Empatía, autobiografía y Mi experiencia lesbiana con la soledad

Ficha técnicaMi experiencia lesbiana con la soledad

Título: Sabishisugite Lesbian Fuuzoku ni Ikimashita Report

Autora: Kabi Nagata

Género: slice of life

Año de publicación: 2018

Volúmenes: 1

Editorial: Fandogamia

 

Hace poco que salió a la venta en castellano una obra muy especial debido a su naturaleza autobiográfica: Sabishisugite Lesbian Fuuzoku ni Ikimashita Report (traducido como My lesbian experience with loneliness o Mi experiencia lesbiana con la soledad). No he querido hacer una reseña por ese motivo y por otro que también creo fundamental para apreciar del todo la obra. Como se dice hacia el final del tomo, Kabi Nagata publicó originalmente sus confesiones en forma de webcomic en el 2016 en la web para ilustradores y artistas amateur pixiv. Debido a la buena acogida que tuvo, llegó a dar el salto al formato físico en el 2017, no solo en japonés, sino que incluso al inglés de la mano de Seven Seas Entertainment. Y ahora, en el 2018, en castellano gracias a Fandogamia.

Sin entrar en demasiados detalles, Mi experiencia lesbiana con la soledad es una obra en la que la misma autora confiesa sus debilidades, vicios, defectos y el crecimiento personal que ha tenido desde el final del instituto hasta el tiempo presente de la publicación de la obra misma en pixiv. En cada una de las páginas la autora se abre completamente, y se expresa de forma muy directa y ciertamente con algunos detalles bastante personales. La obra cuenta los hechos de un extenso período de tiempo (años), de modo que tenemos que suponer que se han omitido muchas cosas, y que ha de haber una cierta ficcionalización para que se presente todo de un modo más coherente y agradable. Aún así, ese detalle no supone ninguna ruptura con el carácter autobiográfico de la historia.

Mi experiencia lesbiana con la soledad

Aunque es preferible catalogar la obra simplemente como un slice of life (por ser una autobiografía), si no lo fuese ponerle la etiqueta de drama sería lo más adecuado. Y es que lo que nos cuenta Nagata en sus confesiones son momentos y temas muy duros e íntimos para una persona, y en momentos muy críticos de la vida en general. Sexualidad, género, aspiraciones en la vida, la relación con sus padres y con su entorno, la relación consigo misma… Todo expresado de forma bastante básica y directa, cuasi como un diario y sin florituras. Todo ello es representado además con un dibujo que transmite de forma muy clara y gráfica las sensaciones de la protagonista, con un color rosa suave y un estilo de dibujo agradable a la vista (que maquilla algo la historia misma). En general, el arte ayuda a digerir bien el drama tan verdadero y crudo que se narra, volviéndolo otro de los puntos favorables de la obra.

Mi experiencia lesbiana con la soledad

 

¿Pero dónde reside el gran valor de Mi experiencia lesbiana con la soledad? En la inclusión de la propia obra en la historia. Como he dicho, Nagata no se expresa con grandes alardes literarios ni florituras, pues aparte del maquillaje ficcionador (del dibujo especialmente), ella nos cuenta tal cual sentía y vivía, lo que lo vuelve prácticamente en un diario. Pero no se queda ahí, esto no es un diario, no hay esa sensación de voyerismo de “ver lo que no debe ser visto”. La historia reconoce a las propias confesiones, acepta su naturaleza pública, reconoce a sus lectores y rompe con el secretismo que envuelven los diarios.

Por supuesto que Nagata no ha hecho nada nuevo, la literatura está llena de confesiones personales y obras que se incluyen dentro de sí mismas (siempre me gusta mencionar El Quijote como ejemplo). Pero en Mi experiencia lesbiana con la soledad se mezcla esa inclusión de la obra dentro de la historia y el género de las confesiones/ autobiografía, volviéndola una obra tremendamente íntima entre la autora y el lector y generando una conexión inevitable entre ambos.

Es curioso e interesante pensar cómo la primera versión de la obra (la de pixiv) no podía contar del todo con ese elemento que la hace tan buena, pero que con su evolución en el salto al formato físico lo volvieron algo muy especial. Hablo del quinto capítulo (“Después del día”), en el que aparte de expresar sus sensaciones posteriores al encuentro con la escort, introduce de forma directa la publicación de la obra en pixiv y las consecuencias de ello en su vida. Es entonces eso lo que establece completamente esa conexión total con el público. Con esto el lector se vuelve una parte más de la vida de la autora, forma parte de esas confesiones y de la obra que tiene entre manos. Y si eso no logra generar empatía, no sé qué puede hacerlo.

Aunque en este tomo la historia se queda ahí, el lector internacional ya ve que forma parte igualmente de esta autobiografía, de ese público receptor de algo tan personal y que supone algo tan valioso para su autora. Uno podría pensar que llegados a ese nivel de conexión entre autor y público este manga llega a funcionar como los blogs/ videoblogs personales, a través de los cuales el autor de estos expone su vida de forma pública. Y esto en cierta manera es así, pero en el caso de este manga funciona diferente. De entre los múltiples temas que trata Nagata a lo largo de la biografía, tenemos el de sus aspiraciones personales, y cómo eso se ha visto frustrado o tergiversado por diversos motivos como el de aspirar a ser la hija que quieren sus padres y no la mujer que ella misma desea. El caso es que la autora llega a cierta resolución y la vemos crecer y evolucionar hacia esta: quiere ser mangaka.

Lo que tenemos entre las manos mientras leemos es parte del resultado de ese crecimiento personal que la autora nos brinda con gran valentía. Como ya he dicho, esto no es un simple diario, supone además una meta alcanzada en la vida profesional de la autora, una realización como artista. De modo que no se queda en la simple exposición de su vida.

¿Y ahora qué?

Hitori Koukan Nikki

La historia no acaba con este primer tomo, evidentemente. Ya no solo porque la autora sigue viva, sino porque existe una segunda parte (cuya licencia en España ya está confirmada) Hitori Koukan Nikki (My Solo Exchange Diary en inglés).  En esta primera parte que es Mi experiencia lesbiana con la soledad la autora se ha introducido, y con gran esfuerzo ha presentado su desarrollo personal previo e inmediatamente posterior a la publicación de la obra que protagoniza esta entrada. Aún así, y como ella misma reconoce al final, aún le queda un largo camino por recorrer. Un camino que pasará por sus vivencias posteriores al punto crítico en su vida que ha sido su mayor éxito como artista. ¿Cómo habrá afectado esto en ella a la larga? ¿Cómo manejará Nagata la relación entre autobiografía, ficcionalización y conexión con los personajes/ personas reales que se plasmarán en su obra? Ahora el tiempo representado no será tan extenso, ¿se volverá más reflexiva aún? Tengo muchas ganas de descubrir cómo la autora sigue adelante (o no), y cómo alguien que ha pasado por momentos tan duros como los que se cuentan en este manga sigue contándolo con tanto gusto.

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Maison Ikkoku|| Romance adulto y comedia ligera “a la Rumiko”

Ficha técnicaMaison Ikkoku

Título: Maison Ikkoku

Género: romance, comedia, slice of life, drama

Estudio: Studio Deen

Año de emisión: 1986-88

Episodios: 96+1 película (prescindible de ver)

Manga: dibujado y escrito por Rumiko Takahashi entre 1980 y 1987 con un total de 15 tomos.

 

Sinopsis

La “maison” Ikkoku es una antigua pensión habitada por 4 personas, entre ellas el protagonista Yusaku Godai. Sus vecinos siempre están molestando, haciendo ruido y fiestas, así que como estudiante que se está preparando para entrar a la universidad llega un punto en el que no los soporta más y decide irse. Pero cambiará de idea el día que ya está con la maleta hecha al llegar la nueva administradora de la pensión: Kyoko Otonashi. Kyoko es preciosa y encantadora, y Godai se enamorará de ella a primera vista y su simple compañía le ayudará a soportar a los molestos vecinos. Para sorpresa del joven enamoradizo Kyoko guarda un secreto bajo su faceta amable y joven: Kyoko es una viuda que ha perdido hace poco a su marido. Aunque ella hace todo lo posible para superarlo y no mantenerse en depresión, su fallecida pareja aún se encuentra muy presente en su corazón, y Godai querrá hacer todo lo posible para ayudarla a superar su pérdida.

 

Opinión personal

Argumento

Maison Ikkoku nos presenta una historia con un tono algo distinto a otras de Rumiko, en las que predomina la comedia sobre el romance y usualmente dejando este en segundo término durante la mayoría de la historia. En este caso des del principio ya vemos con algunos personajes que el romance, el drama y la comedia más ligera y cotidiana serán los que integren la historia, mientras poco a poco se van desarrollando las relaciones entre los personajes y vayan introduciéndose y saliendo de la vida de los protagonistas.

 

Durante gran parte de la serie el desarrollo es fantástico y no se siente nada pesado aún la gran extensión de esta. El ritmo es bueno y no se trata de una comedia romántica adolescente en la que apenas hay un avance en el tiempo. Los personajes protagonistas están entre los 20 y 30 años, y el desarrollo de los sucesos y relaciones no se da en una especie de limbo atemporal, sino que sus vidas avanzan ya sea en los estudios o el trabajo. Gracias a ello la historia es mucho más dinámica y no se queda en el simple toma y daca adolescente de líos y malentendidos (durante la mayoría de la historia, al menos).

Si bien aquello que hace de Maison Ikkoku una muy buena comedia romántica es presentar un romance con personajes más adultos y desarrollarlo en general de forma más madura, esto solo se cumple aproximadamente en los primeros 50 episodios. A lo largo de todos esos capítulos lo que he dicho se cumple perfectamente, todo se siente muy natural, la dinámica de las relaciones es muy entretenida y no hay esa sensación de “no avanzar”. Pero por desgracia hay un punto en el que la historia empieza a dar vueltas, y personajes que parecía que ya habían aportado su granito de arena en la historia reaparecen para dar lugar a arcos argumentales que se nota que no llevan a ningún sitio. Lo que había sido un fantástico romance maduro la mar de gratificante empieza a hacer uso de truquitos y tonterías varias de las comedias románticas adolescentes para alargar más una historia que ya había contado todo lo que tenía que contar y le quedaban solo algunos pasos para cerrarse por completo. En vez de hacer eso, se empieza a estirar con líos y malentendidos varios que no aportan nada a la historia y, de hecho, rompen bastante la magia (tanto en personajes como argumento) que se había construido tan bien hasta el momento.

 

Por desgracia parcialmente esa es la sensación con la que me quedé con este anime, aunque no por ello no voy a recomendarlo y tildarlo de malo. Simplemente, no es la gran serie perfecta de Rumiko Takahashi que había entendido que era. Tiene problemas y algunos de ellos severos, así que para mí se quedó en algo intermedio. Tampoco diré que le sobran los 46 episodios posteriores a los fantásticos 50 que he dicho, pero sí al menos unos 20 con varios arcos argumentales que estorban y desmejoran bastante tanto el argumento como los personajes. Igualmente, dentro de esa casi segunda parte tiene momentos muy buenos y algunos personajes dan lo mejor de sí, mientras que otros cansan o tienen comportamientos que carecen de sentido en ellos.

 

[SPOILER ALERT]

Para aquellos que ya hayáis visto el anime me gustaría compartir algunos de esos pecados que hacen que para mí esta comedia romántica se vaya parcialmente al garete y que en su tramo final deseche como si nada lo que había construido. Primero de todo: Yagami. Su primer arco es divertido, sabemos que no llegará a nada con Godai pero ofrece esa versión joven de cómo era Kyoko con Soichiro,  teniendo así su encanto y ofreciendo un buen entretenimiento. Pero después vuelve a aparecer con el tema del trabajo de Godai, siendo esta vez más un estorbo y recuperando esa supuesta tensión romántica que ya sabíamos que no llevaba a nada. Además, Kyoko en ese momento empieza a comportarse como una cría (de las varias veces que lo hará), poniéndose celosa de los intentos de Yagami de conquistar a Godai y haciendo así que el personaje de Kyoko se devalúe y le pierdas algo el respeto.

Después tenemos a Kozue, el único personaje femenino que verdaderamente presenta conflicto con el romance principal. Sus primeras intervenciones están bien, estorba (en buen sentido) y aporta una buena tensión al principio. Eso se queda algo apartado al inicio de la serie, desapareciendo entonces durante muchos episodios, aproximadamente más de 20. Ya en el tramo final de la historia (como en los últimos 10 episodios) vuelve a aparecer de la nada para estorbar (ahora en el mal sentido) en los últimos pasos que debe dar la relación entre Godai y Kyoko. Aparece de la nada, su reintroducción es muy gratuita y mal hecha, los líos que se producen no tienen sentido y la actitud de Kyoko frente todo el tema con ella es muy estúpido y digno de una cría. Además, reaparece una vez Mitaka ya ha salido de la ecuación del triángulo amoroso, lo cual lo hace más frustrante todavía.

A la serie en muchos aspectos le pesan los años que tiene, algunos de ellos comprensibles (detalles machistas y clasistas) y que no criticaré por la época y cultura, pero a otros simplemente no les encontré sentido. Hay un momento en el Kyoko ya quiere a Godai, tiene medio superado el tema de Soichiro y acepta volver a casarse. ¿Por qué no tira hacia delante sabiendo que Godai la ama? Le dice que puede esperar a que se gradúe y tenga un trabajo estable para entonces casarse y ser pareja. No sé si esto es cultural o por la época, pero simplemente la actitud de Kyoko en ese aspecto me pareció deplorable y una manera de añadir tensión y alargar la historia muy decepcionante y rastrera. Personalmente, a partir de ese momento le perdí el respeto al personaje y no me lo pude tomar en serio, además de por los múltiples momentos en los que se comporta como una cría y de forma irracional.

Finalmente, decir que si bien la historia tiene un buen desarrollo respecto a las vidas de los protagonistas, creo que el paso por la universidad de Godai está totalmente desaprovechado y solo es usado de forma rastrera con lo que he comentado anteriormente. ¡Ni siquiera se dice qué estudia! Tampoco es como si importase, porque no se ha ni graduado y ya está buscando un trabajo genérico de salaryman o tonteando con lo de ser profesor de preescolar. Ese aspecto me molestó bastante, además de que se juntó con uno de los peores momentos de la serie, que es todo el tema del padre de Yagami y la insistencia de ella para que este contrate a Godai.

[FIN DE LOS SPOILERS]

Personajes

Como protagonista tenemos a Yusaku Godai, un desastre de muchacho que al inicio de la serie se está preparando para entrar a la universidad. Un protagonista algo típico que se enamora a primera vista de Kyoko, la nueva gerente de la Maison Ikkoku. A lo largo de la historia le veremos sufrir por infinitos motivos, ya sea por desesperación por sus molestos vecinos, el trabajo o estudios, o a causa de los diversos personajes que aparecerán en su vida. Su vida como universitario es bastante desaprovechada no solo en él como personaje, sino también argumentalmente. Posteriormente, su progreso en la vida sí es aprovechado y tiene su crecimiento personal, y en ese aspecto es un protagonista algo distinto al que podemos ver en otros romances.

 

Como protagonista femenina tenemos a Kyoko Otonashi, la administradora de la Maison Ikkoku. Se trata al principio de uno de los personajes más interesantes y con potencial de la historia, ya que es la que ofrece el punto más maduro y distinto respecto a otras obras del género o de otros mangas de Rumiko. ¿Por qué? Porque Kyoko se ha convertido en viuda recientemente. Este gran detalle influenciará sobremanera la historia y las relaciones con los distintos personajes, tendrá un comprensivo lento desarrollo y está bien tratado y aprovechado (siempre teniendo presente la época en la que se da la historia). Por desgracia, el alargamiento innecesario de la serie le afecta bastante y muchas veces se comporta de forma que echan algo a perder el personaje.

 

Por otro lado tenemos a los vecinos de los protagonistas: Akemi, la señora Ichinose y Yotsuya. Un trío de secundarios muy divertidos y simpáticos que le harán la vida imposible a Godai múltiples veces y que ofrecerán el contrapunto de comedia a todo el drama de Kyoko o el romance general de la historia. Personalmente, aunque tienen su encanto son otros personajes que se ven afectados por el estiramiento de la serie y que me acabaron cansando algo. Finalmente, aparte de otros secundarios, tenemos al personaje que completa el triángulo amoroso de la historia: el atractivo, rico y orgulloso Mitaka. Profesor de tenis de Kyoko e Ichinose, es un personaje bastante divertido, carismático y que cumple fantásticamente su rol de ser el rival amoroso de Godai. Uno de mis favoritos, por no decir el que más me gustó y que soporta mejor la gran durada de la serie.

 

Arte y animación

Si algo hay de este anime que no le puedo criticar es el diseño de personajes. A excepción de Godai, que me parece muy corriente y normalucho, el resto son fácilmente identificables, tienen carisma solo con verlos y encarnan muy bien la personalidad del personaje. A destacar especialmente el trío calavera que forman Akemi, Ichinose y Yotsuya. Ah, y ver a Soichiro (el perro de Kyoko) con esos ojos siempre me ha arrancado una sonrisa. Gran mascota!

 

El dibujo se sostiene bastante bien, de tanto en tanto había capítulos con algunos planos de detalle muy bien hechos (ya fuesen caras o objetos) y los fondos también han aguantado correctamente el tiempo. Algunos detalles de expresiones típicas de Rumiko están bien plasmadas en anime, todo correcto en este apartado. De la animación poco a destacar, tampoco es una serie que requiera de ningún tipo de filigrana, simplemente cumple.

 

OST, openings y endings

No hay ni un solo opening y ending que quede mal, prácticamente todos me han gustado e introducen y despiden los capítulos fantásticamente. Algunos de ellos, especialmente el primero, tienen un regusto a nostalgia que le da un muy buen toque a la serie. La mayoría están hechos por un animador llamado Koji Nanke, de un estilo bastante identificable en estos y en otras series, incluso algunas de Rumiko. Nanke es un animador centrado en animaciones musicales (videoclips, openings y endings), y la verdad es que lo hace con muy buen gusto. A veces hace ligeros cambios en los diseños de personajes que no les sientan nada mal y los vídeos en sí son divertidos y transmiten muy bien la temática y tónica de la historia. Eso respecto a los openings, los endings son más calmados y simplistas, con su estilo también identificable que deja una buena sensación de paz perfecta para despedir el capítulo.

Compuesta parcialmente por Kenji Kawai (Ghost in the Shell), es una banda sonora correcta, pero tampoco nada memorable. Algún tema ambiental bueno o de comedia como A mysterious guest, Small run away theme y At a run, y otras más dramáticas o románticas como Sadness, Take shelter from rain o Autmn. Pero tampoco es nada que destaque especialmente, y del resto no hay nada que recuerde con demasiado gusto y que merezca ser mencionado. Bonita o divertida cuando debe serlo, sin más.

 

Conclusión

Concluyendo, Maison Ikkoku es sin lugar a dudas la serie más diferente de Rumiko pues se aleja de esas historias eternas como Ranma ½ o Inuyasha, además de tratar con personajes y argumento de forma más madura, seria y dramática. Por desgracia, acaba cayendo un poco en ese alargamiento excesivo e introduce algunos elementos que no le sientan nada bien y que rompen con aquello que hacía de la serie algo muy bueno. Teniendo cuenta que el manga original tiene solo 15 tomos, probablemente os haríais un favor yendo directamente a este, ya que me da la sensación de que todo lo que en el anime se hace mal ahí debe ser algo menor y que no deja un recuerdo tan malo. Aún todo eso, no deja de ser una comedia romántica cuya gran parte de su trayectoria se sostiene muy bien y nos deja con un fantástico plantel de personajes la mar de carismático (como la mayoría de la autora). Así que queda igualmente recomendada.

Maison Ikkoku

NOTA: 7’7

Capitán Harlock|| Romanticismo espacial

Ficha técnica

Capitan Harlock

Título: Uchuu Kaizoku Captain Herlock

Autor: Leiji Matsumoto

Género: seinen, space opera, drama, aventura, ciencia ficción, acción

Año de publicación: 1977-79

Editorial española: Norma Editoral

Volúmenes: 2 en edición semi integral (1000 páginas) en la última edición española (2017). El original japonés fue publicado en 5 tomos.

 

Sinopsis

En un futuro en el que la humanidad ha alcanzado una civilización tremendamente avanzada, esta se ve sumida en una apatía que la ha vuelto una raza desganada y totalmente despreocupada. Ante esta situación son pocos los que se revelan contrarios a esta penosa actitud, y entre ellos se encuentra el Capitán Harlock, que abordo de su nave espacial Arcadia y la tripulación con la que la comparte ven en el espacio un mar infinito en el que defender los valores de la auténtica humanidad.

 

Opinión personal

Argumento

Vago por los confines del espacio…me llaman el Capitán Harlock…mientras me quede un hálito de vida, viviré libre en este mar sin futuro bajo mi propia bandera, la bandera de la calavera…Viviré libre bajo mi propia bandera…

Vago por los confines del espacio…Me llaman el Capitán Harlock…Yo vivo libre bajo mi propia bandera…Y seguiré haciéndolo, en este oscuro mar espacial, en este mar sin futuro, hasta que las fuerzas me abandonen…Viviré libre bajo mi propia bandera…

Capitán Harlock manga

Lo que acabáis de leer es el lema del Capitán Harlock, un pequeño monólogo que se va repitiendo a lo largo de la obra y que encarna a la perfección el ideal del protagonista de esta historia. Leiji Matsumoto nos presenta en una de sus más clásicas obras una distopía muy singular, una humanidad que ha evolucionado en una distopía espiritual que la ha vuelto una raza totalmente apática y desganada, y que frente a grandes amenazas de origen espacial no toma ningún tipo de seguridad ni despierta en ella sentimiento alguno. Pero para defender a la humanidad de esta amenaza y representar a la raza entera estará el legendario Harlock, el pirata espacial capitán de la nave Arcadia que junto a sus 41 tripulantes navegará por los confines del espacio.

Aquello que amenaza la Tierra es la raza alienígena de las Mazon, unos misteriosos extraterrestres que adoptan la forma de bellas mujeres humanas y que están dispuestas a conquistar la tierra. Puede parecer algo muy simple al inicio, pero las Mazon esconden más secretos de lo que parece. Al inicio de la historia se une un personaje clave a la tripulación de la Arcadia: Tadashi Daiba, un joven chico cuyo padre ha sido asesinado por las Mazon. Daiba sirve esencialmente para representar al lector, un joven que se une a la legendaria Arcadia para estar bajo el mando de Harlock y vivir junto a él numerosas aventuras. A lo largo de la obra podremos disfrutar de estas aventuras espaciales mientras Harlock y compañía se enfrentan a todo tipo de peligros, exploran los misterios que esconde el espacio o incluso la Tierra misma.

 

Sin entrar en demasiado detalle, Capitán Harlock es un manga clásico que tiene bien merecido el título y es muy buena lectura. La dualidad entre esa humanidad apática y el romanticismo encarnado en la Arcadia y, especialmente en Harlock, están muy bien presentadas en ambas partes. Se trata en sí de una obra puramente romántica, en su primer significado del siglo XVIII, evidentemente. Todo ello se va plasmando a través de esas aventuras, la osadía y orgullo de Harlock como ese pirata espacial que ve en el mar del espacio su hogar, su dinámica con la tripulación y la actitud despreocupada y a veces irracional de esta, los sueños de juventud que se irán conociendo del protagonista… Todo ello muy disfrutable y entretenido gracias a la acción, a lo intenso que es el personaje de Harlock y a lo divertida (como contrapartida de su capitán) que es la tripulación. Durante las mil páginas de historia hay tiempo para drama, aventura, acción y algo de misterio, así que es bien completa en lo que ofrece.

 

Personajes

Los temas más potentes de la obra se ven representados en sus personajes, siendo el Capitán Harlock su protagonista total y cuya voluntad será el verdadero centro de la historia. Harlock se niega a seguir la actitud mansa y endeble de la humanidad, y por ello se embarcará desde su juventud al mar de las estrellas. Su pasado es un misterio y se conocerá algo de este y le seguiremos en el día a día en el que se juega la vida por defender aquello por lo que vive: la libertad bajo la bandera pirata de su querida Arcadia. No tiene evolución durante la obra, la gracia de este está en exponer su personalidad, tremendo carisma y el espíritu pirata que ha forjado a través de su vida.

 

 

Como otro de los personajes más importantes tenemos a Daiba, ese joven que se une a la tripulación de la Arcadia como el lector que empieza a leer sobre las aventuras de Harlock. Junto a él las viviremos e iremos conociendo los entresijos del capitán, la nave, los pasados de ciertos personajes y viviremos dentro de la Arcadia con su divertida tripulación. Daiba además puede significar una cierta esperanza en la humanidad, pues aunque esta es vista en ese estado terrible de ineptitud y desgana, él es la prueba que demuestra que aún hay jóvenes dispuestos a seguir la estela de personas como Harlock y toda su tripulación.

Kei, Daiba Yattaran

Hay otros personajes secundarios de la tripulación que destacan como Mime o Kei. De la primera sí conoceremos su pasado y ambas sirven sobre todo para remarcar lo importante que es el capitán de la Arcadia para toda la tripulación. El resto de esta sirve para añadir el elemento más ufano y de humor, como el segundo a bordo Yattaran. La humanidad es representada por algunos pocos personajes como el primer ministro y que están solo para simbolizar el estado deplorable en el que ha evolucionado esta. Por otro lado tenemos a las Mazon, que si bien sí aparecen algunos personajes con nombre importante, como la propia reina Rafresia, tampoco se ahondará demasiado en personajes concretos, pero sí en la raza misma.

Dibujo

Harlock 1

Si algo puedo destacar del arte de esta obra de finales de los 70 es el magnífico diseño de Harlock. Como protagonista no es solo fantástico temáticamente, sino que además Matsumoto logró crear un diseño icónico sin arriesgar lo más mínimo. Se ha de decir, y es que el diseño de Harlock (aunque muy bueno e icónico) no es especialmente original. Tiene su parche, su cicatriz en la cara que demuestra que se ha jugado la vida por defender sus ideales, sus calaveras y esa espada/ pistola como comunión entre el arma clásica y un arma futurística. Una gran capa que le da un buen porte, sus botas altas, guantes y una mirada profunda de la que se hacen múltiples veces planos de detalle. Es un personaje que llena la viñeta sola, tiene empaque y cualquier cosa que diga suena bien gracias a su diseño.

 

 

El estilo de Matsumoto es muy característico y personalmente me ha gustado bastante. Respecto a la representaciones de los personajes tenemos dos clases de figuras: las alargadas y delgadas para los personajes más serios o muchas veces femeninos (como las Mazon), y las bajitas, regordetas y un tanto caricaturizadas para los menos importantes o cuya actitud es más dicharachera. Hay alguna excepción, pero es por la representación de una raza alienígena. Respecto a la representación de los personajes puede sentirse algo vieja no solo por el estilo en sí mismo, sino que además los diseños de estos a veces son algo irregulares y durante la obra podemos ver algunas variaciones en algunos de ellos. Igualmente, no es algo que pueda hacerse pesado o verdaderamente molesto y en ese sentido el estilo de Leiji Matsumoto ha aguantado bastante bien el paso del tiempo aunque se note que tiene sus años.

 

 

Finalmente, como último punto a destacar del arte he de añadir una mención a los fondos. La inmensidad e infinitud del espacio es algo clave, pues ese es lugar al que Harlock ha ligado su destino. Por ello este es plasmado muchas veces mientras se tiene como único punto de referencia la Arcadia. Muchas veces y a doble página, dejando claro la importancia de ese contexto en el que se da la obra. Después tenemos los fondos de la Arcadia, que es donde se ve el mayor detalle al tener que representar los elementos tecnológicos. Muchas veces la nave parece un pozo de oscuridad en sus salas más importantes, pareciendo entonces una extensión de ese basto espacio en el que navegan Harlock y compañía y resaltando así las escenas más dramáticas e intensas. Por otro lado, los pasillos y habitaciones menos relevantes son representadas más luminosamente, ya que normalmente se dan escenas más ligeras o de la simpática tripulación.

 

Conclusión

Las aventuras espaciales de uno de los personajes más icónicos del manga. Haber conocido al fin a Harlock ha sido todo un placer, y con mucho gusto veré las numerosas adaptaciones animadas que se han hecho de este para disfrutarlo aún más. Sinceramente, no esperaba que fuese a ser una obra tan buena. Muy completa, al menos temáticamente y en cuestión de personajes, entretenida y con una buena ciencia ficción. Además, la edición española que hizo Norma es fantástica y le hace total justifica a la obra, queda estupenda en la estantería. Harlock enamora y es eterno, así que por ello…

NOTA: 9

Análisis Paranoia Agent

Ficha técnicaParanoia Agent

Título: Paranoia agent

Género: drama, misterio, sobrenatural, thriller, psicológico

Estudio: Madhouse

Año de emisión: 2004

Episodios: 13

 

Perfect blue, Millennium Actress, Paprika… Aunque Satoshi Kon sería reconocido sobretodo como director de películas, en 2004 se haría cargo de la serie de 13 episodios Paranoia Agent, un thriller de misterio con un potente mensaje social y el usual juego del director entre realidad e ilusión. Cuando ya has visto alguna obra suya enfrentarse y disfrutar de las siguientes se vuelve algo distinto y más sencillo, pues uno ya va con la idea de los juegos argumentales que suele manejar este director fallecido en el 2010. Habiendo visto Perfect blue, cuando empecé Paranoia Agent ya pude hacerme rápidamente a la idea de la “trampa” en la que el maestro de la ilusión quería hacer caer al espectador con su historia. Una vez más, Satoshi Kon juega con la mezcla entre realidad e imaginación en la única serie de televisión que dirigió.

La historia empieza como lo que parece ser una especie de serie policíaca, en un caso acerca del criminal llamado “Shounen Bat” (Chico del Bate). Su primera víctima es la diseñadora Sagi Tsukiko, una chica que ha creado la famosa mascota Maromi, el cual será un personaje clave en la historia. Conforme los ataques del Chico del Bate se van multiplicando,  las conexiones de las víctimas se van haciendo evidentes, y es que todas se encuentran en una situación de desesperación, se encuentran acorraladas por la realidad y el momento que están viviendo. Presión en el trabajo, acoso escolar, problemas mentales que afectan a la vida personal, graves problemas familiares…Todas las víctimas se ven acorraladas por su entorno, y parece ser que eso es algo que atrae al Shounen Bat a atacarles. Curiosamente, los ataques acaban resultando en una especie de liberación para sus víctimas, complicando aún más el caso.

Siendo una historia de Satoshi Kon uno puede esperar que el asunto no será tan sencillo como un simple caso policial de un criminal en serie. Tanto esto como el desarrollo de la historia refuerzan la misma idea, hasta el propio tramo final que lo hace evidente: el Chico del Bate no existe, no al menos como persona real o un criminal de carne y huesos que puede ser apresado por la policía. El Shounen Bat es una figura ficticia, un criminal inventado por la mente humana. El misterioso chico de gorra de beisbol, bate y patines en línea es la encarnación mental de los miedos, situaciones de estrés… que constriñen las mentes de las personas y que hacen que estas se encuentren acorraladas y desesperadas hasta llevarlas a situaciones límite.

El origen de la idea del “Chico del Bate” no es explicado hasta el final, cuando se cuenta que todo fue una invención de su primera víctima: la diseñadora Sagi Tsukiko. Cuando era pequeña su perrito Maromi fue atropellado por culpa de un descuido suyo, y a causa del trauma y la incapacidad de enfrentar la situación y contarle la verdad a su padre se inventó que el culpable de ello fue un chico con un bate. Años más tarde, debido a la presión laboral tanto por la presentación de un nuevo diseño como la de sus compañeros de trabajo, aparecería en ella la reminiscencia de aquél criminal que una vez le sirvió para huir de la situación de estrés y agobio que vivía. A partir de ese primer “ataque”, la idea del Shounen Bat se extendería por la sociedad como una especie de histeria colectiva, una paranoia que apresaría a las personas, tomaría sus miedos, agobios y más profundos sentimientos de desesperación para encarnarse en una vía liberadora de todo ello.

Los diferentes casos nos muestran a personas que sucumben a esas situaciones de estrés y desesperación, volviéndose víctimas del Chico del Bate. Este criminal en serie se vuelve una leyenda social, un ente redentor que ataca a las personas que sufren. Como se nos muestra en el capítulo 9, en el que unas señoras van contándose chismorreos sobre el Shounen Bat, el poder y la fuerza de este se extiende verbalmente y conforme más personas sucumben a la desesperación y a las situaciones de acorralamiento. A lo largo de los casos vemos una clara progresión en sus ataques y cómo lo que empieza con un ataque nocturno con algunas lesiones, acaba resultando en una amnesia total después de su ataque (Taeko Hirukawa, la hija del policía corrupto pederasta) o, incluso, la muerte (Makoto Kozuka, el falso Shounen Bat suicidándose). Durante todo este desarrollo Satoshi Kon incluso tiene tiempo para dar un mensaje sobre la industria del anime (capítulo 10) con uno de los episodios más duros y en los que el Shounen Bat se cobra más vidas. Es el capítulo en el que se dan más víctimas, dejándonos claro a nosotros, el público que consume anime, la precariedad y estrés por los que pasan sus creadores a la hora de crear estos dibujos que tanto nos gustan.

Pero la historia no acaba aquí, no todo es desesperación y finales dramáticos, pues hay un rayo de esperanza. En el capítulo 11 nos encontramos con aquella gente que se niega a ser presa del Shounen Bat, aunque hayan deseado su mortal visita anteriormente. Esto lo vemos primero en el personaje de Misae, la esposa de Keiichi, uno de los investigadores protagonistas del caso de Shounen Bat. Además, el opening en sí ya es un poco ese rayo de esperanza y esa necesidad o deber de las personas de enfrentarse a la realidad, reírse en los momentos de dificultad y tirar hacia adelante sin sucumbir al ataque del Chico del Bate. Durante el magnífico diálogo entre Misae y el Chico del Bate que se extiende a lo largo de este onceavo episodio, se repite un acertado plano que representa esa naturaleza del bateador asesino como una especie de sombra que se aparece en las mentes de las personas desesperadas y acorraladas.

El juego tan típico del director entre realidad e imaginación es algo que se explota de lleno en el tramo final de la historia, cuando Keiichi vuelve a tomar el protagonismo de la acción. Después de ser incapaz de resolver el caso del Chico del Bate y permitir que Makoto fuese “asesinado”, Keiichi acabó de vigilante de obra. Frustrado por ello y por no poder afrontar la dura situación que además vivía con su mujer, huyó a una falsa realidad escapando de aquella en la que debe enfrentar su situación de agobio y estrés. Es la ciudad en la que el dibujo es diferente, en la que este es más plano y todo se ve claramente falso, como un mal decorado de cine. Esta ciudad es una metáfora de la realidad que el policía Keiichi se crea y en la que el Shounen Bat no existe. Niega la verdadera realidad y huye de aquella en la que se encuentra la situación de estrés y desesperación que no quiere afrontar. En esta falsa realidad donde huyen aquellos que son incapaces de enfrentar y derrotar al Chico del Bate también se acaba encontrando a Tsukiko, pues está aterrorizada al ver lo grande que se ha hecho su creación (Shounen Bat).

Finalmente, llegamos a la importancia de Maromi, que es también una creación de Tsuki. Esta aparentemente inocente mascota sería creada por la diseñadora como un sustituto de su querido perrito del mismo nombre. Maromi es para Tsuki -y para el resto de gente- una falsa esperanza, un placebo que sirve para huir de la realidad. Por ello la gente se obsesiona con él y se aferran a este adorable osito rosa como algo esperanzador y que les calma frente al miedo de enfrentarse al Shounen Bat. Es por eso que en el ending los personajes aparecen durmiendo, relajados y liberados del estrés y el agobio mientras un enorme Maromi les protege. Sin tener en cuenta que, además, la música que suena es la canción de la banda sonora para Maromi.

Por otro lado, es significativo que Keiichi conforme le coge cariño al osito va creándose su falsa realidad, que al igual que la mascota rosa es una falsa vía de escape del Chico del Bate. Tanto esa realidad como Maromi representan modos de escapar de los miedos, la presión social, aquello que nos acorrala y nos lleva a la desesperación. Pero esto no puede ser así, ya que uno ha de ser como Misae, enfrentarse a él y vencerle, pues si no se hará más grande y al final acabará con nosotros.

Todo el capítulo final acaba siendo la resolución un tanto fantasiosa que se da contra del Shounen Bat, la pelea que todos debemos tener contra este. Tanto Tsuki como Keiichi se liberan de la falsa realidad a la que habían huido, y el antiguo ayudante de Keiichi sigue su lucha contra el Chico del Bate en ese mundo de fantasía que Makoto les cuenta, haciendo así el final de la historia algo más impresionante y vistoso.

La reflexión final de la historia la acaba dando ese enigmático abuelo que aparece en los adelantos de cada episodio, que también lo encontramos en la serie como alguien senil en un hospital y que escribe sesudos cálculos matemáticos en la calle. Este abuelo parece ser el único que está al corriente de la verdadera naturaleza del Chico del Bate, y que a través de sus cálculos matemáticos prevé quién será la siguiente víctima de este. Con Tsuki el resultado de sus cálculos es el número de su habitación del hospital (501), y con Yuichi es 1, un número que tiene relación directa con su historia y con lo que le ha hecho llegar a su situación de desesperación. La pelea contra el Chico del Bate es algo que se va repitiendo durante la vida de las personas, y como esos complicados cálculos del abuelo, es algo difícil de superar pero al fin y al cabo debemos enfrentarle e intentar dar con una buena solución.

 

Conclusión

Paranoia Agent me pareció un fantástico anime, muy en la línea de otras obras del director, tanto en calidad como ese gusto por el uso de la ilusión y la mezcla entre imaginación y realidad. Por ello, una vez más Satoshi Kon ofrece una historia que aprovecha muy bien el formato de animación, y a través de la cual hace que el espectador se esté cuestionando constantemente si lo que está viendo es real o no, si está en la mente de los personajes o es algo que existe más allá de su imaginación. Todo ese juego y el tema del Shounen Bat y Maromi resultan en un claro mensaje social muy fácil de entender y bien explicado, y que en general tampoco se hace demasiado confuso gracias al desarrollo y planteamiento en forma de serie, y no en película, donde puede volverse todo más denso y confuso. Totalmente recomendable para los amantes del drama, el misterio, los animes psicológicos y, obviamente, para aquellos que les gusten las obras de Satoshi Kon.

Paranoia Agent. Maromi

NOTA: 9

ACCA – 13-ku Kansatsu-ka|| Intrigas políticas, elegancia y buenos diseños

Ficha técnica83776l

Título: ACCA – 13-ku Kansatsu-ka (ACCA 13-Territory Inspection Dept)

Género: seinen, drama, intriga

Estudio: Madhouse

Año de emisión: 2017, temporada de invierno

Episodios: 12

Manga: 6 tomos, escritos y dibujados por Ono Natsume (Ristorante Paradiso)

Sinopsis

El reino de Dowa está dividido en 13 distritos diferentes, cada uno con sus particularidades sociales, culturales… Estos tienen diferentes agencias que son controladas por una enorme organización conocida como “ACCA”, que se encarga de velar por la seguridad del reino y dar asistencia de todo tipo a la sociedad. Dentro de esta se encuentra Jean Otus, el protagonista y el segundo al mando del departamento de inspección de ACCA, dedicado a supervisar el correcto funcionamiento de ACCA en los distintos distritos. Después de años de paz, parece que al acercarse el cumpleaños número 99 del rey esta tranquilidad política de la que goza el reino puede peligrar…

Opinión personal

Argumento

La historia se desarrolla en un reino cuyos diferentes 13 distritos le dan una gran riqueza cultural y social, y a lo largo de la serie podemos ir viendo las diferencias entre estos, pues Jean, el protagonista, se dedica a ir visitándolos como supervisor que es. El reino lleva gozando de la paz durante mucho tiempo gracias a la organización ACCA, pero ya desde el primer episodio se nos advertirá que algo se cuece entre los distritos, y que parece que se tendrán que tomar precauciones e investigar lo que pueda estar tramándose.

Jean Otus

Durante los 12 episodios que dura la historia se irán tejiendo y desvelando las estratagemas que se están planeando, y que pueden atentar contra la paz del reino de Dowa. Se trata de una serie con un avance pausado, sin grandes giros dramáticos o escenas muy pomposas y bruscas, pues va presentando y desarrollando su historia con mucha gracia, elegancia y buen gusto. Eso no significa que guarde bajo la manga varias sorpresas que nos puedan dejar boquiabiertos, pero evita hacerlo con gran dramatismo y con aspavientos. Algo que en una época que parece que todo ha de ser muy impactante, impresionante y que te haga sacar los ojos de las cuencas, se agradece.

Aunque haya varias partes que actúan con sus propias intenciones respecto al conflicto que se presenta (y además situadas en distintas partes del reino), es sencillo de seguir y la serie lo introduce claramente. Hay muy poco flashback (los necesarios), aunque sí mucho diálogo, pero igualmente la acción sigue un ritmo adecuado y se va desarrollando (hasta su buen final) de modo satisfactorio. En 12 capítulos no esperéis demasiados giros, pero logra mantener la atención y el final es más que decente.

Personajes

 

Tiene un buen reparto de personajes, en parte gracias a sus magníficos diseños de los que mencionaré algo en el apartado siguiente. Es un reparto grande, y Jean, aunque sea el protagonista y tenga un papel importante en la organización ACCA, es alguien que tiene un perfil más bien bajo. Todos están muy bien definidos, son inteligentes y sus diferentes pretensiones se van desvelando a lo largo de la historia, teniendo algunas sorpresas por en medio. No hay apenas evolución, cada uno se queda como se va definiendo a lo largo de la historia y según su posición dentro de ACCA o en la sociedad. Hay mucho personaje más bien serio y sobrio (no por ello menos interesante), pero también los hay de más animados (Lotta, Niino y varios secundarios) que hacen la trama más amena. Sinceramente, el diseño hace mucho y personalmente con solo verlos ya disfrutaba de ellos.

[SPOILER ALERT]

Jean probablemente sea el mejor diseño de todos, pero en relación a la personalidad del personaje y su evolución hacia el final de la serie. Durante toda la historia parece ser alguien pasota, que quiere que le dejen tranquilo y que no le metan en líos, pero en realidad es después alguien que siempre está arriba y abajo controlando la situación, hasta el punto de esa  revelación final que le da un buen palo a la familia Lilium. Sin duda alguna el perfil bajo que mantiene y su diseño van a la par, y eso es algo que en un segundo visionado de la serie seguro que se aprecia más. Mauve también destaca en ese aspecto junto a Jean, pues parece que no se está enterando de nada y que los Lilium se harán con la suya, pero al final les dan un buen golpe bien elegante.

[FIN DEL SPOILER]

 Arte y animación

 

Dentro de su sencillez, el apartado artístico es impecable y goza de los mejores diseños de personajes de la temporada en la que se ha emitido. En general el estilo de dibujo y los diseños son agradables de ver, los colores son variados y no muy estridentes. Cada uno de los personajes tiene los detalles justos para diferenciarse los unos de los otros,  sin parecer sobrecargados y transmitir bien su personalidad. También destacar el diseño de los elegantes trajes de ACCA, que sientan como un guante a los personajes que los llevan. Sin duda alguna, la mangaka que los diseñó (Ono Natsume) tiene muy buen gusto y estilo, y Madhouse ha hecho un excelente trabajo a la hora de adaptarlos. Finalmente, decir que a nivel de diseños, estos ayudan mucho a poder seguir bien toda la trama (respecto a lo de las diferentes partes que actúan), pues hay veces que este no sirve para nada y solo llevan a la confusión.

 

 OST, openings y endings

El opening, Shadow and Truth, me pareció fantástico desde la primera vez que lo escuché. El vídeo presenta con una canción bien animada las diferentes partes de personajes que tomarán partido en la historia, escondiendo además algunas de las sorpresas que se dan en el argumento. La OST es correcta, encaja con el tono más bien sosegado de la acción, aunque tampoco se me ha quedado ningún tema en concreto en la cabeza. Finalmente, el ending, Pale Moon ga Yureteru, está en la línea típica de las canciones de cierre de capítulo, bien tranquila para acabar con calma la acción. Prefiero bastante más el opening, aunque el baile animado en el ending es bonito.

 

Conclusión

Si buscas emociones fuertes y giros muy dramáticos en una serie de intrigas políticas, pues no es lo tuyo, pues esta lo hace de forma más discreta y elegante. Al ser solo de 12 capítulos uno tampoco puede esperar que estas intrigas sean algo muy elaborado o que de muchos giros, pero con su corta durada creo que hace un trabajo muy bien hecho, con unos grandes diseños, unos personajes interesantes y una resolución satisfactoria.

Después de Little Witch Academia, el mejor anime de la temporada de invierno 2017.

NOTA: 8’7

 

Review “Buenas noches, Punpun|| Tomos 2 y 3

Hace ya un tiempo que hice mis primeras impresiones sobre el primer tomo de “Buenas noches, Punpun”, y como es un manga que de momento me está gustando, me he propuesto ir haciendo las reviews de cada uno de los tomos que se vayan publicando en España (acabando probablemente con una reseña completa del manga). Todas las reviews contendrán spoilers de los tomos.

Esta vez os traigo la review de los tomos dos y tres, entre los cuales se produce un salto temporal. En el segundo tomo acabamos la historia de la infancia de Punpun, en la cual se producirá un suceso que afectará gravemente a la relación del depresivo protagonista con Aiko. No solo esto, sino que además Punpun deberá separarse de uno de sus mejores amigos: Harumin, que se traslada de casa y, de colegio. Entre sueños, recuerdos y lamentos Punpun sigue con sus divagaciones y dudas sobre la sexualidad, los problemas con la familia y su relación con Aiko. Todo ello representado en viñetas entre psicodélicas y oníricas.

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El momento más importante del segundo tomo y a partir del cual la relación entre la pareja protagonista quedará trastocada, se da cuando Punpun deja plantado a la niña de “manos blanditas y cálidas” de la que está enamorado. Punpun queda con Aiko, pero la madre de él tiene un accidente  y no puede asistir a su cita. Sin duda alguna ese plantón afecta mucho a Aiko, y aunque podría solucionarse con una simple explicación, Punpun es un niño inseguro, cerrado, tímido y miedoso, y la sola presencia de Aiko le deja casi atónito, así que no es capaz de hacerlo. Punpun ha traicionado a su querida Aiko, y le aterroriza como puede reaccionar ella. En vez de ocultarle lo ocurrido se lo calla y se cierra en banda con su sufrimiento, preocupación y temor.

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“Ha caído tan bajo que considera que estaría mejor muerto.”

En el último capítulo del segundo volumen se produce un salto temporal de 2 años, de modo que en estos dos primeros tomos hemos visto la infancia de Punpun, aquello que fundamentó lo que será su modo de ser durante su adolescencia y el inicio de su relación con Aiko. En estos dos años que han pasado Punpun no ha cruzado palabra con ella, pero aún así, sigue enamorado de ella.

Ya en el tercer tomo entramos en la adolescencia de los protagonistas. Han pasado dos años, y Aiko se ha echado novio (aunque Punpun no está muy seguro de ello). La atracción de Punpun ya incluye la sexualidad completamente, aunque su interacción con ella en dos años haya sido nula. Será interesante ver como desembocan todas esas emociones contenidas una vez Punpun se atreva a expresarse. Si es de forma positiva o negativa es algo que se verá en futuros tomos, pues en este los protagonistas solo cruzan miradas.

Aiko punpun

Durante este tercer tomo se producen diferentes encuentros entre Punpun y el novio de Aiko (Yaguchi) Las escenas entre ambos, desde la perspectiva del lector, son de lo más tensas y sufridas viendo el panorama en el que se encuentra Punpun. Mientras Yaguchi le cuenta sus preocupaciones sobre su relación con Aiko, el pobre y tímido protagonista se calla aquello que siente. Mientras tanto, se van entremezclando los pensamientos homicidas de Dios, los cuales me gusta pensar que son la expresión de los deseos más oscuros de Punpun. Ambos hablan alguna vez más, hasta que Punpun le confiesa a Yaguchi lo que siente por su novia. A partir de aquí se da inicio a una relación de amistad y rivalidad amorosa. Ambos saben que desean lo mismo, pero también quieren lo mejor para la persona a la que aman. La última escena entre ellos se cierra de una forma interesante: si Yaguchi gana un importante partido que jugará Aiko será para él, pero sino, Punpun tendrá vía libre.

img000002-1Al final del tercer tomo se profundiza en el personaje de Yuichi Onodera, el tío de Punpun. Personalmente, es uno de mis personajes favoritos, no solo por ser uno de los más divertidos, sino también por algunos de sus interesante pensamientos: “El amor es  como una droga que alivia el miedo a la soledad.” Una visión bastante pesimista, pero que a través de la cual el autor nos va dejando entrever una probable experiencia dramática del personaje que lo llevaría a pensar de esa forma.

Yuichi empieza a relacionarse con una camarera (Midori Ohkuma) de la cafetería que frecuenta, pero él rechaza de forma brusca todo tipo de sentimiento de atracción hacia ella. En el último capítulo, el propio Yuichi empieza a contar –por petición de Midori- el porqué de su rechazo. Hace cinco años el tío de Punpun tenía novia, un trabajo estable… una vida de “éxito”, pero en el fondo sentía que esta era de lo más monótona y anodina. Pero un buen día apareció ante él una joven estudiante de instituto que arrojaría algo de luz a su vida. El tomo acaba en medio del flashback en el que se cuenta esto, y lo último que sabemos sobre la relación de Yuichi con esa chica es que ella le pidió ayuda. Seguro que nada bueno ocurrió entre estos dos, y sea lo que sea que ocurriese, fue algo lo suficientemente importante como para cambiar la visión de Yuichi sobre el amor y la vida.

Y hasta aquí mi review sobre estos dos tomos de “Buenas noches, Punpun”. Dos tomos repletos de exploración y expresión de los sentimientos, con una forma y un dibujo impecable para hacerlo. Me gusta la gracia que tiene Inio Asano para plasmar sin ningún tipo de pudor y restricción aquello que sienten los personajes, y espero que siga así en futuros tomos.

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Espero que os haya gustado esta entrada, y si queréis comentar algo sobre lo que he mencionado (o si se me ha pasado algo importante por alto) os invito a hacerlo.

Black paradox||El suicidio, los doppelgänger y la piedra preciosa

Ficha técnicablack paradox cover

Título: Black Paradox

Autor: Junji Ito

Demografía: seinen (+18)

Género: drama, horror, sobrenatural, psicológico

Año de publicación: 2009

Volúmenes: 1

Editorial: ECC Ediciones

Sinopsis

Tras conocerse a través de una página web, cuatro personas deciden emprender un viaje para alcanzar un objetivo común: poner fin a sus vidas. Extraño caso de suicidio colectivo que el maestro del terror Junji Ito (GYO, Uzumaki) convierte en thriller sobrenatural con el que reformula el mito del doppelgänger (término para designar a nuestro doble, a veces haciendo referencia a un “gemelo malvado).

Opinión personal

Argumento

La historia empieza con la reunión de cuatro misteriosos personajes que se han reunido a través de la web Black Paradox para llevar a cabo un suicidio colectivo. Todos tienen su motivos para dejar el mundo de los vivos, pero un inesperado encuentro con sus doppelgänger retrasará sus tendencias suicidas. A partir de este encuentro, los protagonistas se verán envueltos en unos extraños sucesos que tienen como objeto central una misteriosa piedra preciosa de macabro origen.

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El principio de la historia está muy bien, aunque si os interesa especialmente todo el tema de los doppelgänger esta no se acaba centrando en ellos (aunque tienen un papel importante). Se centra en esa piedra preciosa que encuentran, a la que llamarán paradnight, de donde proviene, qué harán con ella… ¿Lograrán los protagonistas dejar el mundo de los vivos? ¿O encontrarán un motivo para quedarse en él?

A lo largo del tomo los personajes aprenderán a valorar -o no- su vida, huirán de sus miedos y se enfrentarán a un misterio que esconde un terrible secreto. Respecto al apartado del horror, tiene sus momentos de gore y más explícitos, y a nivel de historia se hace una buena mezcla con lo sobrenatural. La historia está bien, con un buen final, aunque el tema de los doppelgänger queda algo apartado y fue algo que me gustó.

El tomo también incluye un par de cuentos: La lamedora y El pabellón de lo paranormal. El primero cuenta la historia de una mujer que en las noches húmedas lame a la gente con su grotesca y repugnante lengua (bastante asqueroso) y el segundo está a color, es muy corto y te deja un tanto perplejo.

Personajes

Black Paradox tiene cuatro personajes principales que son conocidos por sus sobrenombres: Pitan, Taburo, Baracchi y Marceu. Es un elenco de personajes interesantes, misteriosos y cada uno de ellos afrontará la situación con las paradnight de diferente modo.

personajes black paradox

Pitan es un hombre de prominente barbilla que siente que su presencia en la tierra desaparecerá. Baracchi tiene un eccema (enfermedad de la piel) en la cara, y esto le quita las ganas de vivir. Marceu siente una gran angustia por el futuro y Taburo decide buscar la muerte al encontrarse con su doppelgänger. 

Dibujo

El dibujo y diseño de personajes ayuda mucho a entrar en el ambiente sobrenatural y de horror que se intenta transmitir en la obra. Es realista y tiene un aire a antiguo, y tanto las escenas gore/ explícitas como las expresiones de los personajes están bien plasmadas. Aunque en esta obra no se ve tanto, en los dos cuentos finales y en otros mangas del autor, se ve mejor la capacidad de este por dibujar cualquier cosa que se le pase por la mente.

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Conclusión

Esta es la primera obra que leo de Junji Ito, y he de decir que me ha gustado bastante. Tiene una gran imaginación, y es algo que he podido reafirmar leyendo Fragmentos del mal, que es un manga compuesto por un conjunto de cuentos también publicado por ECC.

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NOTA: 7’7