Saboreando los 80, Parte II: OVA’s (2)

Segunda entrega del repaso de las OVA’s de la década, que recordemos que fue un formato que nació a principios de esta, tal y como dije en la primera parte. Antes de ir a por las impresiones de las siguientes 5 OVA’s, recuerdo en qué baso las puntuaciones de cada una:

1: No vale la pena perder el tiempo en ella, totalmente olvidable.

2: Correcta, pero nada sobresaliente o de gran calidad.

3: Buena, puede que no del agrado de todo el mundo, pero merece un intento.

4: Muy buena, aunque con sus defectos y puede que no tan icónica como para ser algo indispensable de ver.

5: Excelente, indispensable de ver de la década.

Esta no va a ser la única entrada sobre OVA’s de la década, y conforme vaya viendo iré comentándolas y presentándolas en el blog, al menos aquellas que merezcan algún tipo de mención.

Birth

Año: 1984

Género: acción, ciencia ficción, aventura, comedia

Episodios: 1 (1h 19min)

Estudio: ACT, Anime Roman, Studio Gallop, SHAFT, Studio Happy…

Director: Shinya Sadamitsu

El planeta natal de Rasa y Nam, Aqualoid, se ha convertido en un mundo post apocalíptico a raíz de la invasión de unos seres llamados “Inorgánicos”. El único objetivo de estos es acabar con la vida orgánica, y gracias al descubrimiento de la poderosa espada SHADE Rasa y Ram podrán hacerles frente junto a sus compañeros.

Birth es una sencilla OVA en cuanto a argumento y desarrollo, de la cual solo se puede destacar un elemento: la animación. A nivel de historia y personajes no hay nada que sacar de provechoso más allá de que estos últimos desarrollan correctamente, sin más, la acción. La hora y veinte minutos que dura este anime es una constante persecución y enfrentamiento entre los bandos de orgánicos e inorgánicos, acción, muchas explosiones y rayos láser que llenarán la pantalla de destrucción. La ejecución de las persecuciones es fantástica, muy dinámicas, alocadas y frenéticas gracias a la expresión del movimiento y al dibujo de las explosiones, los efectos de velocidad y de los fondos. Esta OVA sería una oportunidad para que jóvenes animadores como Yoshinori Kanada, Shinsaku Kozuma y el mismísimo Hideaki Anno demostrasen de lo que eran capaces. Las atribuciones son presuntas. Los ejemplos de animación son sin sonido, por desgracia, pero si lo juntamos con el estilo ochentero de la banda sonora queda un muy buen resultado. Muy recomendada para fans de la animación del estilo de Hiroyuki Imaishi (Trigger, TTGL, Kill la Kill), que seguiría el estilo que identificaría a Kanada manteniendo todo el rato ese tono de humor y de personajes un tanto “cartoon” y que se van desfigurando con el movimiento y la expresión. Como último punto a destacar, la banda sonora está hecha por el clásico director conocido por sus trabajos en Ghibli: Joe Hisaishi.

NOTA: 4’5/5

Genmu Senki Leda

Año: 1985

Género: acción, aventura, fantasía, ciencia ficción

Episodios: 1 (1h. 10min.)

Estudio: ACT, Group Joy, Studio Fantasia, Studio Kuma, Studio OZ…

Director: Kunihiko Yuyama

Una vez más, una fantástica animación salva una OVA con una historia y personajes olvidables. Asagiri Yohko le compone una canción al chico que le gusta, y es tal el poder del sentimiento de esta que se transporta a un mundo de fantasía en el que tendrá que luchar contra los malvados de turno que quieren conquistar su mundo de origen. Esta vez la banda sonora no cumple tanto como en Birth, algo que quita bastantes puntos a una obra cuyo principal aliciente es la animación de la acción. Ambas OVA’s comparten parte del reparto de animadores, aunque esta vez el tono humorístico está mucho menos presente y el estilo alocado en las expresiones de los personajes ya no está. Por ello, aunque tiene sus buenas persecuciones, explosiones y demás, se siente algo más lenta especialmente al principio, pero sin aprovecharlo para presentar siquiera una buena historia. Al fin y al cabo, el principal propósito de la OVA es mostrar a una chica mona en un biquini metálico pateándole el trasero a unos cuantos villanos.

NOTA: 2’5/5

Metal Skin Panic MADOX-01

Año: 1987

Género: acción, mecha, ciencia ficción

Episodios: 1 (41min.)

Estudio: AIC, Studio Mac…

Director: Shinji Aramaki

El primer día de prueba del nuevo traje de combate MADOX es todo un éxito, pero a costa de la humillación del teniente Kilgore, que es derrotado por la piloto del MADOX Ellie Kusumoto. Este no se lo perdonará, y jura que el enfrentamiento contra la nueva arma no acabará así. Durante el transporte del MADOX el camión que lo lleva sufre un accidente, y acaba en otro vehículo que lo lleva a parar a manos Koji Sujimoto, un universitario al que su novia le acaba de anunciar que se va a Inglaterra durante 3 años. El caso es que el joven trastea con la máquina sin leerse el manual, y acaba encerrado en este y merodeando por las calles de Tokyo. ¿Será esta la oportunidad de Kilgore de vengarse de la máquina que le ha humillado?

Una divertida OVA con su buena ración de acción y, aunque es de lejos la más estúpida de las 3 que llevamos presentadas en la entrada, es la acaba teniendo un argumento más resuelto. Es muy tonta en general y no hay por dónde coger las decisiones del protagonista, pero si te dejas llevar por el sinsentido y estás dispuesto a disfrutar de la acción y del obsesivo del teniente Kilgore, la disfrutarás.

NOTA: 3/5

Vampire Princess Miyu

Año: 1988-89

Género: acción, drama, horror, demonios

Episodios: 4

Estudio: AIC

Director: Toshiki Hirano

Una historia de horror protagonizada por la vampiresa Miyu, cuyo destino es cazar unos demonios llamados Shinma y devolverles a su lugar de origen: la Oscuridad. Además, Miyu es perseguida por la sacerdotisa/ exorcista Himiko, que está decidida a descubrir la identidad de Miyu y evitar que siga chupando la sangre de indefensos humanos.

Acción, demonios y terror, Vampire Princess Miyu son 4 episodios de unos 30 minutos cada uno que, si bien no nos aterrorizará, sí tiene una buena ambientación. Con eso ya tiene suficiente mérito, pero además nos deja con 4 buenas historias y una protagonista vampiresa que no es Kiss Shot, pero que cumple y de la que además podremos conocer su pasado, haciéndola así un personaje más interesante. Gracias a esa cuarta OVA que lo cuenta, la historia queda bastante completa y redonda para ser en su mayoría historias autoconclusivas sobre como Miyu va lidiando con los diferentes Shinma. A veces esto puede ser un problema en las OVA’s cortas, pero en este caso queda resultón y no se siente tampoco un desperdicio de tiempo o que sea demasiado acelerado o incompleto. No es una mala opción para ver en Halloween, así que os la podéis apuntar para ver en esas fechas. Cuenta además con una serie del 97, así que si os quedáis con ganas de más podéis echarle un vistazo.

NOTA: 3’5/5

To-Y

Año: 1987

Género: drama, música

Episodios: 1 (55 min.)

Estudio: Studio Gallop

Director: Mamoru Hamatsu

Dos semanas antes del concierto en el auditorio Yaon Hibiya, mientras tocan en un club el cantante de la banda GASP, To-Y, se encuentra con su rival musical Aikawa Yoji. GASP es una banda de creciente popularidad conocida por su violencia y por tener dificultades en ser reconocida en el ámbito musical, ya que este lo acapara el ídolo de masas Aikawa Yoji. El concierto en el auditorio Yaon Hibiya representa una importante meta en la carrera del grupo, pero este se verá amenazado por los intereses de la representante de Yoji, Kahiko Kato, que quiere que To-Y abandone su grupo de rebeldes e inicie una carrera como idol como Aikawa Yoji.

To-Y nos aleja de la ciencia ficción, la acción y demás temas recurrentes en los animes de los 80 para presentarnos un drama musical acerca de la industria de la música en esa década. A través de los diferentes grupos y participantes de las bandas se nos presenta un interesante conflicto que expone diferentes tipos de músicos y artistas dentro de la industria. No sólo es interesante por ser algo diferente a las producciones normales de anime de la época, sino que además nos acerca a una más que posible realidad en el momento y un contraste entre los distintos tipos de cultura pop del contexto histórico. Los personajes son correctos y la música está bien, así que si te interesa disfrutar de un drama ligero acerca de la música en el Tokyo del 87 esta OVA es para ti.

NOTA: 3/5

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Maison Ikkoku|| Romance adulto y comedia ligera “a la Rumiko”

Ficha técnicaMaison Ikkoku

Título: Maison Ikkoku

Género: romance, comedia, slice of life, drama

Estudio: Studio Deen

Año de emisión: 1986-88

Episodios: 96+1 película (prescindible de ver)

Manga: dibujado y escrito por Rumiko Takahashi entre 1980 y 1987 con un total de 15 tomos.

 

Sinopsis

La “maison” Ikkoku es una antigua pensión habitada por 4 personas, entre ellas el protagonista Yusaku Godai. Sus vecinos siempre están molestando, haciendo ruido y fiestas, así que como estudiante que se está preparando para entrar a la universidad llega un punto en el que no los soporta más y decide irse. Pero cambiará de idea el día que ya está con la maleta hecha al llegar la nueva administradora de la pensión: Kyoko Otonashi. Kyoko es preciosa y encantadora, y Godai se enamorará de ella a primera vista y su simple compañía le ayudará a soportar a los molestos vecinos. Para sorpresa del joven enamoradizo Kyoko guarda un secreto bajo su faceta amable y joven: Kyoko es una viuda que ha perdido hace poco a su marido. Aunque ella hace todo lo posible para superarlo y no mantenerse en depresión, su fallecida pareja aún se encuentra muy presente en su corazón, y Godai querrá hacer todo lo posible para ayudarla a superar su pérdida.

 

Opinión personal

Argumento

Maison Ikkoku nos presenta una historia con un tono algo distinto a otras de Rumiko, en las que predomina la comedia sobre el romance y usualmente dejando este en segundo término durante la mayoría de la historia. En este caso des del principio ya vemos con algunos personajes que el romance, el drama y la comedia más ligera y cotidiana serán los que integren la historia, mientras poco a poco se van desarrollando las relaciones entre los personajes y vayan introduciéndose y saliendo de la vida de los protagonistas.

 

Durante gran parte de la serie el desarrollo es fantástico y no se siente nada pesado aún la gran extensión de esta. El ritmo es bueno y no se trata de una comedia romántica adolescente en la que apenas hay un avance en el tiempo. Los personajes protagonistas están entre los 20 y 30 años, y el desarrollo de los sucesos y relaciones no se da en una especie de limbo atemporal, sino que sus vidas avanzan ya sea en los estudios o el trabajo. Gracias a ello la historia es mucho más dinámica y no se queda en el simple toma y daca adolescente de líos y malentendidos (durante la mayoría de la historia, al menos).

Si bien aquello que hace de Maison Ikkoku una muy buena comedia romántica es presentar un romance con personajes más adultos y desarrollarlo en general de forma más madura, esto solo se cumple aproximadamente en los primeros 50 episodios. A lo largo de todos esos capítulos lo que he dicho se cumple perfectamente, todo se siente muy natural, la dinámica de las relaciones es muy entretenida y no hay esa sensación de “no avanzar”. Pero por desgracia hay un punto en el que la historia empieza a dar vueltas, y personajes que parecía que ya habían aportado su granito de arena en la historia reaparecen para dar lugar a arcos argumentales que se nota que no llevan a ningún sitio. Lo que había sido un fantástico romance maduro la mar de gratificante empieza a hacer uso de truquitos y tonterías varias de las comedias románticas adolescentes para alargar más una historia que ya había contado todo lo que tenía que contar y le quedaban solo algunos pasos para cerrarse por completo. En vez de hacer eso, se empieza a estirar con líos y malentendidos varios que no aportan nada a la historia y, de hecho, rompen bastante la magia (tanto en personajes como argumento) que se había construido tan bien hasta el momento.

 

Por desgracia parcialmente esa es la sensación con la que me quedé con este anime, aunque no por ello no voy a recomendarlo y tildarlo de malo. Simplemente, no es la gran serie perfecta de Rumiko Takahashi que había entendido que era. Tiene problemas y algunos de ellos severos, así que para mí se quedó en algo intermedio. Tampoco diré que le sobran los 46 episodios posteriores a los fantásticos 50 que he dicho, pero sí al menos unos 20 con varios arcos argumentales que estorban y desmejoran bastante tanto el argumento como los personajes. Igualmente, dentro de esa casi segunda parte tiene momentos muy buenos y algunos personajes dan lo mejor de sí, mientras que otros cansan o tienen comportamientos que carecen de sentido en ellos.

 

[SPOILER ALERT]

Para aquellos que ya hayáis visto el anime me gustaría compartir algunos de esos pecados que hacen que para mí esta comedia romántica se vaya parcialmente al garete y que en su tramo final deseche como si nada lo que había construido. Primero de todo: Yagami. Su primer arco es divertido, sabemos que no llegará a nada con Godai pero ofrece esa versión joven de cómo era Kyoko con Soichiro,  teniendo así su encanto y ofreciendo un buen entretenimiento. Pero después vuelve a aparecer con el tema del trabajo de Godai, siendo esta vez más un estorbo y recuperando esa supuesta tensión romántica que ya sabíamos que no llevaba a nada. Además, Kyoko en ese momento empieza a comportarse como una cría (de las varias veces que lo hará), poniéndose celosa de los intentos de Yagami de conquistar a Godai y haciendo así que el personaje de Kyoko se devalúe y le pierdas algo el respeto.

Después tenemos a Kozue, el único personaje femenino que verdaderamente presenta conflicto con el romance principal. Sus primeras intervenciones están bien, estorba (en buen sentido) y aporta una buena tensión al principio. Eso se queda algo apartado al inicio de la serie, desapareciendo entonces durante muchos episodios, aproximadamente más de 20. Ya en el tramo final de la historia (como en los últimos 10 episodios) vuelve a aparecer de la nada para estorbar (ahora en el mal sentido) en los últimos pasos que debe dar la relación entre Godai y Kyoko. Aparece de la nada, su reintroducción es muy gratuita y mal hecha, los líos que se producen no tienen sentido y la actitud de Kyoko frente todo el tema con ella es muy estúpido y digno de una cría. Además, reaparece una vez Mitaka ya ha salido de la ecuación del triángulo amoroso, lo cual lo hace más frustrante todavía.

A la serie en muchos aspectos le pesan los años que tiene, algunos de ellos comprensibles (detalles machistas y clasistas) y que no criticaré por la época y cultura, pero a otros simplemente no les encontré sentido. Hay un momento en el Kyoko ya quiere a Godai, tiene medio superado el tema de Soichiro y acepta volver a casarse. ¿Por qué no tira hacia delante sabiendo que Godai la ama? Le dice que puede esperar a que se gradúe y tenga un trabajo estable para entonces casarse y ser pareja. No sé si esto es cultural o por la época, pero simplemente la actitud de Kyoko en ese aspecto me pareció deplorable y una manera de añadir tensión y alargar la historia muy decepcionante y rastrera. Personalmente, a partir de ese momento le perdí el respeto al personaje y no me lo pude tomar en serio, además de por los múltiples momentos en los que se comporta como una cría y de forma irracional.

Finalmente, decir que si bien la historia tiene un buen desarrollo respecto a las vidas de los protagonistas, creo que el paso por la universidad de Godai está totalmente desaprovechado y solo es usado de forma rastrera con lo que he comentado anteriormente. ¡Ni siquiera se dice qué estudia! Tampoco es como si importase, porque no se ha ni graduado y ya está buscando un trabajo genérico de salaryman o tonteando con lo de ser profesor de preescolar. Ese aspecto me molestó bastante, además de que se juntó con uno de los peores momentos de la serie, que es todo el tema del padre de Yagami y la insistencia de ella para que este contrate a Godai.

[FIN DE LOS SPOILERS]

Personajes

Como protagonista tenemos a Yusaku Godai, un desastre de muchacho que al inicio de la serie se está preparando para entrar a la universidad. Un protagonista algo típico que se enamora a primera vista de Kyoko, la nueva gerente de la Maison Ikkoku. A lo largo de la historia le veremos sufrir por infinitos motivos, ya sea por desesperación por sus molestos vecinos, el trabajo o estudios, o a causa de los diversos personajes que aparecerán en su vida. Su vida como universitario es bastante desaprovechada no solo en él como personaje, sino también argumentalmente. Posteriormente, su progreso en la vida sí es aprovechado y tiene su crecimiento personal, y en ese aspecto es un protagonista algo distinto al que podemos ver en otros romances.

 

Como protagonista femenina tenemos a Kyoko Otonashi, la administradora de la Maison Ikkoku. Se trata al principio de uno de los personajes más interesantes y con potencial de la historia, ya que es la que ofrece el punto más maduro y distinto respecto a otras obras del género o de otros mangas de Rumiko. ¿Por qué? Porque Kyoko se ha convertido en viuda recientemente. Este gran detalle influenciará sobremanera la historia y las relaciones con los distintos personajes, tendrá un comprensivo lento desarrollo y está bien tratado y aprovechado (siempre teniendo presente la época en la que se da la historia). Por desgracia, el alargamiento innecesario de la serie le afecta bastante y muchas veces se comporta de forma que echan algo a perder el personaje.

 

Por otro lado tenemos a los vecinos de los protagonistas: Akemi, la señora Ichinose y Yotsuya. Un trío de secundarios muy divertidos y simpáticos que le harán la vida imposible a Godai múltiples veces y que ofrecerán el contrapunto de comedia a todo el drama de Kyoko o el romance general de la historia. Personalmente, aunque tienen su encanto son otros personajes que se ven afectados por el estiramiento de la serie y que me acabaron cansando algo. Finalmente, aparte de otros secundarios, tenemos al personaje que completa el triángulo amoroso de la historia: el atractivo, rico y orgulloso Mitaka. Profesor de tenis de Kyoko e Ichinose, es un personaje bastante divertido, carismático y que cumple fantásticamente su rol de ser el rival amoroso de Godai. Uno de mis favoritos, por no decir el que más me gustó y que soporta mejor la gran durada de la serie.

 

Arte y animación

Si algo hay de este anime que no le puedo criticar es el diseño de personajes. A excepción de Godai, que me parece muy corriente y normalucho, el resto son fácilmente identificables, tienen carisma solo con verlos y encarnan muy bien la personalidad del personaje. A destacar especialmente el trío calavera que forman Akemi, Ichinose y Yotsuya. Ah, y ver a Soichiro (el perro de Kyoko) con esos ojos siempre me ha arrancado una sonrisa. Gran mascota!

 

El dibujo se sostiene bastante bien, de tanto en tanto había capítulos con algunos planos de detalle muy bien hechos (ya fuesen caras o objetos) y los fondos también han aguantado correctamente el tiempo. Algunos detalles de expresiones típicas de Rumiko están bien plasmadas en anime, todo correcto en este apartado. De la animación poco a destacar, tampoco es una serie que requiera de ningún tipo de filigrana, simplemente cumple.

 

OST, openings y endings

No hay ni un solo opening y ending que quede mal, prácticamente todos me han gustado e introducen y despiden los capítulos fantásticamente. Algunos de ellos, especialmente el primero, tienen un regusto a nostalgia que le da un muy buen toque a la serie. La mayoría están hechos por un animador llamado Koji Nanke, de un estilo bastante identificable en estos y en otras series, incluso algunas de Rumiko. Nanke es un animador centrado en animaciones musicales (videoclips, openings y endings), y la verdad es que lo hace con muy buen gusto. A veces hace ligeros cambios en los diseños de personajes que no les sientan nada mal y los vídeos en sí son divertidos y transmiten muy bien la temática y tónica de la historia. Eso respecto a los openings, los endings son más calmados y simplistas, con su estilo también identificable que deja una buena sensación de paz perfecta para despedir el capítulo.

Compuesta parcialmente por Kenji Kawai (Ghost in the Shell), es una banda sonora correcta, pero tampoco nada memorable. Algún tema ambiental bueno o de comedia como A mysterious guest, Small run away theme y At a run, y otras más dramáticas o románticas como Sadness, Take shelter from rain o Autmn. Pero tampoco es nada que destaque especialmente, y del resto no hay nada que recuerde con demasiado gusto y que merezca ser mencionado. Bonita o divertida cuando debe serlo, sin más.

 

Conclusión

Concluyendo, Maison Ikkoku es sin lugar a dudas la serie más diferente de Rumiko pues se aleja de esas historias eternas como Ranma ½ o Inuyasha, además de tratar con personajes y argumento de forma más madura, seria y dramática. Por desgracia, acaba cayendo un poco en ese alargamiento excesivo e introduce algunos elementos que no le sientan nada bien y que rompen con aquello que hacía de la serie algo muy bueno. Teniendo cuenta que el manga original tiene solo 15 tomos, probablemente os haríais un favor yendo directamente a este, ya que me da la sensación de que todo lo que en el anime se hace mal ahí debe ser algo menor y que no deja un recuerdo tan malo. Aún todo eso, no deja de ser una comedia romántica cuya gran parte de su trayectoria se sostiene muy bien y nos deja con un fantástico plantel de personajes la mar de carismático (como la mayoría de la autora). Así que queda igualmente recomendada.

Maison Ikkoku

NOTA: 7’7

Kimagure Orange Road|| Poderes sobrenaturales y un triángulo amoroso

Ficha técnicaKimagure Orange Road

Título: Kimagure Orange Road

Género: romance, comedia, slice of life

Estudio: Studio Pierrot

Años de emisión: 1987-88

Episodios: 48 + 8 OVA’s + 1 película

Manga: 18 volúmenes publicados entre 1984 y 1987. Escritos y dibujados por Izumi Matsumoto.

Sinopsis

El quinceañero Kyosuke Kasuga se ha trasladado a una nueva ciudad, y justo al llegar se enamorará a primera vista de Madoka Ayukawa, que le tratará de forma bastante fría aunque cuando se conocieron fue amable al recogerle él el sombrero rojo que el viento había hecho volar. Además de lidiar con su enamoramiento de Ayukawa tendrá que evitar romper el corazón de Hikaru, que se enamorará de él al verle encestar un tiro imposible de básquet. Para liarlo más todo la familia de Kasuga tiene poderes psíquicos, y deberán evitar ser descubiertos y no usarlos en público, aunque no todos los miembros de la familia parecen tener el mismo cuidado.

Opinión personal

Argumento

Kimagure Orange Road es una comedia romántica que gira alrededor del triangulo amoroso formado por Hikaru, Kyosuke y Madoka. Kasuga Kyosuke y su familia tienen poderes sobrenaturales, y como no pueden permitirse ser descubiertos deben trasladarse cada vez que tienen problemas con ello. Al inicio de la historia se trasladan al pueblo donde Kyosuke se encontrará a Madoka Ayukawa y Hikaru Himari, que darán inicio a sus primeras experiencias románticas. Primero se encontrará con Madoka, de la que se enamorará a primera vista. Poco tiempo después en su instituto se encontrará con Hikaru, la cual se enamorará de él al verle hacer algo sorprendente con sus poderes.

 

El triángulo amoroso es planteado rápidamente, y aunque es bastante obvio lo descompensado que está desde el principio (pues de quien se enamora Kyosuke es de Madoka, no de Hikaru), precisamente por eso no es un triangulo amoroso típico. El conflicto no recae solo en la decisión del protagonista masculino, sino también en una de las protagonistas femeninas, es decir, Madoka. Y es que ella es amiga de infancia de Hikaru, lo cual complica bastante más las cosas conforme la historia se desarrolle, al igual que las relaciones entre este magnífico trío protagonista.

Gran parte de la serie son capítulos autoconclusivos de la vida diaria de ellos tres y los diversos secundarios que hay en la historia. Muchos malentendidos, un joven protagonista que no sabe cómo lidiar con sus primeras experiencias amorosas, y líos por doquier a causa de los poderes sobrenaturales de la familia de Kasuga (telequinesis, intercambio de cuerpos, viajes temporales…). El tema de los poderes es probablemente lo que hace un poco más única a la serie, y ayuda a ir disfrutando de una historia que puede que se alargue más de lo necesario, aunque nada comparado a otras comedias románticas de la época  como Ranma ½ o Urusei Yatsura. Aunque Kimagure Orange Road se centra más en el romance que estas otras.

 

Las 8 OVA’s que hay no son relleno, son adaptaciones de capítulos del manga y se tienen que ir viendo en un orden en concreto a lo largo de la historia. Están en la línea de calidad del resto de la serie, e incluso aparecen personajes que no están en esta pero sí en el manga (como la quinta), así que recomiendo verlas. Aunque sobre todo si la serie te está gustando y quieres alargarla algo más, pues con el resto ya se disfruta y comprenden bien las relaciones entre los protagonistas. Los 48 episodios de la serie y las OVA’s no dan un final cerrado, para ello se tiene que ver la película “I want to return to that day”, que dura una hora y sí da un desenlace final al triangulo amoroso que se va desarrollando a lo largo de la serie. Un final que personalmente me gustó bastante, que cierra correcta y decentemente la historia. Puede que dé un cambio de tono algo brusco, pero necesario al fin y al cabo y que hace de Kimagure Orange Road un romance aún mejor de lo que ya es en su transcurso.

Personajes

Como personajes principales tenemos al trío que forman Kasuga, Hikaru y Ayukawa, muy bien definidos des del principio e incluso ya con el primer opening. Kasuga es el típico protagonista de comedia romántica, bonachón, algo iluso y muy indeciso. Después tenemos a las dos chicas principales, muy opuestas entre ellas aún lo amigas que son: Hikaru es inocente, alegre y algo infantil, mientras que Madoka se presenta como una chica más reservada y mucho más madura que los otros dos protagonistas (en todos los sentidos), aunque algo macarrilla al principio. Con estos caracteres tenemos unos protagonistas que contrastan entre ellos, lo cual enriquece el romance y que acaba siendo muy disfrutable ver como congenian entre ellos.

 

Hikaru de entre los tres es la que menos desarrollo llega a tener, aunque tiene algún buen episodio en el que se profundiza algo más en el personaje. Por otro lado, tenemos a Ayukawa y Kyosuke, que sí se desarrollan algo más, especialmente la primera gracias a la llegada en su vida del protagonista. Se le podría reprochar a la serie que ambas chicas llegan a perdonar demasiadas veces al protagonista las diversas molestias que a veces les causa a ambas, aunque muchas de estos acaban siendo por malentendidos o que en realidad Kasuga no tiene una verdadera malicia en sus acciones o errores.

 

La mayoría de secundarios están más para añadir un punto de comedia que para tener una verdadera relevancia argumental, y algunos suelen iniciar los conflictos principales de cada episodio. Están los amigos de Kasuga, Hatta y Komatsu, cuyas bromas de pervertidos me acabaron cansando bien rápido y es además su único propósito en la serie. A los líos románticos se le añade un pretendiente a Hikaru, Yusaku, un karateka y amigo de infancia de las chicas protagonistas que no acepta la relación entre Hikaru y Kyosuke, y que ella siempre está rechazando. Aunque esa relación con ambas protagonistas no es más que otro instrumento más para la comedia y no es muy aprovechado. Finalmente, están las traviesas y divertidas hermanas del protagonista, Manami y Kurumi, que también añaden un toque de comedia, aunque la primera tiene un episodio especialmente bueno respecto al crecimiento del personaje en la adolescencia.

 

Arte y animación

 

La animación es suficiente para lo que es la serie, tampoco hay mucho a comentar en este apartado en concreto en una comedia romántica del 87. En lo que respecta a los diseños, los de Ayukawa y Hikaru considero que están muy logrados y que transmiten muy bien la personalidad de cada una. A Ayukawa se la ve claramente mucho más madura y guapa que Hikaru, que parece más infantil e inocente con sus ojos más claros y su pelo corto. Kasuga está muy en la línea de los protagonistas de comedias románticas, y del resto de personajes no hay mucho que destacar. Apenas hay fanservice, además la época salva algo los diseños de los cuerpos femeninos, cosa que es más difícil actualmente.

 

OST, openings y endings

Si de algo puedo estar seguro de este anime de los 80 es que tiene unos fantásticos openings. Superar al primero, Night of summer side (con el mejor vídeo), es difícil, pero las canciones Orange Mistery, Choose me o Kagami no naka no Actress me encantaron igualmente. Los vídeos de los endings son más simples, a excepción del segundo, pero las canciones también me parecieron perfectas para el anime. Sobretodo destacar Sad Hearth Burning y Dance in Memories.

Por otro lado, tenemos una preciosa banda sonora repleta de bonitas melodías como Jenina, Madoka no theme (In Lovers Room), Futashika na I LOVE YOU, Tsuisou… akai mugiwara boushi no kimi e, Triangle of love, My little girl…

 

Conclusión

Concluyendo, Kimagure Orange Road es un clásico del género que se aleja de las ñoñerías endulzadas, aunque eso no implica que no tenga sus momentos íntimos y de tensión romántica. Aunque al principio parezca que vaya más directo que otras series al asunto del romance, la serie se ralentiza en una mayoría de historias episódicas que nos van narrando la vida de los protagonistas y poco a poco van mostrando la evolución de la relaciones entre el encantador trío que forman Hikaru, Kyosuke y Ayukawa. Aún eso, la considero una imprescindible del género de comedia romántica y uno de mis romances favoritos, especialmente por su final.

Kimagure Orange Road

NOTA: 8

 

Saboreando los 80, Parte V: Películas (I)

El método más rápido para apreciar el anime de los ochenta es, evidentemente, a través de las películas que se hicieron durante la década. Antes que nada, no comentaré algunas películas de obligado visionado para cualquier amante del anime como Akira (1988), que aunque no sea una película que me fascine, su renombre e importancia en el panorama de la animación japonesa sería indiscutible por su tremenda calidad en la animación y por el impacto y relevancia que tuvo a nivel internacional en su momento. También tendríamos las primeras películas del estudio Ghibli, como Nausicaä del Valle del Viento (1984) y, por supuesto, otros títulos indispensables como Mi vecino Totoro (1988), La tumba de las luciérnagas (1988) o incluso la encantadora Kiki’s delivery service (1989). De todas ellas podéis leer mi opinión en el Top de películas Ghibli que hice en conmemoración del segundo aniversario del blog.

Sobre las películas de Ghibli es importante mencionar respecto a la década que suponen una excepción a toda la producción que se hace durante los ochenta, ya que el estilo de películas que haría el estudio de Miyazaki, al menos a excepción de Nausicaä, estarían bastante lejos de lo que sería la regla general. En ese aspecto se notan mucho más los precedentes de Miyazaki en los animes de los 70 del World Masterpiece Theater (Heidi, El perro de Flandes, Ana de las Tejas Verdes…), obras mucho más cercanas a películas como Totoro o Kiki, que no Akira o cualquiera que os haga la recomendación a continuación

Pondré una puntuación de recomendación del 1 al 5 como orientación de lo que vale la pena cada película, donde:

1: No vale la pena perder el tiempo en ella, totalmente olvidable.

2: Correcta, pero nada sobresaliente o de gran calidad.

3: Buena, puede que no del agrado de todo el mundo, pero merece un intento.

4: Muy buena, aunque con sus defectos y puede que no tan icónica como para ser algo indispensable de ver.

5: Excelente, indispensable de ver de la década.

 

Golgo 13: The profesional

Título: Golgo 13: The profesional

Año: 1983

Director: Osamu Dezaki (Ace wo Nerae, Ashita no Joe, The Rose of Versailles…)

Géneros: seinen (+18), acción, aventura, drama

Estudio: TMS Entertainment

Duración: 1h 30min.

Duke Togo, conocido popularmente como “Golgo 13”, es un asesino profesional de fama mundial. En su último trabajo matará al hijo heredero de una empresa estadounidense muy poderosa, y con ello se ganará la enemistad de su padre Leonard Dawson. Dawson se codea con el FBI, la CIA… de modo que esta vez Golgo se enfrentará a un poderoso enemigo que lo intentará matar a toda costa para vengarse del asesinato de su hijo Robert.

Golgo 13 es uno de lo mangas más longevos de la historia (lleva publicándose desde 1968), y esta película de los 80 es una de las múltiples adaptaciones al anime que ha tenido este asesino implacable. Si bien esta no va mucho más allá de ser pura acción, violencia y alguna que otra escena de sexo, todo ello es presentado con un apartado artístico impecable, con un nivel de detalle muy cuidado y pasado todo con un toque oscuro y penumbroso que le sienta fantástico al callado y serio protagonista que es Golgo.

Si buscas una buena película de acción, con un argumento y banda sonora decentes, y un protagonista bien viril y de porte imperturbable, Golgo 13: The profesional es una buena elección. Como curiosidad decir que este fue de los primeros animes en introducir animación por ordenador, lo cual sería muy innovador en la época, aunque supone un claro altibajo en el apartado artístico de la película.

NOTA: 3’5/5

 

Wicked City

Título: Youjuu Toshi (Wicked City)

Año: 1987

Director: Yoshiaki Kawajiri

Géneros: seinen (+18), acción, aventura, drama, horror, super poderes

Estudio: Madhouse

Duración: 1h 22 min

El mundo humano y el de los demonios se encuentran en paz gracias a un tratado firmado cada cien años. Ha llegado el momento de renovarlo para mantener la cordialidad entre ambos mundos, y Taki Renzaburo, junto a su nueva compañera Makie (una mujer demonio), deberán encargarse de proteger a un importante hombre sin el que el tratado no puede firmarse.

Dirigida por Yoshiaki Kawajiri, director que en los 90 crearía la clásica película de ninjas “Ninja scroll”, en los 80 se encargó de dirigir Wicked city, adaptación de una novela que se podría resumir en tres palabras: sexo, acción y demonios. Aunque el argumento es simple, la mezcla entre el horror demoníaco, junto a la acción y el erotismo dan un buen resultado. Como película de horror cumple gracias a la mezcla entre lo demoníaco y lo erótico, pero no está a la altura de películas posteriores de Kawajiri.

NOTA: 2’5/5

 

The Dagger of Kamui

Título: Kamui no Ken (The Dagger of Kamui)

Año: 1983

Director: Rintaro (Metroplis, corto Labyrinth Laberintos, Genma no Taisen…)

Géneros: shonen, aventura, fantasía, drama, histórico

Estudio: Madhouse

Duración: 2h 12 min

Drama histórico que nos narra la trágica historia de Jiro, un joven mitad ainu mitad japonés que vive como hijo adoptado. De joven, su madre y hermana serán asesinadas y él acusado del crimen, con lo que se verá obligado a huir de sus perseguidores. En el camino será ayudado por el monje Tenkai, el cual le revelará la verdadera identidad de su padre, un ninja llamado Tarouza. A raíz de este descubrirá la existencia de un tesoro misterioso que parece que su padre biológico quería encontrar, pero que no pudo. Al final resulta que su padre habría trabajado y buscado el tesoro bajo las órdenes del propio Tenkai, pero que al enamorarse le abandonó y fue considerado un traidor. Todos los males de Jiro acaban reduciéndose a un solo nombre: Tenkai, de modo que una vez se le revela esto querrá buscar venganza por su desgracia y encontrar el tesoro que le costó la vida a su padre.

Aunque la película es decente y con mucho potencial, tiene un grave problema, y es que la historia es demasiado grande como para ser adaptada en una sola película de dos horas. Se nota que la larga aventura que llega a recorrer el protagonista requiere de muchas páginas y, consecuentemente, de una buena cantidad de metraje para que esta no quede totalmente acelerada y recortada. Hay muchos personajes importantes que no tienen el desarrollo necesario para el peso que tienen en la historia y para el protagonista, momentos que requieren de muchos más minutos de los que se les da, varios giros argumentales que no se aprecian al ir todo tan acelerado… Venganza, aventura, intereses políticos, ninjas, historia y algunos buenos combates, Kamui no Ken está formada por unos elementos que si se hubiesen presentado y desarrollado durante algunas películas más hubiesen estado mucho mejor, pero que al verse reducidos a dos horas no pueden disfrutarse como deberían. Un soplo de aire fresco en una década tan llena de ciencia ficción, pero muy mejorable.

NOTA: 2/5

 

Queen Millennia

Título: 1000-nen Joou: Queen Millenia 

Año: 1982

Géneros: aventura, fantasía, drama, ciencia ficción

Estudio: Toei animation

Duración: 2h

Manga: 5 tomos escritos y dibujados por Leiji Matsumoto (Capitán Harlock, Galaxy Express 999…)

Es el año 1999, y la Tierra se ve amenazada por el acercamiento del planeta Lametal, cuya proximidad provoca catástrofes al planeta azul. Además, los habitantes de este planeta en eterna deriva espacial no habían supuesto nunca una amenaza para la humanidad, pero parece que esta vez que vuelven a acercarse al planeta humano tienen otras intenciones…En poco tiempo hará que la lametaliana Reina Milenaria haga 1000 años que se encuentre en el planeta Tierra, y una vez ha aprendido a amar a los humanos aún con sus defectos, quiere defenderlos a toda costa aunque sea por el precio de traicionar a su raza. Durante la historia se les ha confiado a las Reinas Milenarias vigilar a los humanos, pero esta última Reina, Promethium II (Yukiko Yayoi), parece haberse encariñado demasiado con los humanos, y estará en desacuerdo con la nueva voluntad de los líderes de su planeta natal.

La historia me pareció muy buena, trágica, potente y de proporciones planetarias, con batallas entre naves espaciales, conflictos de ideales y de intereses personales contra los deberes que se les atribuyen a los personajes… Por desgracia, sentí que las dos horas de película fueron un gran clímax para una historia que debería haberse contado de forma más calmada y mejor planteada. Tenemos muchos personajes clave para la historia y para la propia Reina Milenaria como Hajime, Selen o Fara, con los cuales es difícil encariñarse en tan poco rato. Además, estos merecen y necesitan un mejor desarrollo para poder apreciar satisfactoriamente sus intenciones y emociones. Aún así, Queen Millenia sigue teniendo una muy buena historia que seguro es mejor desarrollada en la serie de televisión del 81, el argumento de la cual (al igual que el manga original) parece cambiar en varios puntos. ¿Cambiarán sus finales, el destino final de la tierra y el planeta Lametal? Probablemente lo acabe comprobando, pues aún los defectos de la película, el personaje de la Reina Milenaria me pareció muy interesante y con mucho potencial, al igual que el resto de personajes cuya presencia en la película se queda corta para un mayor aprecio de estos.

NOTA: 3’5/5

 

Space Adventure Cobra

Título: Space Adventure Cobra

Año: 1982

Director: Osamu Dezaki (Ace wo Nerae, Ashita no Joe, The Rose of Versailles…)

Géneros: acción, ciencia ficción

Estudio: TMS Entertainment

Duración: 1h 39min.

Cobra es el pirata espacial más famoso del universo, pues sobre él pesa la mayor recompensa que ha existido nunca (7 millones de petoros). En una de sus aventuras junto a su compañera androide Lady ayudará a la  cazadora de recompensas Jane, que es perseguida por un ser llamado Crystal Boy, un antiguo enemigo de Cobra. Con su poderosa Psycho-gun y su Magnum Cobra se enfrentará a Crystal Boy y descubrirá la historia detrás del misterioso planeta de origen de Jane: Myrus.

Cobra es otro de esos protagonistas ochenteros “tipo duro”, muy carismático, siempre con su puro y dispuesto a disparar con su Psycho-gun a aquél que se interponga en su camino. Una sencilla película de acción y ciencia ficción, con una fantástica animación y una dirección que denota mucho estilo y que ensalza la sencillez de la historia en algo mucho más disfrutable. Puede servir de introducción a la que sería la serie de televisión del mismo año, que consta de 34 episodios.

NOTA: 4’5/ 5

 

Harmagedon

Título: Genma Taisen

Año: 1983

Director: Rintaro

Géneros: acción, ciencia ficción

Estudio: Madhouse

Duración: 2h 11min

Genma es un ser malvado todopoderoso cuyo único afán es ir destruyendo todo aquello que se encuentra en su paso por el universo. Su siguiente objetivo es la Tierra, pero gracias a la profetisa Princesa Luna, que recibirá un misterioso aviso de un ser llamado Floy, podrá adelantarse a Genma e ir en busca de los espers más poderosos del planeta para reunir fuerzas para el combate final. La princesa Luna, el guerrero espacial Vega (cuyo planeta ya sufrió el ataque de Genma) y los espers de la Tierra serán los siguientes en hacer frente al enorme peligro que es Genma. ¿Serán estos valientes guerreros psíquicos capaces de vencer donde tantos han fallado durante miles de años?

Película muy simplona que solo vale la pena ver por la buena calidad en la animación de las escenas de combate con los poderes psíquicos. Más allá de eso, la historia no tiene misterio ni giro alguno y el malo es aburrido y sin gracia, al igual que el resto de personajes, cuyos diseños son sosos y facilones ya que son estereotipos según el país del que vienen estos. Como película de acción funcionaría si al menos los personajes tuviesen un mejor diseño o si fuesen algo desarrollados, pero a excepción de Vega, el resto visualmente son aburridos y como personajes totalmente planos y faltos de carisma.

NOTA: 1’5/ 5

Saboreando los 80, Parte IV: Mamoru Oshii

Nacido el 8 de agosto de 1951 en Tokio, Mamoru Oshii es reconocido por ser el director de películas como Ghost in the Shell o uno de los creadores de la franquicia de mechas Patlabor. Aunque su obra más memorable y destacable dentro de la historia del anime sería Ghost in the Shell (1995), durante los ochenta sería autor de algunos títulos interesantes que lograría hacer como director principal después de participaciones menores a finales de los setenta y principios de los ochenta como Ippatsu Kanta-kun (1977-78), Gatchaman II (1978-79) o Nils no Fushigi na Tabi (1980-81).

Mamoru Oshii

Amante de los bassets hounds y creador de uno de los mayores clásicos del cine cyberpunk, Oshii durante los ochenta labró una producción en la que podríamos ver ya su gusto por las obras de tono más bien serio, pausado y reflexivo. Según él, esa aproximación es fundamental e inevitable a la hora de tratar las relaciones humanas, y por ello ha sido un lector asiduo de filosofía. Se trata de un director influenciado por autores y obras occidentales, siendo alguna de las más evidentes Blade Runner (1982). Sin más dilación, veamos los trabajos más destacables del famoso director durante los años ochenta:

 

Dallos (OVA’s)

 

Año: 1983-84

Episodios: 4 (30 min. por episodio)

Género: acción, mecha, ciencia ficción

Para superar sus problemas de sobrepoblación y falta de recursos, en un futuro la humanidad se vio obligada a colonizar la Luna, de la que además extraerían un mineral que ayudaría a la economía terrestre. Sesenta años más tarde, en la tercera generación de colonos (ya nacidos como humanos lunares, y no terrestres) aparecerían organizaciones radicales que reivindicarían su pertinencia a la Luna y su condición de humanos lunares, queriendo luchar contra la opresión y diferencia de sus derechos respecto a los terrestres.

Consideradas las primeras OVA’s de la historia y, además, el debut como director de Mamoru Oshii, Dallos nos presenta un conjunto de temas muy interesantes como conflictos sociales, de identidad de pertinencia… Todo ello en un buen contexto futurista, con diferentes visiones políticas dispersas entre generaciones sobre cómo afrontar el conflicto entre terrestres y lunares, buenas escenas de acción y una más que decente banda sonora. Por desgracia, en las dos horas que llega a durar la historia no se puede desarrollar demasiado ni el argumento ni los personajes, dejando en sí todo bastante abierto y más como un planteamiento muy interesante y con potencial, pero que le falta una verdadera resolución o gran clímax. También hay algún tema religioso de por medio que no llega a ser desarrollado del todo y se deja bastante en el misterio.

Aún así, todo lo que presenta Dallos sigue teniendo mucho potencial y más profundidad temática que muchos otros animes de ciencia ficción de la época, de modo que merecen bastante la pena ser vistas por ello, además de por ser las primeras OVA’s de la historia y ser uno de los primeros animes sobre los que el futuro director de Ghost in the Shell tendría más responsabilidad. Desde 1981 Mamoru Oshii ya habría dirigido algunos capítulos de Urusei Yatsura, la cual no dejaba de ser ya una serie con renombre debido a su manga y, al fin y al cabo, una adaptación. No sería hasta Dallos que sus dotes como director serían más reconocidas al darle esa posición en una obra original, desvinculada de otro producto existente.

 

Mamoru Oshii y Urusei Yatsura

 

En 1983 y 1984 Mamoru Oshii se encargaría de dirigir las dos primeras películas de uno de los animes más famosos de la década: Urusei Yatsura (traducido como “Lamu” en España). Antes se habría encargado de dirigir también capítulos de la propia serie. Urusei Yatsura fue una larga comedia romántica (195 episodios) que adaptaría la primera obra de éxito del mismo nombre de Rumiko Takahashi, y cuyo argumento es el siguiente:

El protagonista de esta historia es Moroboshi Ataru, un adolescente de lo más pervertido que va detrás de todas las faldas que se le pongan por delante. Durante la invasión alienígena a la Tierra de la especie Oni, debido a un malentendido la bella alienígena Lum se piensa que debe casarse con él, instalándose así en su casa para conquistarle y parando la invasión inmediatamente. El repentino amor de Lamu por Ataru, la obsesión de este por las mujeres (aunque no por Lum) y los diferentes amigos y enemigos que decidirán dar una visita a la pareja protagonista harán la vida imposible a Ataru y compañía y les harán vivir mil y una aventuras.

 

Urusei Yatsura Movie 1: Only You

 

Año: 1983

Duración: 1h 42min

Género: comedia, drama, ciencia ficción, romance, aventura

La primera película de Urusei Yatsura no está muy lejos de lo que sería un capítulo normal de la serie, solo que más largo, con la presencia de la gran mayoría del reparto de personajes y con mejor animación. Una vez más, a Ataru le aparece una pretendiente alienígena con la que debe casarse, y esta vez es porque de pequeño se prometió con ella (¿de qué me suena esta historia?) a causa de una antigua tradición de su planeta que dice que si un hombre pisa la sombra de una mujer debe casarse con ella. Ya han pasado once años de esto, y parece que solo la princesa Elle, la extraterrestre con la que debe casarse, se acuerda de ello. Cuando van a buscar a Ataru a la Tierra para que contraiga matrimonio con la mujer a la que se prometió él no opone resistencia alguna, pero cuando Lum se entera de esto quiere evitarlo a toda costa, empezando así un enfrentamiento entre ambas pretendientes.

Como he dicho, la película argumentalmente no tiene nada de especial respecto a la serie original, aunque sí que se hace evidente la mejora en la animación y en la acción. Ahora bien, ¿es necesario haber visto algo de la serie para ver la película? De Urusei Yatsura tengo vistos 80 episodios, de modo que conozco bastante bien a los personajes, sus gags y demás relaciones que se desarrollan en la serie. Si bien argumentalmente es muy básica y no tiene misterio alguno, si uno no conoce nada a los personajes ver la película sería quedarse un poco a medias. Aún más si se tiene en cuenta que aparecen prácticamente todos los personajes principales y secundarios. Sirve como buen ejemplo de lo que es un buen capítulo de la serie, pero es mejor estar un poco familiarizado con los personajes para poder disfrutarla completamente. Pero si tienes ganas de ver cómo son los personajes y cómo funciona más o menos la serie, puedes probar a verla como introducción, en vez de empezar un anime de casi 200 episodios.

 

Urusei Yatsura Movie 2: Beautiful Dreamer

 

Año: 1984

Duración: 1h 35min

Género: comedia, drama, ciencia ficción, romance, aventura, misterio

Por otro lado, tenemos Beautiful Dreamer, la película de la franquicia con más renombre. Una vez vista es bastante lógico el porqué, ya que se desmarca bastante del tono general de la serie original (o el de la primera película), para así poder ofrecer un argumento más complejo y trabajado, pero manteniendo los personajes de la serie y algunos de los gags recurrentes que se dan entre ellos. En este caso tenemos una película en la que se nota más la mano de Oshii como director, y que usa los personajes de la icónica serie para una historia muy diferente de lo que es la esencia original de la eterna comedia romántica creada por Rumiko Takahashi.

Esta vez Ataru o Lum no son el objetivo de alguien, sino que todos los personajes principales se ven afectados por un extraño suceso. Ataru y compañía están preparándose con mucho ahínco para el festival de la escuela y la acción empieza un día antes de que empiece. Pero después de tanta preparación el deseado día nunca llega, y no es hasta que uno de los profesores se da cuenta y a raíz de su repentina desaparición, que Ataru, Lum, Sakura-sensei, Mendou y el resto de sus amigos empezarán una nueva y misteriosa aventura para descubrir lo que está ocurriendo con su realidad.

Muy buena película que aunque se aleja mucho de las divertidas y alocadas aventuras a las que acostumbra la serie original, permite disfrutar de los mismos personajes en un contexto y un argumento más complejo y más cercano al tipo de historia en la que Oshii parece preferir trabajar. Respecto al visionado o no de esta película, lo mismo que he dicho respecto a Only you, solo que esta vez no es recomendable como ejemplo de lo que en general es la serie, ya que esta suele quedarse en aventuras más simples y absurdas. Beaufitful Dreamer es algo más pausada, no hay tanta interacción de amor-odio entre Lum y Ataru, y a través de una historia algo más enrevesada (de la que es mejor no desvelar nada), se vuelve algo más profunda respecto a alguno de los personajes.

 

Tenshi no Tamago (Angel’s egg)

 

Año: 1985

Duración: 1h 11min

Género: drama, fantasía

Pero para hablar de animes enrevesados, complejos y crípticos no hay mejor OVA que “Angel’s egg” para darle un rato a la cabeza e intentar desentrañar el significado, el sentido o la misma lógica a esta escasa hora de animación. El argumento más evidente, lo que se ve a simple vista, no tiene demasiada complicación: en un contexto postapocalítpcito una niña pálida de una larga cabellera blanca porta un gran huevo. Además de protegerlo como si se tratara de su hijo, está obcecada en llenar de agua frascos de cristal. Cuando parecía que estaba sola en el paraje desolado y vacío de vida en el que se encuentra, aparece un misterioso chico de piel morena y pelo blanco que le pregunta por el huevo.

Una enigmática OVA que, independientemente de su significado y temática, gracias a un apartado artístico impecable (de las manos de Yoshitaka Amano) logra construir un mundo con una expresividad muy potente, que transmiten de forma muy certera una gran sensación de desolación, confusión y misterio. Un mundo sobre el que se narran unos hechos abiertos a múltiples interpretaciones, y a los que se les puede atribuir mucha simbología cristiana.

En la hora y diez minutos que dura Tenshi no Tamago probablemente podemos encontrar al Mamoru Oshii más críptico y reflexivo, y que junto al tétrico aunque visualmente agradable arte de Yoshitaka Amano, dan como resultado una obra que te dejará dando vueltas acerca de ella durante un tiempo. Como no puedo extenderme demasiado en esta, me reservo la opinión más amplia que tengo sobre ella en la entrada propia que merece.

 

Oshii ha admitido en entrevistas haber leído de joven la Biblia, entre otras obras occidentales, dato curioso y que se evidencia en obras como esta debido a la presencia de elementos de la tradición cristiana. Su interés y disfrute de la cultura occidental da como resultado eclécticas obras como esta, pero por desgracia Angel’s eggs sería un fiasco en ventas, llevando al joven director a un duro tiempo de sequía de trabajo. No sería hasta Patlabor (1988-89) que su carrera remontaría.

 

Twilight Q (OVA’s)

 

Año: 1987

Episodios: 2 (30min. por episodio)

Género: misterio, psicológico, ciencia ficción

El primer episodio, que no está dirigido por Oshii, es una interesante historia de ciencia ficción y misterio en la que una chica se encuentra una cámara bastante desgastada en la playa. Cuando la lleva a revelar ve que en esta hay una fotografía de ella con un chico que no conoce. Pero esta no es la única sorpresa, pues cuando investigan sobre de dónde puede haber llegado esa cámara, les dicen que aún no ha sido lanzada al mercado y que faltan dos años para que lo haga… Curiosa historia bien cerrada que aunque deja alguna cosa sin explicar, mantiene bien el tono de misterio e intriga.

El segundo episodio es el que está dirigido por Oshii, y nos cuenta la intrigante historia de un detective que tiene el encargo de investigar un apartamento en el que viven un señor mayor y la que se supone que es su hija pequeña. Aparte de eso, durante el mes de verano en el que suceden los hechos están desapareciendo aviones sin saber cómo,  ni dónde han ido a parar. ¿Estarán los hechos mencionados relacionados de algún modo? Aún lo corto que es el capítulo Oshii logra mantener la atención y el ambiente de misterio durante los 30 minutos que dura la historia, con buenos giros que mantiene la tensión y jugando un poco con la realidad y con la mente del espectador.

 

Mamoru Oshii y Headgear

Patlabor

Patlabor sería un proyecto que Oshii llevaría a cabo junto al grupo de artistas del mundo del manga y el anime Headgear, fundado con el propósito de que sus miembros mantuviesen en su poder los derechos de copyright de las obras producidas. Algunos de sus miembros y su implicación en Patlabor serían: Yuuki Masami (concepción original y autor del manga), Kazunori Ito (guión de las OVA’s y películas), Yutaka Izubuchi (diseño de mechas), Akemi Takada (diseño de personajes) y Kenji Kawai (música).

 

Mobile Police Patlabor (OVA’s)

 

Año: 1988-89

Episodios: 7 (30min. por episodio)

Género: acción, ciencia ficción, mecha, comedia

Después de obras como Tenshi no Tamago o Twilight Q, Oshii se subiría al carro del mainstream de los ochenta dirigiendo una de las clásicas franquicias de mechas de la época: Patlabor. Serie mucho más ligera de lo que suelen ser sus animes que nos cuenta la historia futurística de las fuerzas policiales de Tokyo. En este futuro los mechas, llamados aquí “Labor”, han sido creados y son usados en todo tipo de trabajos. Con los Labor llegarían también crímenes de su nivel y, por tanto, la policía también debería hacer uso de ellos para combatir a los criminales.

Cada capítulo cuenta un caso diferente al que se enfrentará la policía y sus nuevos cadetes introducidos en el primer episodio. En general mantiene un tono humorístico que hace que sea agradable de ver y disfrutar de la buena acción y sus simpáticos protagonistas. Aunque con esta serie Oshii se alejaría algo de sus temáticas más densas, Patlabor igualmente no es del todo una serie de mechas tan mainstream como otras de la década, pues aplica estas grandes máquinas en situaciones más comunes, y no en grandes sucesos bélicos y militares como en Gundam, Macross, Gunbuster, Dangaioh… Es mucho más realista o natural que todas estas, y en ese aspecto es recomendable si uno quiere ver algo del género pero no le atraen ese tipo de historias militares o con argumentos muy rimbombantes. Patlabor es mucho más sencilla y divertida, pero igualmente entretenida.

 

Mobile Police Patlabor The Movie

 

Año: 1989

Duración: 1h. 39min.

Género: acción, ciencia ficción, mecha, comedia

Si las OVA’s originales de Patlabor toman el género mecha desde una perspectiva más ligera y humorística, y lo trasladan a un contexto más corriente como pueden ser las fuerzas policiales, la película secuela sigue un poco el espíritu de esas primeras 7 OVA’s, aunque se vuelve algo más seria con un buen argumento de misterio y lleno de investigación. En este nuevo caso para las fuerzas policiales de Tokyo la ciudad entera se verá en peligro a causa de un seguido de incidentes que están sucediendo con los Labor. Están habiendo casos en los que estas modernas máquinas están perdiendo el control, incluso cuando van sin piloto. A esto se le suma que Tokyo está más lleno de Labor que nunca, pues se está llevando a cabo el mayor proyecto de construcción del siglo: el proyecto Babylon. ¿Tendrá algo que ver con todo esto el misterioso suicidio de un hombre en el lugar de construcción del proyecto?

Secuela de las primeras OVA’s de Patlabor que sigue el mismo estilo de estas, aunque esta vez cuenta con menos presencia de los mechas y con menos acción. La mayoría de la película es el desarrollo de la investigación acerca de los extraños sucesos que se están dando con los Labor, está enteramente protagonizada por los personajes en sí mismos y con pocas escenas con los mechas. Incluso tiene su pequeño momento de reflexión made in Oshii. Por ello es más recomendable introducirse en la franquicia a través de las OVA’s, que son mucho más ligeras y mejores para familiarizarse con los personajes. Unas vez vistas, y si te han gustado, la película es 100% recomendable pues presenta un argumento más complejo y con mayor desarrollo que cualquiera de los casos de las OVA’s.

La franquicia Patlabor cuenta también con una serie de 45 capítulos que empezó su emisión en 1989 y en la que Oshii participaría. Seguro que sigue el mismo tono que las obras mencionadas y probablemente algún día la vea (al igual que la segunda película de 1993), pero no encontré necesario alargar más el repaso de las obras del autor ya que sería solo una obligada serie de televisión para exprimir algo más una franquicia de éxito cuya producción se reducía en el momento a unas OVA’s y una película.

 

Gosenzo-sama Banbanzai! (OVA’s)

 

Año: 1989-90

Episodios: 6 (30 min. por episodio)

Género: comedia, ciencia ficción

Finalmente, tendríamos Gosenzo-sama Banzai!, seis OVA’s que aun siendo de comedia seguirían también el estilo de las obras de Oshii. En este caso la historia nos narra la vida de la familia Yomota, compuesta por la madre (Tamiko), el padre (Kinekuni) y su único hijo de 17 años Inumaro. Su vida transcurre de forma totalmente corriente, con sus más y sus menos, pero hasta que un día la llegada de una chica de la misma edad de Inumaro lo cambia todo. Ella es Maroko Yomota, y se presenta diciendo que es la nieta de Inumaro! A partir de esta inesperada visita la vida de la familia Yomota se trastornará, empezando por el abandono de la madre de su marido e hijo, que son los únicos que se creen la historia de Maroko.

Aunque la comedia no es un género que conecte demasiado con el tono usual de las obras de Oshii, en este caso funciona al presentar la historia de una forma muy concreta y peculiar. La acción va transcurriendo casi como una obra de teatro, como si se tratase de una tragicomedia con sus monólogos e incluso en la que se incluyen números musicales. Todo transcurre de una forma bastante alocada, con un tono humorístico mientras se va criticando y debatiendo sobre las relaciones sociales que se dan en familia, que es al fin y al cabo el tema de fondo de esta curiosa historia de ciencia ficción y comedia. Al principio se puede hacer pesada, pero conforme avanza y uno va viendo las pretensiones de la historia se va disfrutando más.

 

Mamoru Oshii Y Yoshiyuki Amano
Mamoru Oshii y Yoshitaka Amano en una entrevista sobre Angel’s egg

Y hasta aquí esta entrada sobre Mamoru Oshii, espero haberlo presentado bien tanto a él, como a sus obras hechas durante esta década que estoy tratando en múltiples entradas. A parte de ver las obras comentadas, me he servido de las siguientes entrevistas para informarme sobre él, las cuales recomiendo ver y leer:

Entrevista en youtube. Recomendada especialmente para conocer la continuación de la carrera de Oshii después de Patlabor.

Entrevista sobre Angel’s egg.

http://dorkshelf.com/2014/07/12/interview-mamoru-oshii/

http://www.ign.com/articles/2004/09/17/interview-mamoru-oshii?page=1

 

Saboreando los 80, Parte III: Impresiones de series (1)

Tenía pensado hacer esto como una entrada de primeras impresiones de temporada, pero al final preferí algo más completo y con menos animes de la década para ofrecer unas mejores impresiones de cada serie y no quedarme en la superficie de cada una. Los 80 están llenos de series de televisión de animes muy largos, entre ellos eternas comedias románticas (Urusei Yatsura o Ranma ½), romances (Touch, Maison Ikkoku) o shonen de peleas (Saint Seiya, Hokuto no Ken, Dragonball…), así que para esta entrada de momento solo me centraré en algunos animes relativamente cortos que he ido viendo y que el tiempo me ha permitido hasta ahora disfrutar. Probablemente, lo mejor de la década se esconde entre esas largas series, pero como no todo el mundo quiere ni puede meterse a empezar un anime de 200 capítulos, aquí tenéis las impresiones y recomendación de 5 animes de duración asumible (alrededor de 50 capítulos como máximo).

Pondré una puntuación de recomendación del 1 al 5 como orientación de lo que vale la pena cada serie, donde:

1: No vale la pena perder el tiempo en ella, totalmente olvidable.

2: Correcta, pero nada sobresaliente o de gran calidad.

3: Buena, puede que no del agrado de todo el mundo, pero merece un intento.

4: Muy buena, aunque con sus defectos y puede que no tan icónica como para ser algo indispensable de ver.

5: Excelente, indispensable de ver de la década.

 

Kimagure Orange Road

Años de emisión: 1987-88

Género: romance, comedia, sobrenatural

Estudio: Pierrot

Episodios: 48+ 8 OVA’s+ 1 película

Clásico del género de comedia romántica, Kimagure Orange Road nos cuenta la historia de Kyosuke Kasuga, quien a sus tiernos 15 años tendrá sus primeras experiencias románticas viéndose envuelto en un triángulo amoroso con Madoka Ayukawa y Hikaru Hiyama. Siendo la primera más madura y reservada y la otra pura inocencia y alegría, junto a un típico protagonista patoso e indeciso resulta en una comedia romántica que equilibra bien sus dos géneros, y aunque se alarga algo más de los necesario y da algunas vueltas de más, nos deja con una bonita banda sonora (y excelentes openings), capítulos bien divertidos o con una buena tensión romántica, y un muy buen final en una película que cierra todo lo desarrollado durante la serie. Las OVA’s adaptan capítulos del manga, pero no son imprescindibles de ver.

Sinceramente, una de las mejores comedias románticas que he podido ver. Por tener un trío protagonista bien carismático y que contrasta a la perfección, una banda sonora con algunos temas preciosos, y un toque sobrenatural que ameniza muy bien el disfrute del día a día de Kyosuke y compañía, Kimagure Orange Road es una excelente comedia romántica, que si bien no es perfecta, sí un must see para los amantes del género y del romance en general. Si queréis saber más sobre ella aquí tenéis la reseña que le hice.

NOTA: 4’5

 

 

Dirty Pair

Años de emisión: 1985

Género: acción, ciencia ficción, aventura, policíaca

Estudio: Sunrise

Episodios: 24+ 12 OVA’s+ 1 película

Serie de acción ligerita protagonizada por las Lovely angels Kei y Yuri, una pareja de agentes de la WWWA, empresa que se dedica a resolver problemas enviando a sus mejores agentes a solucionarlos. Kei y Yuri también son conocidas por el infame nombre de “Dirty pair”, ya que cada vez que estas gamberras chicas de acción tienen que resolver un caso acaban produciendo muchos daños colaterales y destrucción a su paso. Muy episódica y con un diseño de las protagonistas bastante icónico, Dirty pair no es una gran serie ni algo que merezca mucha atención, pero cumple bien con su cometido: acción, entretenimiento y diversión a través de los diferentes trabajos de Kei y Yuri.

Es interesante ver en la década un par de protagonistas femeninas independientes de personajes masculinos, pero ellas mismas (aunque son divertidas y como dúo funcionan bien) son personajes más bien simples y se mantienen bastante planos a lo largo de la serie. Cumplen como protagonistas de una serie de acción, pero no tienen desarrollo alguno o profundidad, y cualquiera de sus deseos es bastante superficial. La película es como un episodio largo, solo que con mejor animación y dibujo, banda sonora y más destrucción. Lo cual está bien y la hace más interesante si te pica la curiosidad a ver alguna aventura de la Dirty p… las Lovely angels.

NOTA: 2

 

Ginga Nagareboshi Gin

Años de emisión: 1986

Género: acción, drama, aventura

Estudio: Toei Animation

Episodios: 21

El temible oso Akakabuto ha tomado hace tiempo el control del desfiladero de Futago, y ante su amenaza intentarán acabar con él los cazadores de osos como Gohei. La historia empieza con su enfrentamiento contra este junto a su perro Riki, pero la pelea será fatal para estos, y su legado será traspasado al cachorro de Riki acabado de nacer. Para vengar la muerte de su padre y mantener el legado de su raza Akita Tora-ge (usada tradicionalmente por los cazadores de osos), Gin tendrá un largo camino que recorrer para estar a la altura de su destino y voluntad.

Con un cierto tono épico, Ginga Nagareboshi Gin nos narrará como Gin se separará de aquellos humanos que lo vieron nacer para formar parte de una jauría de perros salvajes en la que encontrará grandes amigos y aliados para enfrentarse a su destino final. Un anime protagonizado casi al completo por perros, pues al principio son presentados algunos humanos que una vez Gin se separa de ellos estos toman un papel mucho más secundario. Los perros son humanizados y hablan, pero se hace de una forma particular bastante acertada, pues las relaciones que se dan entre ellos se dan en valores muy marcados y con cierto aire militar como el honor, la valentía, el orgullo, la lealtad o la idea de soldado. Estos son temas fundamentales en la historia y que marcan mucho a los personajes, y hacen que se aleje la visión de estos como simples perros.

Mucha acción cruda y violenta, aunque con sus altibajos debido al uso de frames totalmente estáticos que actualmente pueden cortar mucho el dinamismo de una escena de pelea. El autor se concede bastantes licencias a la hora de los movimientos de los perros en favor de la espectacularidad y variedad, y tiene sus toques de fantasía al introducir cosas como “perros ninja” o técnicas especiales. Más allá de estos pequeños detalles (poco frecuentes), y que los osos enemigos son casi como monstruos, la serie mantiene bastante las patas en la tierra.

Uno de los animes de los 80 que me ha parecido que más le pesan los años, especialmente en la música y la dirección, pues la expresión del drama o la sorpresa se sienten muy antiguos y que ya no expresan tan bien lo que pretenden en comparación a los estándares actuales. Aún así,, los personajes animales están bien definidos, con buenos desarrollos y todo acaba resultando en un anime con una historia épica, con temas potentes, que se siente muy de la época y que también merece ser vista por ese protagonismo animal tan poco usual en el anime.

PD: no apta para gente sensible al sufrimiento animal.

NOTA: 3’5

 

Space Runaway Ideon

Años de emisión: 1980-81

Género: mecha, ciencia ficción, acción

Estudio: Sunrise

Episodios: 39 + 2 películas

Dirigida por Yoshiyuki Tomino (Gundam), Space Runaway Ideon nos cuenta la historia futurística de una colonia humana situada en el planeta llamado “Solo”. Se trata de un futuro en el que la humanidad ha establecido diversas colonias a lo largo de la galaxia, en la que solo se han encontrado restos de extintas civilizaciones alienígenas. En primera instancia el planeta Solo no es diferente, pues encontrarán los restos de la “Sexta civilización”, pero entonces sufrirán el ataque y primer encuentro con vida extraterrestre: el Clan Buff. Estos van en busca de los restos de la Sexta civilización y del poder de “Ide”, algo que los humanos de Solo han encontrado primero. En este primer encuentro Cosmo, Kasha y Jordan Bes se subirán a unos vehículos de esta antigua civilización, y entonces despertarán al poderoso mecha al que llamarán “Ideon”, gracias al cual podrán combatir al Clan Buff. A partir de ese momento empezará una larga persecución espacial constante entre los humanos del planeta Solo y el Clan Buff.

Con un planteamiento bien interesante y con mucho potencial, Space Runaway Ideon por desgracia se alarga en una cantidad de capítulos innecesarios que, además, se vuelven muy repetitivos en una constante batalla entre el Clan Buff y los humanos liderados por Jordan Bes. Aún eso, a lo largo de los 39 episodios la serie presenta algunos elementos de ciencia ficción interesantes, un desarrollo de personajes decente y un buen misterio alrededor del gran mecha Ideon. El choque entre las dos razas alienígenas es bien aprovechado en algunos momentos (social o culturalmente), mientras que en otros es totalmente olvidado que son dos razas distintas que no deberían ni poder entenderse lingüísticamente. También están bien presentados los conflictos entre los personajes de la nave Solo, y los posteriores que se dan entre otros asentamientos humanos del espacio.

La serie fue cancelada y debido a eso contó con un final totalmente precipitado, no solo argumentalmente sino que también a nivel de relaciones entre personajes. Es por ello que en 1982 se hicieron dos películas: “A Contact”, un resumen de gran parte de la historia, y después “Be Invoked”, el apoteósico y más satisfactorio final. ¿Mi recomendación? Después de pasar por los 39 episodios, que pueden volverse algo pesados debido a su repetitividad del conflicto entre las partes enfrentadas, probablemente lo mejor es verse directamente la primera película resumen y después la segunda que cierra la historia. Be Invoked es conocida por haber sido una influencia en Evangelion, y si bien eso se puede notar en algunos aspectos, esta está igualmente a años luz de llegar al nivel del clásico de GAINAX.

NOTA: 2

 

 

Sakigake!! Otokojuku

Años de emisión: 1988

Género: escolar, comedia, artes marciales, acción

Estudio: Toei animation

Episodios: 39 + 1 película

Imaginad como sería el instituto ideal que acogería personajes como Kenshiro, Jotaro, Golgo… y Otokojuku sería la materialización de ello. Probablemente, uno de los animes escolares más locos que haya podido ver. El instituto Otokojuku solo acoge a estudiantes hombres expulsados de otras escuelas, y a través de sus estrictos métodos de educación pretende refinar su masculinidad y hombría. Podría decirse que es una versión menos surrealista de Sakigake!! Cromartie Highschool, pero no por ello menos absurda.

Sakigake!! Otokojuku es un constante ensalzamiento de la virilidad y masculinidad hasta niveles absurdos, valores con los que la serie juega un poco y se nota el tono más irónico y de burla con lo estúpido que puede llegar a volverse cada capítulo. Los ochenta están plagados de protagonistas machotes, orgullosos, imperturbables y capaces de soportar cualquier situación, y este anime va saltando un poco entre la burla de ello con lo absurdo de su comedia, aunque a veces sí se los toma algo en serio. Con una cierta perspectiva más moderna se hace mucho más disfrutable.

Los niveles de absurdo van entre el maltrato constante de los protagonistas, castigos brutales que son directamente torturas o peleas a muerte entre estudiantes apoyadas por el propio director. Con frases lapidarias como: “Un hombre no debe mostrar sus lágrimas nunca, ni siquiera en el funeral de sus padres”, Sakigake!! Otokojuku es una de las pocas comedias que he podido encontrar de la década, y aunque puede que se alargue más de lo necesario, a cada capítulo va sorprendiendo con su nuevo alocado modo de reírse de valores masculinos tan recurrentes de la década. Conforme va avanzando se va convirtiendo más en un anime de peleas y va dejando de lado más la comedia, pero nunca del todo pues siempre está presente gracias a algunos personajes.

NOTA: 3

Y hasta aquí las impresiones y recomendaciones de estos 5 animes de los 80, espero poder hacer en un futuro -probablemente lejano- más entregas de impresiones de series cortas.

Saboreando los 80, Parte II: OVA’s (1)

Una de las dificultades o pegas que pueden presentarse a la hora de querer ver los animes que se hicieron en los 80 es que muchos de ellos, o al menos aquellos que más han pasado a la posteridad, son series de televisión de larga duración: Dragonball, Urusei Yatsura, Ranma ½ , Gundam, Macross, Saint Seiya… Evidentemente, hay series que no llegan a los 100 episodios, o que rondan los 50 o menos, pero a esos ya les dedicaré otra entrada. Hay otros dos formatos a través de los que disfrutar la animación de los 80: las películas, y el formato que nació a principios de la década, las OVA’s (Original Video Animation). Es decir, animes cuya primera salida al público no se dio ni por la televisión ni en las grandes pantallas del cine, sino que directamente se puso a la venta.

 

La existencia de este formato no podría haberse dado sin la invención a mediados de los 70 de los sistemas de reproducción de vídeo domésticos VHS y Betamax. El primer sistema de VHS (Video Home System) sería de la compañía Japan Victor Company (JVC), que lanzó su sistema de reproducción de vídeo analógico doméstico en 1976. Sería lanzado como competidor de Betamax, sistema de menor duración pero de mayor calidad de vídeo, y que sacaría un año antes Sony.

No sería hasta 1983 que el estudio Pierrot sacaría las primeras OVA’s de la historia: Dallos, una serie de 4 OVA’s de 30 minutos cada una, y que además supusieron el debut como director de Mamoru Oshii. Un anime que no comentaré en esta entrada, pero sí en una futura sobre el director. Se tardaron 8 años desde la salida del primer sistema de reproducción de vídeo doméstico a que este fuese aprovechado por los estudios de animación, y sería lógico pensar que las productoras o los estudios no se decidiesen a sacar anime en ese formato hasta que no se afianzase el mercado de ese novedoso sistema de vídeo.

 

El formato de OVA presenta varias diferencias respecto a los animes en forma de serie de televisión y de película. Primero de todo, y el más usual, la durada. En general las series de OVA’s presentan pocos capítulos (a veces son de uno solo), pero en cambio estos suelen durar más minutos, llegando algunos incluso a la hora. Por supuesto, tenemos algunas excepciones como Ginga Eiyuu Densetsu (Legend of the Galactic Heroes, 1988-1997), que llega a los 110 episodios. El tiempo de puesta en venta ya depende de la largada de la serie o duración de cada episodio. Las series de OVA’s, al igual que las películas, suelen presentar una mayor calidad en dibujo y animación, dejándonos algunas joyas como Bubblegum Crisis (1987-1991), una de las OVA’s con más renombre y de la que hice una reseña. Otro de los elementos más destacables del formato es que al salir directamente a la venta no pasa por las posibles restricciones o filtros de la televisión o el cine, dejando más libertad al estudio, director… a la hora de crear el anime, en el caso de que no sea una adaptación. La prueba para afirmar esto último está en que en las OVA’s es donde se concentra la mayor cantidad de anime no apto para todos los públicos, siendo las películas el siguiente formato en el que vemos más anime +18. Como curiosidad a esto último, decir que el primer anime hentai es de 1984 y, efectivamente, salió como una serie de OVA’s (Lolita anime). En las OVA’s también es donde se concentra la mayor cantidad de animes originales (no adaptaciones), un producto más arriesgado a la hora de crear ya que no cuenta con la popularidad de una obra ya existente. Pero el tema de la creación de animes originales y adaptaciones pertenece a otra entrada.

Una vez acabada esta introducción, me gustaría presentar 5 series de OVA’s que he visto, y a las que he atribuido una nota que especifico a continuación:

1: No vale la pena perder el tiempo en ella, totalmente olvidable.

2: Correcta, pero nada sobresaliente o de gran calidad.

3: Buena, puede que no del agrado de todo el mundo, pero merece un intento.

4: Muy buena, aunque con sus defectos y puede que no tan icónica como para ser algo indispensable de ver.

5: Excelente, indispensable de ver de la década.

Esta no va a ser la única entrada sobre OVA’s de la década, y conforme vaya viendo iré comentándolas y presentándolas en el blog, al menos aquellas que merezcan algún tipo de mención y hasta que crea que he hecho un buen repaso al formato dentro de la década.

 

Midnight Eye: Goku I&II

 

Año: 1989

Género: seinen (+18), acción, ciencia ficción, misterio

Episodios: 2 (50 min cada uno)

Estudio: Madhouse

Director: Yoshiaki Kawajiri (Ninja scroll, Bio Hunter, Demon city Shinjuku…)

Goku Fuurinji es un detective privado cuyo ojo izquierdo artificial tiene un increíble poder, y es que puede controlar cualquier tipo de mecanismo que funcione con un ordenador. Las dos OVA’s nos muestran dos casos en los que trabaja Goku, el primero siendo una investigación de un seguido de suicidios inducidos, y en el segundo le contratarán para la investigación de un hombre desaparecido.

Goku es el típico protagonista tipo duro ochentero, de los que no mira hacia atrás cuando provoca una gran explosión. Por desgracia, los OVA’s no cuentan quienes son los que le ponen el ojo artificial, algo bastante importante teniendo en cuenta la magnitud de poder que tiene este. Por culpa de ello, aunque él es un simple humano, su ojo lo vuelve un personaje demasiado poderoso que lleva a alguna resolución final un tanto estúpida y sin gracia. Aún así, la acción es decente y con su buena ración de sangre y violencia típica de la época. Aunque en el aspecto técnico no está a la altura de otras OVA’s de gran calidad de los ochenta como Gunbuster o Bubblegum crisis, es curioso ver alguna otra obra del director que crearía el clásico de los noventa Ninja scroll.

NOTA: 2’5/5

Tatakae!! Iczer-1

Tatakae Iczer 1

Año: 1985-1987

Género: (+18) acción, ciencia ficción, aventura, ecchi, mecha

Episodios: 3 (1h 20 min en total)

Estudio: AIC

La tierra está siendo invadida por unos terroríficos alienígenas llamados Cthulhu, y una misteriosa chica del espacio llamada Iczer 1 intentará evitarlo. Para ello usará su mecha Iczer Robo, pero necesita una compañera con la que fusionarse para activar todo su poder. Aquí es donde entra la protagonista de la historia: Nagisa, que se verá envuelta de golpe en un conflicto entre alienígenas.

Tatakae!! Iczer-1 son tres OVA’s 100% olvidables que solo destacan por la decente calidad del dibujo y la acción. Igualmente, aún eso los diseños no logran brillar nada, pues los mechas son feos y los personajes no tienen nada de especial. Respecto al argumento, es una historia demasiado corta que se siente muy acelerada, que no tiene ningún tipo de presentación ni introducción, y que sus intentos de clímax dramático o de resolución final fallan a causa de todo ello. La protagonista es de lo más corriente, está solo para enseñar carne – de forma bastante forzada e innecesaria- y no se llega a empatizar con ella, aún el claro intento de la historia por hacerlo. Lo único destacable es lo adecuadamente horribles y feos que son los alienígenas invasores, cuyas formas cumplen a la perfección la intención de dar asco y un cierto miedo.

NOTA: 1/5

One pound Gospel

 

Año: 1988

Género: seinen, romance, comedia, deporte

Episodios: 1 (50 min.)

Estudio: Gallop

¿Quieres ver la adaptación de algún manga de Rumiko Takahashi (Urusei Yatsura, Ranma ½, Inuyasha…) pero te da pereza empezar un anime de más de 100 capítulos? One pound gospel es un manga de 4 tomos que sería adaptado en una OVA de unos 50 minutos y dirigida por Osamu Dezai, director que en los setenta se haría cargo de clásicos como Ashita no Joe o La Rosa de Versalles.

Kosaku es un boxeador profesional que en sus inicios prometía mucho, pero una vez sus malos hábitos alimenticios aparecieron empezó a echar por la borda su carrera, llegando incluso a vomitar en medio de un combate. Justo cuando parece que su entrenador tirará finalmente la toalla por él, aparecerá en la vida del joven boxeador la monja Angela, que aún no ha tomado sus votos. Kosaku tardará poco en enamorarse de ella, y la hermana Angela sentirá compasión por como Kosaku está echando a perder su carrera como boxeador. ¿Será el apoyo de la monja suficiente para que Kosaku deje de ser un glotón y vuelva a ganar un combate?

La principal motivación para ver esta OVA, más allá de por ser la adaptación de una obra de Rumiko Takahashi, es seguramente por la curiosa pareja que hacen el boxeador y la monja protagonistas. Por desgracia, los 50 minutos que dura esta seguramente se quedan cortos a la hora de adaptar la relación que se debe desarrollar entre ambos en el manga, pues estos se centran más en la carrera de Kosaku que no en el romance. Aún así, el sello de calidad de la autora sigue estando en sus simpáticos personajes y el siempre presente tono humorístico de sus historias, que difícilmente se ven sin que logren arrancarnos al menos alguna sonrisa.

Una OVA correcta  que sabe a poco en el romance, pero que se deja disfrutar gracias a lo tontorrón que es el protagonista, al buen par de combates que se ven y a las diversas interacciones entre el boxeador y la joven e inocente monja. Sirve bien para saborear un poco el estilo de la autora sin tener que gastar media vida en ver al completo una obra suya. Si te quedas con ganas de más, especialmente respecto al humor, Ranma ½ (1989) o Urusei Yatsura (1981) son muy recomendables en ese aspecto, mucho más alocadas, divertidas y, sobre todo, largas.

NOTA: 3/5

Outlanders

 

Año: 1986

Género: shonen, ciencia ficción, aventura, comedia, ecchi

Episodios: 1 (51 min.)

Estudio: AIC

Con una evidente inspiración en Urusei Yatsura, Outlanders nos cuenta en poco tiempo cómo durante la invasión de la tierra por parte de unos extraterrestres el fotógrafo Tetsuya es secuestrado por la atractiva Kahm, la princesa de la especie alienígena invasora. Kahm le cogerá cariño al humano, y debido a esto ella se opondrá a la voluntad de su padre, el emperador, de invadir el planeta tierra.

Una OVA en la que no vale la pena perder el tiempo y que solo sirve de ejemplo de la influencia que ejercería la popularidad de la clásica comedia romántica de principios de década creada por Rumiko Takahashi. Un intento fallido de emular la fórmula, que en vez de coger la vía de la comedia romántica apuesta por un mayor peso de la acción, es más violenta y algo más subida de tono. El dibujo se asemeja al de Rumiko, la protagonista tiene incluso la misma seiyuu que Lum y hay algún guiño a los mangas de la autora. Más allá de eso, los diseños están lejos de ser tan icónicos como los de la aclamada autora de Ranma ½, la historia se siente totalmente acelerada y los personajes no tienen sustancia alguna y son fáciles de olvidar.

NOTA: 1/ 5

Dragon’s Heaven

 

Año: 1988

Género: acción, aventura, fantasía, ciencia ficción

Episodios: 1 (42 min.)

Estudio: AIC

Corta OVA de acción que intenta presentar un conflicto bélico entre humanos y robots, pero que debido a la escasez de su duración su importancia y disfrute recae más en el apartado artístico que en la historia o los personajes. Después de 1000 años desde la última guerra, el robot/ mecha Shaian es despertado de su letargo por la humana Ikuru, y cuando el robot se da cuenta de que su principal enemigo El Medine (que mató a su antiguo piloto) aún está vivo, decide unirse a Ikuru para combatir contra él una vez más.

Dragon’s Heaven destaca sobre todo por su apartado artístico inspirado en el dibujante francés Moebius. Gracias a este estilo resulta en una OVA de ciencia ficción distinta al resto, con un buen diseño de robots que se adecuan mucho al dibujo, y que se distancian de otros diseños y estilos más frecuentes para representar a los mechas, robots… tan típicos y ampliamente representados a lo largo de los 80. La OVA empieza con un pequeño fragmento en Live action con representaciones de los dos robots principales en la vida real. Es un detalle curioso y los robots están bastante logrados, así que también es recomendable por ello, aunque no sea animación.

NOTA: 3/5

Conclusiones

Hasta aquí esta primera entrada sobre OVA’s de los ochenta. Como habréis visto he incluído algunas que simplemente no merecen la pena ser vistas, y es que también es importante remarcar que se hacía anime malo antiguamente. Solo aquellos animes de los que verdaderamente no tengo nada que decir una vez los termine no los mencionaré de ningún modo. Espero que os haya gustado la entrada,  podéis esperar entradas con un formato similar respecto a series y películas.