drama, fantasía, infantil

Estudio: Oh! Production

Duración: 1h 01min

Breve película de Isao Takahata que tiene como protagonista a Gauche, un joven violoncelista que quiere mejorar su música. Durante los ensayos el director de la orquestra le va dando avisos de sus errores, y se acaba sintiendo frustrado y quiere que eso deje de ocurrir. Cello Hiki no Gauche es una excepción dentro de las películas de los ochenta, ya que se escapa de la acción y ciencia ficción habituales para presentarnos una película más bien lenta y apacible en la que veremos el desarrollo de su protagonista. El cómo lo hace es lo que convierte la película en algo más entretenido y agradable, pues a través de simpáticas y divertidas interacciones con animales parlanchines irá mejorando su capacidad de tocar el violoncelo. Agradable de ver y con un estilo más cercano a las películas de Ghibli de la época como Kiki’s delivery service o Mi vecino Totoro, Goshu el violoncelista es la película perfecta de esta década para aquellos que no os atraiga el estilo más corriente que seguían las producciones del momento.

NOTA: 3’5/5

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Saboreando los 80, Parte II: OVA’s (2)

Segunda entrega del repaso de las OVA’s de la década, que recordemos que fue un formato que nació a principios de esta, tal y como dije en la primera parte. Antes de ir a por las impresiones de las siguientes 5 OVA’s, recuerdo en qué baso las puntuaciones de cada una:

1: No vale la pena perder el tiempo en ella, totalmente olvidable.

2: Correcta, pero nada sobresaliente o de gran calidad.

3: Buena, puede que no del agrado de todo el mundo, pero merece un intento.

4: Muy buena, aunque con sus defectos y puede que no tan icónica como para ser algo indispensable de ver.

5: Excelente, indispensable de ver de la década.

Esta no va a ser la única entrada sobre OVA’s de la década, y conforme vaya viendo iré comentándolas y presentándolas en el blog, al menos aquellas que merezcan algún tipo de mención.

Birth

Año: 1984

Género: acción, ciencia ficción, aventura, comedia

Episodios: 1 (1h 19min)

Estudio: ACT, Anime Roman, Studio Gallop, SHAFT, Studio Happy…

Director: Shinya Sadamitsu

El planeta natal de Rasa y Nam, Aqualoid, se ha convertido en un mundo post apocalíptico a raíz de la invasión de unos seres llamados “Inorgánicos”. El único objetivo de estos es acabar con la vida orgánica, y gracias al descubrimiento de la poderosa espada SHADE Rasa y Ram podrán hacerles frente junto a sus compañeros.

Birth es una sencilla OVA en cuanto a argumento y desarrollo, de la cual solo se puede destacar un elemento: la animación. A nivel de historia y personajes no hay nada que sacar de provechoso más allá de que estos últimos desarrollan correctamente, sin más, la acción. La hora y veinte minutos que dura este anime es una constante persecución y enfrentamiento entre los bandos de orgánicos e inorgánicos, acción, muchas explosiones y rayos láser que llenarán la pantalla de destrucción. La ejecución de las persecuciones es fantástica, muy dinámicas, alocadas y frenéticas gracias a la expresión del movimiento y al dibujo de las explosiones, los efectos de velocidad y de los fondos. Esta OVA sería una oportunidad para que jóvenes animadores como Yoshinori Kanada, Shinsaku Kozuma y el mismísimo Hideaki Anno demostrasen de lo que eran capaces. Las atribuciones son presuntas. Los ejemplos de animación son sin sonido, por desgracia, pero si lo juntamos con el estilo ochentero de la banda sonora queda un muy buen resultado. Muy recomendada para fans de la animación del estilo de Hiroyuki Imaishi (Trigger, TTGL, Kill la Kill), que seguiría el estilo que identificaría a Kanada manteniendo todo el rato ese tono de humor y de personajes un tanto “cartoon” y que se van desfigurando con el movimiento y la expresión. Como último punto a destacar, la banda sonora está hecha por el clásico director conocido por sus trabajos en Ghibli: Joe Hisaishi.

NOTA: 4’5/5

Genmu Senki Leda

Año: 1985

Género: acción, aventura, fantasía, ciencia ficción

Episodios: 1 (1h. 10min.)

Estudio: ACT, Group Joy, Studio Fantasia, Studio Kuma, Studio OZ…

Director: Kunihiko Yuyama

Una vez más, una fantástica animación salva una OVA con una historia y personajes olvidables. Asagiri Yohko le compone una canción al chico que le gusta, y es tal el poder del sentimiento de esta que se transporta a un mundo de fantasía en el que tendrá que luchar contra los malvados de turno que quieren conquistar su mundo de origen. Esta vez la banda sonora no cumple tanto como en Birth, algo que quita bastantes puntos a una obra cuyo principal aliciente es la animación de la acción. Ambas OVA’s comparten parte del reparto de animadores, aunque esta vez el tono humorístico está mucho menos presente y el estilo alocado en las expresiones de los personajes ya no está. Por ello, aunque tiene sus buenas persecuciones, explosiones y demás, se siente algo más lenta especialmente al principio, pero sin aprovecharlo para presentar siquiera una buena historia. Al fin y al cabo, el principal propósito de la OVA es mostrar a una chica mona en un biquini metálico pateándole el trasero a unos cuantos villanos.

NOTA: 2’5/5

Metal Skin Panic MADOX-01

Año: 1987

Género: acción, mecha, ciencia ficción

Episodios: 1 (41min.)

Estudio: AIC, Studio Mac…

Director: Shinji Aramaki

El primer día de prueba del nuevo traje de combate MADOX es todo un éxito, pero a costa de la humillación del teniente Kilgore, que es derrotado por la piloto del MADOX Ellie Kusumoto. Este no se lo perdonará, y jura que el enfrentamiento contra la nueva arma no acabará así. Durante el transporte del MADOX el camión que lo lleva sufre un accidente, y acaba en otro vehículo que lo lleva a parar a manos Koji Sujimoto, un universitario al que su novia le acaba de anunciar que se va a Inglaterra durante 3 años. El caso es que el joven trastea con la máquina sin leerse el manual, y acaba encerrado en este y merodeando por las calles de Tokyo. ¿Será esta la oportunidad de Kilgore de vengarse de la máquina que le ha humillado?

Una divertida OVA con su buena ración de acción y, aunque es de lejos la más estúpida de las 3 que llevamos presentadas en la entrada, es la acaba teniendo un argumento más resuelto. Es muy tonta en general y no hay por dónde coger las decisiones del protagonista, pero si te dejas llevar por el sinsentido y estás dispuesto a disfrutar de la acción y del obsesivo del teniente Kilgore, la disfrutarás.

NOTA: 3/5

Vampire Princess Miyu

Año: 1988-89

Género: acción, drama, horror, demonios

Episodios: 4

Estudio: AIC

Director: Toshiki Hirano

Una historia de horror protagonizada por la vampiresa Miyu, cuyo destino es cazar unos demonios llamados Shinma y devolverles a su lugar de origen: la Oscuridad. Además, Miyu es perseguida por la sacerdotisa/ exorcista Himiko, que está decidida a descubrir la identidad de Miyu y evitar que siga chupando la sangre de indefensos humanos.

Acción, demonios y terror, Vampire Princess Miyu son 4 episodios de unos 30 minutos cada uno que, si bien no nos aterrorizará, sí tiene una buena ambientación. Con eso ya tiene suficiente mérito, pero además nos deja con 4 buenas historias y una protagonista vampiresa que no es Kiss Shot, pero que cumple y de la que además podremos conocer su pasado, haciéndola así un personaje más interesante. Gracias a esa cuarta OVA que lo cuenta, la historia queda bastante completa y redonda para ser en su mayoría historias autoconclusivas sobre como Miyu va lidiando con los diferentes Shinma. A veces esto puede ser un problema en las OVA’s cortas, pero en este caso queda resultón y no se siente tampoco un desperdicio de tiempo o que sea demasiado acelerado o incompleto. No es una mala opción para ver en Halloween, así que os la podéis apuntar para ver en esas fechas. Cuenta además con una serie del 97, así que si os quedáis con ganas de más podéis echarle un vistazo.

NOTA: 3’5/5

To-Y

Año: 1987

Género: drama, música

Episodios: 1 (55 min.)

Estudio: Studio Gallop

Director: Mamoru Hamatsu

Dos semanas antes del concierto en el auditorio Yaon Hibiya, mientras tocan en un club el cantante de la banda GASP, To-Y, se encuentra con su rival musical Aikawa Yoji. GASP es una banda de creciente popularidad conocida por su violencia y por tener dificultades en ser reconocida en el ámbito musical, ya que este lo acapara el ídolo de masas Aikawa Yoji. El concierto en el auditorio Yaon Hibiya representa una importante meta en la carrera del grupo, pero este se verá amenazado por los intereses de la representante de Yoji, Kahiko Kato, que quiere que To-Y abandone su grupo de rebeldes e inicie una carrera como idol como Aikawa Yoji.

To-Y nos aleja de la ciencia ficción, la acción y demás temas recurrentes en los animes de los 80 para presentarnos un drama musical acerca de la industria de la música en esa década. A través de los diferentes grupos y participantes de las bandas se nos presenta un interesante conflicto que expone diferentes tipos de músicos y artistas dentro de la industria. No sólo es interesante por ser algo diferente a las producciones normales de anime de la época, sino que además nos acerca a una más que posible realidad en el momento y un contraste entre los distintos tipos de cultura pop del contexto histórico. Los personajes son correctos y la música está bien, así que si te interesa disfrutar de un drama ligero acerca de la música en el Tokyo del 87 esta OVA es para ti.

NOTA: 3/5

Saboreando los 80, Parte V: Películas (I)

El método más rápido para apreciar el anime de los ochenta es, evidentemente, a través de las películas que se hicieron durante la década. Antes que nada, no comentaré algunas películas de obligado visionado para cualquier amante del anime como Akira (1988), que aunque no sea una película que me fascine, su renombre e importancia en el panorama de la animación japonesa sería indiscutible por su tremenda calidad en la animación y por el impacto y relevancia que tuvo a nivel internacional en su momento. También tendríamos las primeras películas del estudio Ghibli, como Nausicaä del Valle del Viento (1984) y, por supuesto, otros títulos indispensables como Mi vecino Totoro (1988), La tumba de las luciérnagas (1988) o incluso la encantadora Kiki’s delivery service (1989). De todas ellas podéis leer mi opinión en el Top de películas Ghibli que hice en conmemoración del segundo aniversario del blog.

Sobre las películas de Ghibli es importante mencionar respecto a la década que suponen una excepción a toda la producción que se hace durante los ochenta, ya que el estilo de películas que haría el estudio de Miyazaki, al menos a excepción de Nausicaä, estarían bastante lejos de lo que sería la regla general. En ese aspecto se notan mucho más los precedentes de Miyazaki en los animes de los 70 del World Masterpiece Theater (Heidi, El perro de Flandes, Ana de las Tejas Verdes…), obras mucho más cercanas a películas como Totoro o Kiki, que no Akira o cualquiera que os haga la recomendación a continuación

Pondré una puntuación de recomendación del 1 al 5 como orientación de lo que vale la pena cada película, donde:

1: No vale la pena perder el tiempo en ella, totalmente olvidable.

2: Correcta, pero nada sobresaliente o de gran calidad.

3: Buena, puede que no del agrado de todo el mundo, pero merece un intento.

4: Muy buena, aunque con sus defectos y puede que no tan icónica como para ser algo indispensable de ver.

5: Excelente, indispensable de ver de la década.

 

Golgo 13: The profesional

Título: Golgo 13: The profesional

Año: 1983

Director: Osamu Dezaki (Ace wo Nerae, Ashita no Joe, The Rose of Versailles…)

Géneros: seinen (+18), acción, aventura, drama

Estudio: TMS Entertainment

Duración: 1h 30min.

Duke Togo, conocido popularmente como “Golgo 13”, es un asesino profesional de fama mundial. En su último trabajo matará al hijo heredero de una empresa estadounidense muy poderosa, y con ello se ganará la enemistad de su padre Leonard Dawson. Dawson se codea con el FBI, la CIA… de modo que esta vez Golgo se enfrentará a un poderoso enemigo que lo intentará matar a toda costa para vengarse del asesinato de su hijo Robert.

Golgo 13 es uno de lo mangas más longevos de la historia (lleva publicándose desde 1968), y esta película de los 80 es una de las múltiples adaptaciones al anime que ha tenido este asesino implacable. Si bien esta no va mucho más allá de ser pura acción, violencia y alguna que otra escena de sexo, todo ello es presentado con un apartado artístico impecable, con un nivel de detalle muy cuidado y pasado todo con un toque oscuro y penumbroso que le sienta fantástico al callado y serio protagonista que es Golgo.

Si buscas una buena película de acción, con un argumento y banda sonora decentes, y un protagonista bien viril y de porte imperturbable, Golgo 13: The profesional es una buena elección. Como curiosidad decir que este fue de los primeros animes en introducir animación por ordenador, lo cual sería muy innovador en la época, aunque supone un claro altibajo en el apartado artístico de la película.

NOTA: 3’5/5

 

Wicked City

Título: Youjuu Toshi (Wicked City)

Año: 1987

Director: Yoshiaki Kawajiri

Géneros: seinen (+18), acción, aventura, drama, horror, super poderes

Estudio: Madhouse

Duración: 1h 22 min

El mundo humano y el de los demonios se encuentran en paz gracias a un tratado firmado cada cien años. Ha llegado el momento de renovarlo para mantener la cordialidad entre ambos mundos, y Taki Renzaburo, junto a su nueva compañera Makie (una mujer demonio), deberán encargarse de proteger a un importante hombre sin el que el tratado no puede firmarse.

Dirigida por Yoshiaki Kawajiri, director que en los 90 crearía la clásica película de ninjas “Ninja scroll”, en los 80 se encargó de dirigir Wicked city, adaptación de una novela que se podría resumir en tres palabras: sexo, acción y demonios. Aunque el argumento es simple, la mezcla entre el horror demoníaco, junto a la acción y el erotismo dan un buen resultado. Como película de horror cumple gracias a la mezcla entre lo demoníaco y lo erótico, pero no está a la altura de películas posteriores de Kawajiri.

NOTA: 2’5/5

 

The Dagger of Kamui

Título: Kamui no Ken (The Dagger of Kamui)

Año: 1983

Director: Rintaro (Metroplis, corto Labyrinth Laberintos, Genma no Taisen…)

Géneros: shonen, aventura, fantasía, drama, histórico

Estudio: Madhouse

Duración: 2h 12 min

Drama histórico que nos narra la trágica historia de Jiro, un joven mitad ainu mitad japonés que vive como hijo adoptado. De joven, su madre y hermana serán asesinadas y él acusado del crimen, con lo que se verá obligado a huir de sus perseguidores. En el camino será ayudado por el monje Tenkai, el cual le revelará la verdadera identidad de su padre, un ninja llamado Tarouza. A raíz de este descubrirá la existencia de un tesoro misterioso que parece que su padre biológico quería encontrar, pero que no pudo. Al final resulta que su padre habría trabajado y buscado el tesoro bajo las órdenes del propio Tenkai, pero que al enamorarse le abandonó y fue considerado un traidor. Todos los males de Jiro acaban reduciéndose a un solo nombre: Tenkai, de modo que una vez se le revela esto querrá buscar venganza por su desgracia y encontrar el tesoro que le costó la vida a su padre.

Aunque la película es decente y con mucho potencial, tiene un grave problema, y es que la historia es demasiado grande como para ser adaptada en una sola película de dos horas. Se nota que la larga aventura que llega a recorrer el protagonista requiere de muchas páginas y, consecuentemente, de una buena cantidad de metraje para que esta no quede totalmente acelerada y recortada. Hay muchos personajes importantes que no tienen el desarrollo necesario para el peso que tienen en la historia y para el protagonista, momentos que requieren de muchos más minutos de los que se les da, varios giros argumentales que no se aprecian al ir todo tan acelerado… Venganza, aventura, intereses políticos, ninjas, historia y algunos buenos combates, Kamui no Ken está formada por unos elementos que si se hubiesen presentado y desarrollado durante algunas películas más hubiesen estado mucho mejor, pero que al verse reducidos a dos horas no pueden disfrutarse como deberían. Un soplo de aire fresco en una década tan llena de ciencia ficción, pero muy mejorable.

NOTA: 2/5

 

Queen Millennia

Título: 1000-nen Joou: Queen Millenia 

Año: 1982

Géneros: aventura, fantasía, drama, ciencia ficción

Estudio: Toei animation

Duración: 2h

Manga: 5 tomos escritos y dibujados por Leiji Matsumoto (Capitán Harlock, Galaxy Express 999…)

Es el año 1999, y la Tierra se ve amenazada por el acercamiento del planeta Lametal, cuya proximidad provoca catástrofes al planeta azul. Además, los habitantes de este planeta en eterna deriva espacial no habían supuesto nunca una amenaza para la humanidad, pero parece que esta vez que vuelven a acercarse al planeta humano tienen otras intenciones…En poco tiempo hará que la lametaliana Reina Milenaria haga 1000 años que se encuentre en el planeta Tierra, y una vez ha aprendido a amar a los humanos aún con sus defectos, quiere defenderlos a toda costa aunque sea por el precio de traicionar a su raza. Durante la historia se les ha confiado a las Reinas Milenarias vigilar a los humanos, pero esta última Reina, Promethium II (Yukiko Yayoi), parece haberse encariñado demasiado con los humanos, y estará en desacuerdo con la nueva voluntad de los líderes de su planeta natal.

La historia me pareció muy buena, trágica, potente y de proporciones planetarias, con batallas entre naves espaciales, conflictos de ideales y de intereses personales contra los deberes que se les atribuyen a los personajes… Por desgracia, sentí que las dos horas de película fueron un gran clímax para una historia que debería haberse contado de forma más calmada y mejor planteada. Tenemos muchos personajes clave para la historia y para la propia Reina Milenaria como Hajime, Selen o Fara, con los cuales es difícil encariñarse en tan poco rato. Además, estos merecen y necesitan un mejor desarrollo para poder apreciar satisfactoriamente sus intenciones y emociones. Aún así, Queen Millenia sigue teniendo una muy buena historia que seguro es mejor desarrollada en la serie de televisión del 81, el argumento de la cual (al igual que el manga original) parece cambiar en varios puntos. ¿Cambiarán sus finales, el destino final de la tierra y el planeta Lametal? Probablemente lo acabe comprobando, pues aún los defectos de la película, el personaje de la Reina Milenaria me pareció muy interesante y con mucho potencial, al igual que el resto de personajes cuya presencia en la película se queda corta para un mayor aprecio de estos.

NOTA: 3’5/5

 

Space Adventure Cobra

Título: Space Adventure Cobra

Año: 1982

Director: Osamu Dezaki (Ace wo Nerae, Ashita no Joe, The Rose of Versailles…)

Géneros: acción, ciencia ficción

Estudio: TMS Entertainment

Duración: 1h 39min.

Cobra es el pirata espacial más famoso del universo, pues sobre él pesa la mayor recompensa que ha existido nunca (7 millones de petoros). En una de sus aventuras junto a su compañera androide Lady ayudará a la  cazadora de recompensas Jane, que es perseguida por un ser llamado Crystal Boy, un antiguo enemigo de Cobra. Con su poderosa Psycho-gun y su Magnum Cobra se enfrentará a Crystal Boy y descubrirá la historia detrás del misterioso planeta de origen de Jane: Myrus.

Cobra es otro de esos protagonistas ochenteros “tipo duro”, muy carismático, siempre con su puro y dispuesto a disparar con su Psycho-gun a aquél que se interponga en su camino. Una sencilla película de acción y ciencia ficción, con una fantástica animación y una dirección que denota mucho estilo y que ensalza la sencillez de la historia en algo mucho más disfrutable. Puede servir de introducción a la que sería la serie de televisión del mismo año, que consta de 34 episodios.

NOTA: 4’5/ 5

 

Harmagedon

Título: Genma Taisen

Año: 1983

Director: Rintaro

Géneros: acción, ciencia ficción

Estudio: Madhouse

Duración: 2h 11min

Genma es un ser malvado todopoderoso cuyo único afán es ir destruyendo todo aquello que se encuentra en su paso por el universo. Su siguiente objetivo es la Tierra, pero gracias a la profetisa Princesa Luna, que recibirá un misterioso aviso de un ser llamado Floy, podrá adelantarse a Genma e ir en busca de los espers más poderosos del planeta para reunir fuerzas para el combate final. La princesa Luna, el guerrero espacial Vega (cuyo planeta ya sufrió el ataque de Genma) y los espers de la Tierra serán los siguientes en hacer frente al enorme peligro que es Genma. ¿Serán estos valientes guerreros psíquicos capaces de vencer donde tantos han fallado durante miles de años?

Película muy simplona que solo vale la pena ver por la buena calidad en la animación de las escenas de combate con los poderes psíquicos. Más allá de eso, la historia no tiene misterio ni giro alguno y el malo es aburrido y sin gracia, al igual que el resto de personajes, cuyos diseños son sosos y facilones ya que son estereotipos según el país del que vienen estos. Como película de acción funcionaría si al menos los personajes tuviesen un mejor diseño o si fuesen algo desarrollados, pero a excepción de Vega, el resto visualmente son aburridos y como personajes totalmente planos y faltos de carisma.

NOTA: 1’5/ 5

Saboreando los 80, Parte IV: Mamoru Oshii

Nacido el 8 de agosto de 1951 en Tokio, Mamoru Oshii es reconocido por ser el director de películas como Ghost in the Shell o uno de los creadores de la franquicia de mechas Patlabor. Aunque su obra más memorable y destacable dentro de la historia del anime sería Ghost in the Shell (1995), durante los ochenta sería autor de algunos títulos interesantes que lograría hacer como director principal después de participaciones menores a finales de los setenta y principios de los ochenta como Ippatsu Kanta-kun (1977-78), Gatchaman II (1978-79) o Nils no Fushigi na Tabi (1980-81).

Mamoru Oshii

Amante de los bassets hounds y creador de uno de los mayores clásicos del cine cyberpunk, Oshii durante los ochenta labró una producción en la que podríamos ver ya su gusto por las obras de tono más bien serio, pausado y reflexivo. Según él, esa aproximación es fundamental e inevitable a la hora de tratar las relaciones humanas, y por ello ha sido un lector asiduo de filosofía. Se trata de un director influenciado por autores y obras occidentales, siendo alguna de las más evidentes Blade Runner (1982). Sin más dilación, veamos los trabajos más destacables del famoso director durante los años ochenta:

 

Dallos (OVA’s)

 

Año: 1983-84

Episodios: 4 (30 min. por episodio)

Género: acción, mecha, ciencia ficción

Para superar sus problemas de sobrepoblación y falta de recursos, en un futuro la humanidad se vio obligada a colonizar la Luna, de la que además extraerían un mineral que ayudaría a la economía terrestre. Sesenta años más tarde, en la tercera generación de colonos (ya nacidos como humanos lunares, y no terrestres) aparecerían organizaciones radicales que reivindicarían su pertinencia a la Luna y su condición de humanos lunares, queriendo luchar contra la opresión y diferencia de sus derechos respecto a los terrestres.

Consideradas las primeras OVA’s de la historia y, además, el debut como director de Mamoru Oshii, Dallos nos presenta un conjunto de temas muy interesantes como conflictos sociales, de identidad de pertinencia… Todo ello en un buen contexto futurista, con diferentes visiones políticas dispersas entre generaciones sobre cómo afrontar el conflicto entre terrestres y lunares, buenas escenas de acción y una más que decente banda sonora. Por desgracia, en las dos horas que llega a durar la historia no se puede desarrollar demasiado ni el argumento ni los personajes, dejando en sí todo bastante abierto y más como un planteamiento muy interesante y con potencial, pero que le falta una verdadera resolución o gran clímax. También hay algún tema religioso de por medio que no llega a ser desarrollado del todo y se deja bastante en el misterio.

Aún así, todo lo que presenta Dallos sigue teniendo mucho potencial y más profundidad temática que muchos otros animes de ciencia ficción de la época, de modo que merecen bastante la pena ser vistas por ello, además de por ser las primeras OVA’s de la historia y ser uno de los primeros animes sobre los que el futuro director de Ghost in the Shell tendría más responsabilidad. Desde 1981 Mamoru Oshii ya habría dirigido algunos capítulos de Urusei Yatsura, la cual no dejaba de ser ya una serie con renombre debido a su manga y, al fin y al cabo, una adaptación. No sería hasta Dallos que sus dotes como director serían más reconocidas al darle esa posición en una obra original, desvinculada de otro producto existente.

 

Mamoru Oshii y Urusei Yatsura

 

En 1983 y 1984 Mamoru Oshii se encargaría de dirigir las dos primeras películas de uno de los animes más famosos de la década: Urusei Yatsura (traducido como “Lamu” en España). Antes se habría encargado de dirigir también capítulos de la propia serie. Urusei Yatsura fue una larga comedia romántica (195 episodios) que adaptaría la primera obra de éxito del mismo nombre de Rumiko Takahashi, y cuyo argumento es el siguiente:

El protagonista de esta historia es Moroboshi Ataru, un adolescente de lo más pervertido que va detrás de todas las faldas que se le pongan por delante. Durante la invasión alienígena a la Tierra de la especie Oni, debido a un malentendido la bella alienígena Lum se piensa que debe casarse con él, instalándose así en su casa para conquistarle y parando la invasión inmediatamente. El repentino amor de Lamu por Ataru, la obsesión de este por las mujeres (aunque no por Lum) y los diferentes amigos y enemigos que decidirán dar una visita a la pareja protagonista harán la vida imposible a Ataru y compañía y les harán vivir mil y una aventuras.

 

Urusei Yatsura Movie 1: Only You

 

Año: 1983

Duración: 1h 42min

Género: comedia, drama, ciencia ficción, romance, aventura

La primera película de Urusei Yatsura no está muy lejos de lo que sería un capítulo normal de la serie, solo que más largo, con la presencia de la gran mayoría del reparto de personajes y con mejor animación. Una vez más, a Ataru le aparece una pretendiente alienígena con la que debe casarse, y esta vez es porque de pequeño se prometió con ella (¿de qué me suena esta historia?) a causa de una antigua tradición de su planeta que dice que si un hombre pisa la sombra de una mujer debe casarse con ella. Ya han pasado once años de esto, y parece que solo la princesa Elle, la extraterrestre con la que debe casarse, se acuerda de ello. Cuando van a buscar a Ataru a la Tierra para que contraiga matrimonio con la mujer a la que se prometió él no opone resistencia alguna, pero cuando Lum se entera de esto quiere evitarlo a toda costa, empezando así un enfrentamiento entre ambas pretendientes.

Como he dicho, la película argumentalmente no tiene nada de especial respecto a la serie original, aunque sí que se hace evidente la mejora en la animación y en la acción. Ahora bien, ¿es necesario haber visto algo de la serie para ver la película? De Urusei Yatsura tengo vistos 80 episodios, de modo que conozco bastante bien a los personajes, sus gags y demás relaciones que se desarrollan en la serie. Si bien argumentalmente es muy básica y no tiene misterio alguno, si uno no conoce nada a los personajes ver la película sería quedarse un poco a medias. Aún más si se tiene en cuenta que aparecen prácticamente todos los personajes principales y secundarios. Sirve como buen ejemplo de lo que es un buen capítulo de la serie, pero es mejor estar un poco familiarizado con los personajes para poder disfrutarla completamente. Pero si tienes ganas de ver cómo son los personajes y cómo funciona más o menos la serie, puedes probar a verla como introducción, en vez de empezar un anime de casi 200 episodios.

 

Urusei Yatsura Movie 2: Beautiful Dreamer

 

Año: 1984

Duración: 1h 35min

Género: comedia, drama, ciencia ficción, romance, aventura, misterio

Por otro lado, tenemos Beautiful Dreamer, la película de la franquicia con más renombre. Una vez vista es bastante lógico el porqué, ya que se desmarca bastante del tono general de la serie original (o el de la primera película), para así poder ofrecer un argumento más complejo y trabajado, pero manteniendo los personajes de la serie y algunos de los gags recurrentes que se dan entre ellos. En este caso tenemos una película en la que se nota más la mano de Oshii como director, y que usa los personajes de la icónica serie para una historia muy diferente de lo que es la esencia original de la eterna comedia romántica creada por Rumiko Takahashi.

Esta vez Ataru o Lum no son el objetivo de alguien, sino que todos los personajes principales se ven afectados por un extraño suceso. Ataru y compañía están preparándose con mucho ahínco para el festival de la escuela y la acción empieza un día antes de que empiece. Pero después de tanta preparación el deseado día nunca llega, y no es hasta que uno de los profesores se da cuenta y a raíz de su repentina desaparición, que Ataru, Lum, Sakura-sensei, Mendou y el resto de sus amigos empezarán una nueva y misteriosa aventura para descubrir lo que está ocurriendo con su realidad.

Muy buena película que aunque se aleja mucho de las divertidas y alocadas aventuras a las que acostumbra la serie original, permite disfrutar de los mismos personajes en un contexto y un argumento más complejo y más cercano al tipo de historia en la que Oshii parece preferir trabajar. Respecto al visionado o no de esta película, lo mismo que he dicho respecto a Only you, solo que esta vez no es recomendable como ejemplo de lo que en general es la serie, ya que esta suele quedarse en aventuras más simples y absurdas. Beaufitful Dreamer es algo más pausada, no hay tanta interacción de amor-odio entre Lum y Ataru, y a través de una historia algo más enrevesada (de la que es mejor no desvelar nada), se vuelve algo más profunda respecto a alguno de los personajes.

 

Tenshi no Tamago (Angel’s egg)

 

Año: 1985

Duración: 1h 11min

Género: drama, fantasía

Pero para hablar de animes enrevesados, complejos y crípticos no hay mejor OVA que “Angel’s egg” para darle un rato a la cabeza e intentar desentrañar el significado, el sentido o la misma lógica a esta escasa hora de animación. El argumento más evidente, lo que se ve a simple vista, no tiene demasiada complicación: en un contexto postapocalítpcito una niña pálida de una larga cabellera blanca porta un gran huevo. Además de protegerlo como si se tratara de su hijo, está obcecada en llenar de agua frascos de cristal. Cuando parecía que estaba sola en el paraje desolado y vacío de vida en el que se encuentra, aparece un misterioso chico de piel morena y pelo blanco que le pregunta por el huevo.

Una enigmática OVA que, independientemente de su significado y temática, gracias a un apartado artístico impecable (de las manos de Yoshitaka Amano) logra construir un mundo con una expresividad muy potente, que transmiten de forma muy certera una gran sensación de desolación, confusión y misterio. Un mundo sobre el que se narran unos hechos abiertos a múltiples interpretaciones, y a los que se les puede atribuir mucha simbología cristiana.

En la hora y diez minutos que dura Tenshi no Tamago probablemente podemos encontrar al Mamoru Oshii más críptico y reflexivo, y que junto al tétrico aunque visualmente agradable arte de Yoshitaka Amano, dan como resultado una obra que te dejará dando vueltas acerca de ella durante un tiempo. Como no puedo extenderme demasiado en esta, me reservo la opinión más amplia que tengo sobre ella en la entrada propia que merece.

 

Oshii ha admitido en entrevistas haber leído de joven la Biblia, entre otras obras occidentales, dato curioso y que se evidencia en obras como esta debido a la presencia de elementos de la tradición cristiana. Su interés y disfrute de la cultura occidental da como resultado eclécticas obras como esta, pero por desgracia Angel’s eggs sería un fiasco en ventas, llevando al joven director a un duro tiempo de sequía de trabajo. No sería hasta Patlabor (1988-89) que su carrera remontaría.

 

Twilight Q (OVA’s)

 

Año: 1987

Episodios: 2 (30min. por episodio)

Género: misterio, psicológico, ciencia ficción

El primer episodio, que no está dirigido por Oshii, es una interesante historia de ciencia ficción y misterio en la que una chica se encuentra una cámara bastante desgastada en la playa. Cuando la lleva a revelar ve que en esta hay una fotografía de ella con un chico que no conoce. Pero esta no es la única sorpresa, pues cuando investigan sobre de dónde puede haber llegado esa cámara, les dicen que aún no ha sido lanzada al mercado y que faltan dos años para que lo haga… Curiosa historia bien cerrada que aunque deja alguna cosa sin explicar, mantiene bien el tono de misterio e intriga.

El segundo episodio es el que está dirigido por Oshii, y nos cuenta la intrigante historia de un detective que tiene el encargo de investigar un apartamento en el que viven un señor mayor y la que se supone que es su hija pequeña. Aparte de eso, durante el mes de verano en el que suceden los hechos están desapareciendo aviones sin saber cómo,  ni dónde han ido a parar. ¿Estarán los hechos mencionados relacionados de algún modo? Aún lo corto que es el capítulo Oshii logra mantener la atención y el ambiente de misterio durante los 30 minutos que dura la historia, con buenos giros que mantiene la tensión y jugando un poco con la realidad y con la mente del espectador.

 

Mamoru Oshii y Headgear

Patlabor

Patlabor sería un proyecto que Oshii llevaría a cabo junto al grupo de artistas del mundo del manga y el anime Headgear, fundado con el propósito de que sus miembros mantuviesen en su poder los derechos de copyright de las obras producidas. Algunos de sus miembros y su implicación en Patlabor serían: Yuuki Masami (concepción original y autor del manga), Kazunori Ito (guión de las OVA’s y películas), Yutaka Izubuchi (diseño de mechas), Akemi Takada (diseño de personajes) y Kenji Kawai (música).

 

Mobile Police Patlabor (OVA’s)

 

Año: 1988-89

Episodios: 7 (30min. por episodio)

Género: acción, ciencia ficción, mecha, comedia

Después de obras como Tenshi no Tamago o Twilight Q, Oshii se subiría al carro del mainstream de los ochenta dirigiendo una de las clásicas franquicias de mechas de la época: Patlabor. Serie mucho más ligera de lo que suelen ser sus animes que nos cuenta la historia futurística de las fuerzas policiales de Tokyo. En este futuro los mechas, llamados aquí “Labor”, han sido creados y son usados en todo tipo de trabajos. Con los Labor llegarían también crímenes de su nivel y, por tanto, la policía también debería hacer uso de ellos para combatir a los criminales.

Cada capítulo cuenta un caso diferente al que se enfrentará la policía y sus nuevos cadetes introducidos en el primer episodio. En general mantiene un tono humorístico que hace que sea agradable de ver y disfrutar de la buena acción y sus simpáticos protagonistas. Aunque con esta serie Oshii se alejaría algo de sus temáticas más densas, Patlabor igualmente no es del todo una serie de mechas tan mainstream como otras de la década, pues aplica estas grandes máquinas en situaciones más comunes, y no en grandes sucesos bélicos y militares como en Gundam, Macross, Gunbuster, Dangaioh… Es mucho más realista o natural que todas estas, y en ese aspecto es recomendable si uno quiere ver algo del género pero no le atraen ese tipo de historias militares o con argumentos muy rimbombantes. Patlabor es mucho más sencilla y divertida, pero igualmente entretenida.

 

Mobile Police Patlabor The Movie

 

Año: 1989

Duración: 1h. 39min.

Género: acción, ciencia ficción, mecha, comedia

Si las OVA’s originales de Patlabor toman el género mecha desde una perspectiva más ligera y humorística, y lo trasladan a un contexto más corriente como pueden ser las fuerzas policiales, la película secuela sigue un poco el espíritu de esas primeras 7 OVA’s, aunque se vuelve algo más seria con un buen argumento de misterio y lleno de investigación. En este nuevo caso para las fuerzas policiales de Tokyo la ciudad entera se verá en peligro a causa de un seguido de incidentes que están sucediendo con los Labor. Están habiendo casos en los que estas modernas máquinas están perdiendo el control, incluso cuando van sin piloto. A esto se le suma que Tokyo está más lleno de Labor que nunca, pues se está llevando a cabo el mayor proyecto de construcción del siglo: el proyecto Babylon. ¿Tendrá algo que ver con todo esto el misterioso suicidio de un hombre en el lugar de construcción del proyecto?

Secuela de las primeras OVA’s de Patlabor que sigue el mismo estilo de estas, aunque esta vez cuenta con menos presencia de los mechas y con menos acción. La mayoría de la película es el desarrollo de la investigación acerca de los extraños sucesos que se están dando con los Labor, está enteramente protagonizada por los personajes en sí mismos y con pocas escenas con los mechas. Incluso tiene su pequeño momento de reflexión made in Oshii. Por ello es más recomendable introducirse en la franquicia a través de las OVA’s, que son mucho más ligeras y mejores para familiarizarse con los personajes. Unas vez vistas, y si te han gustado, la película es 100% recomendable pues presenta un argumento más complejo y con mayor desarrollo que cualquiera de los casos de las OVA’s.

La franquicia Patlabor cuenta también con una serie de 45 capítulos que empezó su emisión en 1989 y en la que Oshii participaría. Seguro que sigue el mismo tono que las obras mencionadas y probablemente algún día la vea (al igual que la segunda película de 1993), pero no encontré necesario alargar más el repaso de las obras del autor ya que sería solo una obligada serie de televisión para exprimir algo más una franquicia de éxito cuya producción se reducía en el momento a unas OVA’s y una película.

 

Gosenzo-sama Banbanzai! (OVA’s)

 

Año: 1989-90

Episodios: 6 (30 min. por episodio)

Género: comedia, ciencia ficción

Finalmente, tendríamos Gosenzo-sama Banzai!, seis OVA’s que aun siendo de comedia seguirían también el estilo de las obras de Oshii. En este caso la historia nos narra la vida de la familia Yomota, compuesta por la madre (Tamiko), el padre (Kinekuni) y su único hijo de 17 años Inumaro. Su vida transcurre de forma totalmente corriente, con sus más y sus menos, pero hasta que un día la llegada de una chica de la misma edad de Inumaro lo cambia todo. Ella es Maroko Yomota, y se presenta diciendo que es la nieta de Inumaro! A partir de esta inesperada visita la vida de la familia Yomota se trastornará, empezando por el abandono de la madre de su marido e hijo, que son los únicos que se creen la historia de Maroko.

Aunque la comedia no es un género que conecte demasiado con el tono usual de las obras de Oshii, en este caso funciona al presentar la historia de una forma muy concreta y peculiar. La acción va transcurriendo casi como una obra de teatro, como si se tratase de una tragicomedia con sus monólogos e incluso en la que se incluyen números musicales. Todo transcurre de una forma bastante alocada, con un tono humorístico mientras se va criticando y debatiendo sobre las relaciones sociales que se dan en familia, que es al fin y al cabo el tema de fondo de esta curiosa historia de ciencia ficción y comedia. Al principio se puede hacer pesada, pero conforme avanza y uno va viendo las pretensiones de la historia se va disfrutando más.

 

Mamoru Oshii Y Yoshiyuki Amano
Mamoru Oshii y Yoshitaka Amano en una entrevista sobre Angel’s egg

Y hasta aquí esta entrada sobre Mamoru Oshii, espero haberlo presentado bien tanto a él, como a sus obras hechas durante esta década que estoy tratando en múltiples entradas. A parte de ver las obras comentadas, me he servido de las siguientes entrevistas para informarme sobre él, las cuales recomiendo ver y leer:

Entrevista en youtube. Recomendada especialmente para conocer la continuación de la carrera de Oshii después de Patlabor.

Entrevista sobre Angel’s egg.

http://dorkshelf.com/2014/07/12/interview-mamoru-oshii/

http://www.ign.com/articles/2004/09/17/interview-mamoru-oshii?page=1

 

Saboreando los 80, Parte III: Impresiones de series (1)

Tenía pensado hacer esto como una entrada de primeras impresiones de temporada, pero al final preferí algo más completo y con menos animes de la década para ofrecer unas mejores impresiones de cada serie y no quedarme en la superficie de cada una. Los 80 están llenos de series de televisión de animes muy largos, entre ellos eternas comedias románticas (Urusei Yatsura o Ranma ½), romances (Touch, Maison Ikkoku) o shonen de peleas (Saint Seiya, Hokuto no Ken, Dragonball…), así que para esta entrada de momento solo me centraré en algunos animes relativamente cortos que he ido viendo y que el tiempo me ha permitido hasta ahora disfrutar. Probablemente, lo mejor de la década se esconde entre esas largas series, pero como no todo el mundo quiere ni puede meterse a empezar un anime de 200 capítulos, aquí tenéis las impresiones y recomendación de 5 animes de duración asumible (alrededor de 50 capítulos como máximo).

Pondré una puntuación de recomendación del 1 al 5 como orientación de lo que vale la pena cada serie, donde:

1: No vale la pena perder el tiempo en ella, totalmente olvidable.

2: Correcta, pero nada sobresaliente o de gran calidad.

3: Buena, puede que no del agrado de todo el mundo, pero merece un intento.

4: Muy buena, aunque con sus defectos y puede que no tan icónica como para ser algo indispensable de ver.

5: Excelente, indispensable de ver de la década.

 

Kimagure Orange Road

Años de emisión: 1987-88

Género: romance, comedia, sobrenatural

Estudio: Pierrot

Episodios: 48+ 8 OVA’s+ 1 película

Clásico del género de comedia romántica, Kimagure Orange Road nos cuenta la historia de Kyosuke Kasuga, quien a sus tiernos 15 años tendrá sus primeras experiencias románticas viéndose envuelto en un triángulo amoroso con Madoka Ayukawa y Hikaru Hiyama. Siendo la primera más madura y reservada y la otra pura inocencia y alegría, junto a un típico protagonista patoso e indeciso resulta en una comedia romántica que equilibra bien sus dos géneros, y aunque se alarga algo más de los necesario y da algunas vueltas de más, nos deja con una bonita banda sonora (y excelentes openings), capítulos bien divertidos o con una buena tensión romántica, y un muy buen final en una película que cierra todo lo desarrollado durante la serie. Las OVA’s adaptan capítulos del manga, pero no son imprescindibles de ver.

Sinceramente, una de las mejores comedias románticas que he podido ver. Por tener un trío protagonista bien carismático y que contrasta a la perfección, una banda sonora con algunos temas preciosos, y un toque sobrenatural que ameniza muy bien el disfrute del día a día de Kyosuke y compañía, Kimagure Orange Road es una excelente comedia romántica, que si bien no es perfecta, sí un must see para los amantes del género y del romance en general. Si queréis saber más sobre ella aquí tenéis la reseña que le hice.

NOTA: 4’5

 

 

Dirty Pair

Años de emisión: 1985

Género: acción, ciencia ficción, aventura, policíaca

Estudio: Sunrise

Episodios: 24+ 12 OVA’s+ 1 película

Serie de acción ligerita protagonizada por las Lovely angels Kei y Yuri, una pareja de agentes de la WWWA, empresa que se dedica a resolver problemas enviando a sus mejores agentes a solucionarlos. Kei y Yuri también son conocidas por el infame nombre de “Dirty pair”, ya que cada vez que estas gamberras chicas de acción tienen que resolver un caso acaban produciendo muchos daños colaterales y destrucción a su paso. Muy episódica y con un diseño de las protagonistas bastante icónico, Dirty pair no es una gran serie ni algo que merezca mucha atención, pero cumple bien con su cometido: acción, entretenimiento y diversión a través de los diferentes trabajos de Kei y Yuri.

Es interesante ver en la década un par de protagonistas femeninas independientes de personajes masculinos, pero ellas mismas (aunque son divertidas y como dúo funcionan bien) son personajes más bien simples y se mantienen bastante planos a lo largo de la serie. Cumplen como protagonistas de una serie de acción, pero no tienen desarrollo alguno o profundidad, y cualquiera de sus deseos es bastante superficial. La película es como un episodio largo, solo que con mejor animación y dibujo, banda sonora y más destrucción. Lo cual está bien y la hace más interesante si te pica la curiosidad a ver alguna aventura de la Dirty p… las Lovely angels.

NOTA: 2

 

Ginga Nagareboshi Gin

Años de emisión: 1986

Género: acción, drama, aventura

Estudio: Toei Animation

Episodios: 21

El temible oso Akakabuto ha tomado hace tiempo el control del desfiladero de Futago, y ante su amenaza intentarán acabar con él los cazadores de osos como Gohei. La historia empieza con su enfrentamiento contra este junto a su perro Riki, pero la pelea será fatal para estos, y su legado será traspasado al cachorro de Riki acabado de nacer. Para vengar la muerte de su padre y mantener el legado de su raza Akita Tora-ge (usada tradicionalmente por los cazadores de osos), Gin tendrá un largo camino que recorrer para estar a la altura de su destino y voluntad.

Con un cierto tono épico, Ginga Nagareboshi Gin nos narrará como Gin se separará de aquellos humanos que lo vieron nacer para formar parte de una jauría de perros salvajes en la que encontrará grandes amigos y aliados para enfrentarse a su destino final. Un anime protagonizado casi al completo por perros, pues al principio son presentados algunos humanos que una vez Gin se separa de ellos estos toman un papel mucho más secundario. Los perros son humanizados y hablan, pero se hace de una forma particular bastante acertada, pues las relaciones que se dan entre ellos se dan en valores muy marcados y con cierto aire militar como el honor, la valentía, el orgullo, la lealtad o la idea de soldado. Estos son temas fundamentales en la historia y que marcan mucho a los personajes, y hacen que se aleje la visión de estos como simples perros.

Mucha acción cruda y violenta, aunque con sus altibajos debido al uso de frames totalmente estáticos que actualmente pueden cortar mucho el dinamismo de una escena de pelea. El autor se concede bastantes licencias a la hora de los movimientos de los perros en favor de la espectacularidad y variedad, y tiene sus toques de fantasía al introducir cosas como “perros ninja” o técnicas especiales. Más allá de estos pequeños detalles (poco frecuentes), y que los osos enemigos son casi como monstruos, la serie mantiene bastante las patas en la tierra.

Uno de los animes de los 80 que me ha parecido que más le pesan los años, especialmente en la música y la dirección, pues la expresión del drama o la sorpresa se sienten muy antiguos y que ya no expresan tan bien lo que pretenden en comparación a los estándares actuales. Aún así,, los personajes animales están bien definidos, con buenos desarrollos y todo acaba resultando en un anime con una historia épica, con temas potentes, que se siente muy de la época y que también merece ser vista por ese protagonismo animal tan poco usual en el anime.

PD: no apta para gente sensible al sufrimiento animal.

NOTA: 3’5

 

Space Runaway Ideon

Años de emisión: 1980-81

Género: mecha, ciencia ficción, acción

Estudio: Sunrise

Episodios: 39 + 2 películas

Dirigida por Yoshiyuki Tomino (Gundam), Space Runaway Ideon nos cuenta la historia futurística de una colonia humana situada en el planeta llamado “Solo”. Se trata de un futuro en el que la humanidad ha establecido diversas colonias a lo largo de la galaxia, en la que solo se han encontrado restos de extintas civilizaciones alienígenas. En primera instancia el planeta Solo no es diferente, pues encontrarán los restos de la “Sexta civilización”, pero entonces sufrirán el ataque y primer encuentro con vida extraterrestre: el Clan Buff. Estos van en busca de los restos de la Sexta civilización y del poder de “Ide”, algo que los humanos de Solo han encontrado primero. En este primer encuentro Cosmo, Kasha y Jordan Bes se subirán a unos vehículos de esta antigua civilización, y entonces despertarán al poderoso mecha al que llamarán “Ideon”, gracias al cual podrán combatir al Clan Buff. A partir de ese momento empezará una larga persecución espacial constante entre los humanos del planeta Solo y el Clan Buff.

Con un planteamiento bien interesante y con mucho potencial, Space Runaway Ideon por desgracia se alarga en una cantidad de capítulos innecesarios que, además, se vuelven muy repetitivos en una constante batalla entre el Clan Buff y los humanos liderados por Jordan Bes. Aún eso, a lo largo de los 39 episodios la serie presenta algunos elementos de ciencia ficción interesantes, un desarrollo de personajes decente y un buen misterio alrededor del gran mecha Ideon. El choque entre las dos razas alienígenas es bien aprovechado en algunos momentos (social o culturalmente), mientras que en otros es totalmente olvidado que son dos razas distintas que no deberían ni poder entenderse lingüísticamente. También están bien presentados los conflictos entre los personajes de la nave Solo, y los posteriores que se dan entre otros asentamientos humanos del espacio.

La serie fue cancelada y debido a eso contó con un final totalmente precipitado, no solo argumentalmente sino que también a nivel de relaciones entre personajes. Es por ello que en 1982 se hicieron dos películas: “A Contact”, un resumen de gran parte de la historia, y después “Be Invoked”, el apoteósico y más satisfactorio final. ¿Mi recomendación? Después de pasar por los 39 episodios, que pueden volverse algo pesados debido a su repetitividad del conflicto entre las partes enfrentadas, probablemente lo mejor es verse directamente la primera película resumen y después la segunda que cierra la historia. Be Invoked es conocida por haber sido una influencia en Evangelion, y si bien eso se puede notar en algunos aspectos, esta está igualmente a años luz de llegar al nivel del clásico de GAINAX.

NOTA: 2

 

 

Sakigake!! Otokojuku

Años de emisión: 1988

Género: escolar, comedia, artes marciales, acción

Estudio: Toei animation

Episodios: 39 + 1 película

Imaginad como sería el instituto ideal que acogería personajes como Kenshiro, Jotaro, Golgo… y Otokojuku sería la materialización de ello. Probablemente, uno de los animes escolares más locos que haya podido ver. El instituto Otokojuku solo acoge a estudiantes hombres expulsados de otras escuelas, y a través de sus estrictos métodos de educación pretende refinar su masculinidad y hombría. Podría decirse que es una versión menos surrealista de Sakigake!! Cromartie Highschool, pero no por ello menos absurda.

Sakigake!! Otokojuku es un constante ensalzamiento de la virilidad y masculinidad hasta niveles absurdos, valores con los que la serie juega un poco y se nota el tono más irónico y de burla con lo estúpido que puede llegar a volverse cada capítulo. Los ochenta están plagados de protagonistas machotes, orgullosos, imperturbables y capaces de soportar cualquier situación, y este anime va saltando un poco entre la burla de ello con lo absurdo de su comedia, aunque a veces sí se los toma algo en serio. Con una cierta perspectiva más moderna se hace mucho más disfrutable.

Los niveles de absurdo van entre el maltrato constante de los protagonistas, castigos brutales que son directamente torturas o peleas a muerte entre estudiantes apoyadas por el propio director. Con frases lapidarias como: “Un hombre no debe mostrar sus lágrimas nunca, ni siquiera en el funeral de sus padres”, Sakigake!! Otokojuku es una de las pocas comedias que he podido encontrar de la década, y aunque puede que se alargue más de lo necesario, a cada capítulo va sorprendiendo con su nuevo alocado modo de reírse de valores masculinos tan recurrentes de la década. Conforme va avanzando se va convirtiendo más en un anime de peleas y va dejando de lado más la comedia, pero nunca del todo pues siempre está presente gracias a algunos personajes.

NOTA: 3

Y hasta aquí las impresiones y recomendaciones de estos 5 animes de los 80, espero poder hacer en un futuro -probablemente lejano- más entregas de impresiones de series cortas.

Saboreando los 80, Parte II: OVA’s (1)

Una de las dificultades o pegas que pueden presentarse a la hora de querer ver los animes que se hicieron en los 80 es que muchos de ellos, o al menos aquellos que más han pasado a la posteridad, son series de televisión de larga duración: Dragonball, Urusei Yatsura, Ranma ½ , Gundam, Macross, Saint Seiya… Evidentemente, hay series que no llegan a los 100 episodios, o que rondan los 50 o menos, pero a esos ya les dedicaré otra entrada. Hay otros dos formatos a través de los que disfrutar la animación de los 80: las películas, y el formato que nació a principios de la década, las OVA’s (Original Video Animation). Es decir, animes cuya primera salida al público no se dio ni por la televisión ni en las grandes pantallas del cine, sino que directamente se puso a la venta.

 

La existencia de este formato no podría haberse dado sin la invención a mediados de los 70 de los sistemas de reproducción de vídeo domésticos VHS y Betamax. El primer sistema de VHS (Video Home System) sería de la compañía Japan Victor Company (JVC), que lanzó su sistema de reproducción de vídeo analógico doméstico en 1976. Sería lanzado como competidor de Betamax, sistema de menor duración pero de mayor calidad de vídeo, y que sacaría un año antes Sony.

No sería hasta 1983 que el estudio Pierrot sacaría las primeras OVA’s de la historia: Dallos, una serie de 4 OVA’s de 30 minutos cada una, y que además supusieron el debut como director de Mamoru Oshii. Un anime que no comentaré en esta entrada, pero sí en una futura sobre el director. Se tardaron 8 años desde la salida del primer sistema de reproducción de vídeo doméstico a que este fuese aprovechado por los estudios de animación, y sería lógico pensar que las productoras o los estudios no se decidiesen a sacar anime en ese formato hasta que no se afianzase el mercado de ese novedoso sistema de vídeo.

 

El formato de OVA presenta varias diferencias respecto a los animes en forma de serie de televisión y de película. Primero de todo, y el más usual, la durada. En general las series de OVA’s presentan pocos capítulos (a veces son de uno solo), pero en cambio estos suelen durar más minutos, llegando algunos incluso a la hora. Por supuesto, tenemos algunas excepciones como Ginga Eiyuu Densetsu (Legend of the Galactic Heroes, 1988-1997), que llega a los 110 episodios. El tiempo de puesta en venta ya depende de la largada de la serie o duración de cada episodio. Las series de OVA’s, al igual que las películas, suelen presentar una mayor calidad en dibujo y animación, dejándonos algunas joyas como Bubblegum Crisis (1987-1991), una de las OVA’s con más renombre y de la que hice una reseña. Otro de los elementos más destacables del formato es que al salir directamente a la venta no pasa por las posibles restricciones o filtros de la televisión o el cine, dejando más libertad al estudio, director… a la hora de crear el anime, en el caso de que no sea una adaptación. La prueba para afirmar esto último está en que en las OVA’s es donde se concentra la mayor cantidad de anime no apto para todos los públicos, siendo las películas el siguiente formato en el que vemos más anime +18. Como curiosidad a esto último, decir que el primer anime hentai es de 1984 y, efectivamente, salió como una serie de OVA’s (Lolita anime). En las OVA’s también es donde se concentra la mayor cantidad de animes originales (no adaptaciones), un producto más arriesgado a la hora de crear ya que no cuenta con la popularidad de una obra ya existente. Pero el tema de la creación de animes originales y adaptaciones pertenece a otra entrada.

Una vez acabada esta introducción, me gustaría presentar 5 series de OVA’s que he visto, y a las que he atribuido una nota que especifico a continuación:

1: No vale la pena perder el tiempo en ella, totalmente olvidable.

2: Correcta, pero nada sobresaliente o de gran calidad.

3: Buena, puede que no del agrado de todo el mundo, pero merece un intento.

4: Muy buena, aunque con sus defectos y puede que no tan icónica como para ser algo indispensable de ver.

5: Excelente, indispensable de ver de la década.

Esta no va a ser la única entrada sobre OVA’s de la década, y conforme vaya viendo iré comentándolas y presentándolas en el blog, al menos aquellas que merezcan algún tipo de mención y hasta que crea que he hecho un buen repaso al formato dentro de la década.

 

Midnight Eye: Goku I&II

 

Año: 1989

Género: seinen (+18), acción, ciencia ficción, misterio

Episodios: 2 (50 min cada uno)

Estudio: Madhouse

Director: Yoshiaki Kawajiri (Ninja scroll, Bio Hunter, Demon city Shinjuku…)

Goku Fuurinji es un detective privado cuyo ojo izquierdo artificial tiene un increíble poder, y es que puede controlar cualquier tipo de mecanismo que funcione con un ordenador. Las dos OVA’s nos muestran dos casos en los que trabaja Goku, el primero siendo una investigación de un seguido de suicidios inducidos, y en el segundo le contratarán para la investigación de un hombre desaparecido.

Goku es el típico protagonista tipo duro ochentero, de los que no mira hacia atrás cuando provoca una gran explosión. Por desgracia, los OVA’s no cuentan quienes son los que le ponen el ojo artificial, algo bastante importante teniendo en cuenta la magnitud de poder que tiene este. Por culpa de ello, aunque él es un simple humano, su ojo lo vuelve un personaje demasiado poderoso que lleva a alguna resolución final un tanto estúpida y sin gracia. Aún así, la acción es decente y con su buena ración de sangre y violencia típica de la época. Aunque en el aspecto técnico no está a la altura de otras OVA’s de gran calidad de los ochenta como Gunbuster o Bubblegum crisis, es curioso ver alguna otra obra del director que crearía el clásico de los noventa Ninja scroll.

NOTA: 2’5/5

Tatakae!! Iczer-1

Tatakae Iczer 1

Año: 1985-1987

Género: (+18) acción, ciencia ficción, aventura, ecchi, mecha

Episodios: 3 (1h 20 min en total)

Estudio: AIC

La tierra está siendo invadida por unos terroríficos alienígenas llamados Cthulhu, y una misteriosa chica del espacio llamada Iczer 1 intentará evitarlo. Para ello usará su mecha Iczer Robo, pero necesita una compañera con la que fusionarse para activar todo su poder. Aquí es donde entra la protagonista de la historia: Nagisa, que se verá envuelta de golpe en un conflicto entre alienígenas.

Tatakae!! Iczer-1 son tres OVA’s 100% olvidables que solo destacan por la decente calidad del dibujo y la acción. Igualmente, aún eso los diseños no logran brillar nada, pues los mechas son feos y los personajes no tienen nada de especial. Respecto al argumento, es una historia demasiado corta que se siente muy acelerada, que no tiene ningún tipo de presentación ni introducción, y que sus intentos de clímax dramático o de resolución final fallan a causa de todo ello. La protagonista es de lo más corriente, está solo para enseñar carne – de forma bastante forzada e innecesaria- y no se llega a empatizar con ella, aún el claro intento de la historia por hacerlo. Lo único destacable es lo adecuadamente horribles y feos que son los alienígenas invasores, cuyas formas cumplen a la perfección la intención de dar asco y un cierto miedo.

NOTA: 1/5

One pound Gospel

 

Año: 1988

Género: seinen, romance, comedia, deporte

Episodios: 1 (50 min.)

Estudio: Gallop

¿Quieres ver la adaptación de algún manga de Rumiko Takahashi (Urusei Yatsura, Ranma ½, Inuyasha…) pero te da pereza empezar un anime de más de 100 capítulos? One pound gospel es un manga de 4 tomos que sería adaptado en una OVA de unos 50 minutos y dirigida por Osamu Dezai, director que en los setenta se haría cargo de clásicos como Ashita no Joe o La Rosa de Versalles.

Kosaku es un boxeador profesional que en sus inicios prometía mucho, pero una vez sus malos hábitos alimenticios aparecieron empezó a echar por la borda su carrera, llegando incluso a vomitar en medio de un combate. Justo cuando parece que su entrenador tirará finalmente la toalla por él, aparecerá en la vida del joven boxeador la monja Angela, que aún no ha tomado sus votos. Kosaku tardará poco en enamorarse de ella, y la hermana Angela sentirá compasión por como Kosaku está echando a perder su carrera como boxeador. ¿Será el apoyo de la monja suficiente para que Kosaku deje de ser un glotón y vuelva a ganar un combate?

La principal motivación para ver esta OVA, más allá de por ser la adaptación de una obra de Rumiko Takahashi, es seguramente por la curiosa pareja que hacen el boxeador y la monja protagonistas. Por desgracia, los 50 minutos que dura esta seguramente se quedan cortos a la hora de adaptar la relación que se debe desarrollar entre ambos en el manga, pues estos se centran más en la carrera de Kosaku que no en el romance. Aún así, el sello de calidad de la autora sigue estando en sus simpáticos personajes y el siempre presente tono humorístico de sus historias, que difícilmente se ven sin que logren arrancarnos al menos alguna sonrisa.

Una OVA correcta  que sabe a poco en el romance, pero que se deja disfrutar gracias a lo tontorrón que es el protagonista, al buen par de combates que se ven y a las diversas interacciones entre el boxeador y la joven e inocente monja. Sirve bien para saborear un poco el estilo de la autora sin tener que gastar media vida en ver al completo una obra suya. Si te quedas con ganas de más, especialmente respecto al humor, Ranma ½ (1989) o Urusei Yatsura (1981) son muy recomendables en ese aspecto, mucho más alocadas, divertidas y, sobre todo, largas.

NOTA: 3/5

Outlanders

 

Año: 1986

Género: shonen, ciencia ficción, aventura, comedia, ecchi

Episodios: 1 (51 min.)

Estudio: AIC

Con una evidente inspiración en Urusei Yatsura, Outlanders nos cuenta en poco tiempo cómo durante la invasión de la tierra por parte de unos extraterrestres el fotógrafo Tetsuya es secuestrado por la atractiva Kahm, la princesa de la especie alienígena invasora. Kahm le cogerá cariño al humano, y debido a esto ella se opondrá a la voluntad de su padre, el emperador, de invadir el planeta tierra.

Una OVA en la que no vale la pena perder el tiempo y que solo sirve de ejemplo de la influencia que ejercería la popularidad de la clásica comedia romántica de principios de década creada por Rumiko Takahashi. Un intento fallido de emular la fórmula, que en vez de coger la vía de la comedia romántica apuesta por un mayor peso de la acción, es más violenta y algo más subida de tono. El dibujo se asemeja al de Rumiko, la protagonista tiene incluso la misma seiyuu que Lum y hay algún guiño a los mangas de la autora. Más allá de eso, los diseños están lejos de ser tan icónicos como los de la aclamada autora de Ranma ½, la historia se siente totalmente acelerada y los personajes no tienen sustancia alguna y son fáciles de olvidar.

NOTA: 1/ 5

Dragon’s Heaven

 

Año: 1988

Género: acción, aventura, fantasía, ciencia ficción

Episodios: 1 (42 min.)

Estudio: AIC

Corta OVA de acción que intenta presentar un conflicto bélico entre humanos y robots, pero que debido a la escasez de su duración su importancia y disfrute recae más en el apartado artístico que en la historia o los personajes. Después de 1000 años desde la última guerra, el robot/ mecha Shaian es despertado de su letargo por la humana Ikuru, y cuando el robot se da cuenta de que su principal enemigo El Medine (que mató a su antiguo piloto) aún está vivo, decide unirse a Ikuru para combatir contra él una vez más.

Dragon’s Heaven destaca sobre todo por su apartado artístico inspirado en el dibujante francés Moebius. Gracias a este estilo resulta en una OVA de ciencia ficción distinta al resto, con un buen diseño de robots que se adecuan mucho al dibujo, y que se distancian de otros diseños y estilos más frecuentes para representar a los mechas, robots… tan típicos y ampliamente representados a lo largo de los 80. La OVA empieza con un pequeño fragmento en Live action con representaciones de los dos robots principales en la vida real. Es un detalle curioso y los robots están bastante logrados, así que también es recomendable por ello, aunque no sea animación.

NOTA: 3/5

Conclusiones

Hasta aquí esta primera entrada sobre OVA’s de los ochenta. Como habréis visto he incluído algunas que simplemente no merecen la pena ser vistas, y es que también es importante remarcar que se hacía anime malo antiguamente. Solo aquellos animes de los que verdaderamente no tengo nada que decir una vez los termine no los mencionaré de ningún modo. Espero que os haya gustado la entrada,  podéis esperar entradas con un formato similar respecto a series y películas.

Bubblegum Crisis|| Chicas guerreras, monstruos biomecánicos y una gran OST

 

Ficha técnicaBubblegum Crisis OVA's cover

Título: Bubblegum Crisis

Género: ciencia ficción, acción, mecha, cyberpunk

Estudio: AIC

Año de emisión: 1987-91

Episodios: 8. 40 minutos por episodio, aproximadamente.

 

 

Sinopsis

En un futuro no muy lejano, Tokyo fue devastado por un potente terremoto. Sobre la antigua Tokyo fue levantada MegaTokyo, gracias en parte a la ayuda de la compañía multimillonaria Genom Corp, que creó y produjo en masa unas criaturas biomecánicas llamadas Boomers para ayudar en la construcción de la nueva Tokyo. Pero los Boomers empezaron a perder el control, y la ADPolice intentó pararlos, para darse cuenta en seguida que era muy complicado lidiar con estos. Ante la amenaza de estas criaturas un grupo de cuatro chicas de varios espectros de la sociedad se unieron para combatirlos. Autodenominándose “Knight Sabers”, ellas son las únicas con suficientes recursos y armamento para defender a la renovada Tokyo de Genom y los Boomers.

Opinión personal

Argumento

Bubblegum Crisis nos sitúa en un Tokyo distópico en el que la ciudad está asolada por el peligro de los Boomers, unos monstruos biomecánicos fuera de control creados por la compañía Genom. Durante las 8 OVA’s estos son combatidos por las Knight Sabers, cuatro chicas en trajes de combate de alta tecnología. Cada capítulo trata un conflicto diferente, introduciendo nuevos personajes en cada uno, aunque la mayoría tienen siempre de fondo a Genom como antagonista. Son episodios autoconclusivos de unos 40-50 minutos cada uno, en el que iremos conociendo a las chicas detrás de los trajes de combate: Sylia, Priss, Nene y Linna. Algunas historias irán muy ligadas a las protagonistas, llevándose la mayoría de protagonismo Priss.

 

Todo el contexto es bien presentado des del principio, teniendo una de las mejores introducciones que he visto nunca en un anime. Mientras suena el temazo Kon’ya wa Hurricane, interpretado por el grupo de música de la serie Priss and the Replicants se van mostrando los personajes principales de la historia, y también el problema que suponen los Boomers en esta nueva Tokyo. En general cada episodio es entretenido, teniendo una estructura muy pautada para cada uno que se va repitiendo, pero sustituyendo los personajes que introducen y mueven el conflicto. Venganza, intereses económicos, científicos o políticos, son algunos de los temas que van generando el conflicto en cada una de las diferentes historias, y aunque tampoco hay una gran resolución final, es una serie digna de ver.

Aunque se explica el origen de los trajes y porqué estas 4 chicas disponen de tantos recursos para combatir a los Boomers (y en cambio la policía no), me ha faltado que una de las OVA’s contase cómo se reunieron, y cómo 4 mujeres tan diferentes decidieron hacerse justicieras de la noche al día cual Batman. Otro tema que no me quedó muy claro y no se llega a explicar muy bien es la posición legal en la que se encuentra la empresa Genom. Ellos son los culpables del problema de los Boomers, pues los han producido, pero el gobierno ni nadie parecen hacer nada para impedir que siga produciéndolos o que sean ellos los que hagan algo con ese problema. Puede que se especifique en otras OVA’s posteriores, pero al menos en estas primeras no se dice nada, al menos que yo recuerde.

Personajes

Las cuatro protagonistas son muy distintas, y es algo que da chispa a las escenas y hace que las interacciones entre ellas mejoren. Sylia es una empresaria y la jefa del grupo, la que se dedica más a dirigir a las Knight Sabers y es la figura madura de este grupo justiciero. Por otro lado tenemos a Priss, una joven cantante de una banda de poprock, es la más rebelde y la que más conoceremos durante la historia. Después tenemos a dos más secundarias que poco se profundiza en ellas: Linna, una entrenadora de aeróbic y Nene, la más infantil de todas y que forma parte de la ADPolice.

 

 

No se llega a profundizar demasiado en los personajes, a excepción de Priss, pues en un par de capítulos el conflicto le es cercano a su vida personal. Después tenemos a Sylia, que sí llegamos a conocer algo de su pasado, pero por razones argumentales necesarias.  Hay algunas cortas escenas de ecchi algo innecesarias, pero en general como personajes femeninos están bien. Para 8 OVA’s que ofrecen sobretodo acción, son correctos. Una cosa es que en algún momento (como en un concierto que hace Priss al principio) se vean sexys, y otra es que repitan el mismo gag varias veces de  el chico que las ayuda en su lucha contra los Boomers las intente espiar mientras se cambian. Pero en general tampoco están demasiado sexualizadas ni se reducen a ser personajes que enseñen cacha, como otros de la época como Kei y Yuri de Dirty pair o Lum de Urusei Yatsura.

 

Como personajes secundarios tenemos sobretodo al policía Leon, el único personaje masculino que llega destacar. Tampoco se profundiza demasiado en él, le va detrás a Priss y será de los pocos personajes que tienen escenas de acción a parte de las Knight Sabers. Los enemigos van y vienen, a excepción del presidente de Genom, como ese villano entre las sombras que va apareciendo y desapareciendo pero que nunca llega a ponerse en peligro ni al alcance real de los buenos.

 

Arte y animación

Todas las OVA’s son visualmente espectaculares, para ser una serie de hace más de 25 años. El nivel de detalle (especialmente en la tecnología) es impresionante, y es una delicia ver el cuidado con el que está hecho todo. Está claro que después de haber visto animes más recientes como Mob psycho 100 o Hibike Euphonium pues Bubblegum Crisis se ve vieja, pero hay que tener en cuenta esos años que lleva encima, y entonces uno se da cuenta de la gran calidad y trabajo que hay detrás de estas largas OVA’s. Hay combates muy logrados, y el diseño más ligero de los trajes de las Knight Sabers permite movimientos más ágiles y dinámicos que nos dejan con grandes momentos de acción de estas chicas guerreras.

 

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Debo repetirlo, y es que el nivel de detalle de algunos planos me parecía hasta absurdo, y tenía que parar el capítulo para admirar detenidamente cada matiz mecánico. De un nivel envidiable para cualquier anime actual. Parece que el amor por la tecnología no se transmitía solo en hacer 200 animes de mechas, sino que además también empleaban mucho tiempo en plasmarla fielmente en las escenas. Respecto a los diseños, los Boomers son decentes, de aspecto monstruoso, tienen un aspecto al que temer y también son muy detallados en la mayoría de las escenas. Por desgracia, los trajes de ellas me parecieron algo sosos, y que podrían estar mejor. La elección de colores no me convenció demasiado. A excepción de la forma especial de uno, en la que una moto se transforma en una armadura que le permite volar, el resto no me llamaron demasiado la atención. Por suerte el diseño de ellas compensa, cada una está bien definida y cuando van con ropa casual es interesante ver las vestimentas de la época.

 

OST, openings y endings

Está claro que si no te gusta el estilo musical de los ochenta una banda sonora como la de Bubblegum Crisis no te atraerá mucho. Yo la disfruté de principio a fin, y como he dicho, el tema con el que es introducida la historia me pareció espectacular y que quedaba de maravilla con todas las escenas. Cada OVA tiene su tema principal, algunos mejores, otros peores, pero en general encajan muy bien con la acción. Lo que son ya canciones más de fondo son correctas, pero canciones como Mr. Dandy, Lonely angel, Mad Machine, Priss in Disco o Remember, hacen de la banda sonora de Bubblegum Crisis algo difícil de igualar. Es el mejor recuerdo que tendré de la serie.

 

Conclusión

Estas 8 OVA’s merecen ser vistas por dos motivos: un apartado artístico impecable y una tremenda banda sonora que pone la guinda al pastel. No es un pastel espectacular o con un argumento especialmente complejo o sobresaliente, pero se deja ver y la gran calidad de esos dos apartados hacen que entre mucho mejor.

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NOTA: 7’8