Análisis Paranoia Agent

Ficha técnicaParanoia Agent

Título: Paranoia agent

Género: drama, misterio, sobrenatural, thriller, psicológico

Estudio: Madhouse

Año de emisión: 2004

Episodios: 13

 

Perfect blue, Millennium Actress, Paprika… Aunque Satoshi Kon sería reconocido sobretodo como director de películas, en 2004 se haría cargo de la serie de 13 episodios Paranoia Agent, un thriller de misterio con un potente mensaje social y el usual juego del director entre realidad e ilusión. Cuando ya has visto alguna obra suya enfrentarse y disfrutar de las siguientes se vuelve algo distinto y más sencillo, pues uno ya va con la idea de los juegos argumentales que suele manejar este director fallecido en el 2010. Habiendo visto Perfect blue, cuando empecé Paranoia Agent ya pude hacerme rápidamente a la idea de la “trampa” en la que el maestro de la ilusión quería hacer caer al espectador con su historia. Una vez más, Satoshi Kon juega con la mezcla entre realidad e imaginación en la única serie de televisión que dirigió.

 

La historia empieza como lo que parece ser una especie de serie policíaca, en un caso acerca del criminal llamado “Shounen Bat” (Chico del Bate). Su primera víctima es la diseñadora Sagi Tsukiko, una chica que ha creado la famosa mascota Maromi, el cual será un personaje clave en la historia. Conforme los ataques del Chico del Bate se van multiplicando,  las conexiones de las víctimas se van haciendo evidentes, y es que todas se encuentran en una situación de desesperación, se encuentran acorraladas por la realidad y el momento que están viviendo. Presión en el trabajo, acoso escolar, problemas mentales que afectan a la vida personal, graves problemas familiares…Todas las víctimas se ven acorraladas por su entorno, y parece ser que eso es algo que atrae el Shounen Bat a atacarles. Curiosamente, los ataques acaban resultando en una especie de liberación para sus víctimas, complicando aún más el caso.

Siendo una historia de Satoshi Kon uno puede esperar que el asunto no será tan sencillo como un simple caso policial de un criminal en serie. Tanto esto como el desarrollo de la historia refuerzan la misma idea, hasta el propio tramo final que lo hace evidente: el Chico del Bate no existe, no al menos como persona real o un criminal de carne y huesos que puede ser apresado por la policía. El Shounen Bat es una figura ficticia, un criminal inventado por la mente humana. El misterioso chico de gorra de beisbol, bate y patines en línea es la encarnación mental de los miedos, situaciones de estrés… que constriñen las mentes de las personas y que hacen que estas se encuentren acorraladas y desesperadas hasta llevarlas a situaciones límite.

El origen de la idea del “Chico del Bate” no es explicado hasta el final, cuando se cuenta que todo fue una invención de su primera víctima: la diseñadora Sagi Tsukiko. Cuando era pequeña su perrito Maromi fue atropellado por culpa de un descuido suyo, y a causa del trauma y la incapacidad de enfrentar la situación y contarle la verdad a su padre se inventó que el culpable de ello fue un chico con un bate. Años más tarde, debido a la presión laboral tanto por la presentación de un nuevo diseño como la de sus compañeros de trabajo, aparecería en ella la reminiscencia de aquél criminal que una vez le sirvió para huir de la situación de estrés y agobio que vivía. A partir de ese primer “ataque”, la idea del Shounen Bat se extendería por la sociedad como una especie de histeria colectiva, una paranoia que apresaría a las personas, tomaría sus miedos, agobios y más profundos sentimientos de desesperación para encarnarse en una vía liberadora de todo ello.

Los diferentes casos nos muestran a personas que sucumben a esas situaciones de estrés y desesperación, volviéndose víctimas del Chico del Bate. Este criminal en serie se vuelve una leyenda social, un ente redentor que ataca a las personas que sufren. Como se nos muestra en el capítulo 9, en el que unas señoras van contándose chismorreos sobre el Shounen Bat, el poder y la fuerza de este se extiende verbalmente y conforme más personas sucumben a la desesperación y a las situaciones de acorralamiento. A lo largo de los casos vemos una clara progresión en sus ataques y cómo lo que empieza con un ataque nocturno con algunas lesiones, acaba resultando en una amnesia total después de su ataque (Taeko Hirukawa, la hija del policía corrupto pederasta) o, incluso, la muerte (Makoto Kozuka, el falso Shounen Bat suicidándose). Durante todo este desarrollo Satoshi Kon incluso tiene tiempo para dar un mensaje sobre la industria del anime (capítulo 10) con uno de los episodios más duros y en los que el Shounen Bat se cobra más vidas. Es el capítulo en el que se dan más víctimas, dejándonos claro a nosotros, el público que consume anime, la precariedad y estrés por los que pasan sus creadores a la hora de crear estos dibujos que tanto nos gustan.

Pero la historia no acaba aquí, no todo es desesperación y finales dramáticos, pues hay un rayo de esperanza. En el capítulo 11 nos encontramos con aquella gente que se niega a ser presa del Shounen Bat, aunque hayan deseado su mortal visita anteriormente. Esto lo vemos primero en el personaje de Misae, la esposa de Keiichi, uno de los investigadores protagonistas del caso de Shounen Bat. Además, el opening en sí ya es un poco ese rayo de esperanza y esa necesidad o deber de las personas de enfrentarse a la realidad, reírse en los momentos de dificultad y tirar hacia adelante sin sucumbir al ataque del Chico del Bate. Durante el magnífico diálogo entre Misae y el Chico del Bate que se extiende a lo largo de este onceavo episodio, se repite un acertado plano que representa esa naturaleza del bateador asesino como una especie de sombra que se aparece en las mentes de las personas desesperadas y acorraladas.

El juego tan típico del director entre realidad e imaginación es algo que se explota de lleno en el tramo final de la historia, cuando Keiichi vuelve a tomar el protagonismo de la acción. Después de ser incapaz de resolver el caso del Chico del Bate y permitir que Makoto fuese “asesinado”, Keiichi acabó de vigilante de obra. Frustrado por ello y por no poder afrontar la dura situación que además vivía con su mujer huyó a una falsa realidad escapando de aquella en la que debe enfrentar su situación de agobio y estrés. Es la ciudad en la que el dibujo es diferente, en la que este es más plano y todo se ve claramente falso, como un mal decorado de cine. Esta ciudad es una metáfora de la realidad que el policía Keiichi se crea y en la que el Shounen Bat no existe. Niega la verdadera realidad y huye de aquella en la que se encuentra la situación de estrés y desesperación que no quiere afrontar. En esta falsa realidad donde huyen aquellos que son incapaces de enfrentar y derrotar al Chico del Bate también se acaba encontrando a Tsukiko, pues está aterrorizada al ver lo grande que se ha hecho su creación (Shounen Bat).

Finalmente, llegamos a la importancia de Maromi, que es también una creación de Tsuki. Esta aparentemente inocente mascota sería creada por la diseñadora como un sustituto de su querido perrito del mismo nombre. Maromi es para Tsuki -y para el resto de gente- una falsa esperanza, un placebo que sirve para huir de la realidad. Por ello la gente se obsesiona con él y se aferran a este adorable osito rosa como algo esperanzador y que les calma frente al miedo de enfrentarse al Shounen Bat. Es por eso que en el ending los personajes aparecen durmiendo, relajados y liberados del estrés y el agobio mientras un enorme Maromi les protege. Sin tener en cuenta que, además, la música que suena es la canción de la banda sonora para Maromi.

Por otro lado, es significativo que Keiichi conforme le coge cariño al osito va creándose su falsa realidad, que al igual que la mascota rosa es una falsa vía de escape del Chico del Bate. Tanto esa realidad como Maromi representan modos de escapar de los miedos, la presión social, aquello que nos acorrala y nos lleva a la desesperación. Pero esto no puede ser así, ya que uno ha de ser como Misae, enfrentarse a él y vencerle, pues si no se hará más grande y al final acabará con nosotros.

Todo el capítulo final acaba siendo la resolución un tanto fantasiosa que se da contra del Shounen Bat, la pelea que todos debemos tener contra este. Tanto Tsuki como Keiichi se liberan de la falsa realidad a la que habían huido, y el antiguo ayudante de Keiichi sigue su lucha contra el Chico del Bate en ese mundo de fantasía que Makoto les cuenta, haciendo así el final de la historia algo más impresionante y vistoso.

La reflexión final de la historia la acaba dando ese enigmático abuelo que aparece en los adelantos de cada episodio, que también lo encontramos en la serie como alguien senil en un hospital y que escribe sesudos cálculos matemáticos en la calle. Este abuelo parece ser el único que está al corriente de la verdadera naturaleza del Chico del Bate, y que a través de sus cálculos matemáticos prevé quién será la siguiente víctima de este. Con Tsuki el resultado de sus cálculos es el número de su habitación del hospital (501), y con Yuichi es 1, un número que tiene relación directa con su historia y con lo que le ha hecho llegar a su situación de desesperación. La pelea contra el Chico del Bate es algo que se va repitiendo durante la vida de las personas, y como esos complicados cálculos del abuelo, es algo difícil de superar pero al fin y al cabo debemos enfrentarle e intentar dar con una buena solución.

 

Conclusión

Paranoia Agent me pareció un fantástico anime, muy en la línea de otras obras del director, tanto en calidad como ese gusto por el uso de la ilusión y la mezcla entre imaginación y realidad. Por ello, una vez más Satoshi Kon ofrece una historia que aprovecha muy bien el formato de animación, y a través de la cual hace que el espectador se esté cuestionando constantemente si lo que está viendo es real o no, si está en la mente de los personajes o es algo que existe más allá de su imaginación. Todo ese juego y el tema del Shounen Bat y Maromi resultan en un claro mensaje social muy fácil de entender y bien explicado, y que en general tampoco se hace demasiado confuso gracias al desarrollo y planteamiento en forma de serie, y no en película, donde puede volverse todo más denso y confuso. Totalmente recomendable para los amantes del drama, el misterio, los animes psicológicos y, obviamente, para aquellos que les gusten las obras de Satoshi Kon.

Paranoia Agent. Maromi

NOTA: 9

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Saboreando los 80, Parte II: OVA’s (1)

Una de las dificultades o pegas que pueden presentarse a la hora de querer ver los animes que se hicieron en los 80 es que muchos de ellos, o al menos aquellos que más han pasado a la posteridad, son series de televisión de larga duración: Dragonball, Urusei Yatsura, Ranma ½ , Gundam, Macross, Saint Seiya… Evidentemente, hay series que no llegan a los 100 episodios, o que rondan los 50 o menos, pero a esos ya les dedicaré otra entrada. Hay otros dos formatos a través de los que disfrutar la animación de los 80: las películas, y el formato que nació a principios de la década, las OVA’s (Original Video Animation). Es decir, animes cuya primera salida al público no se dio ni por la televisión ni en las grandes pantallas del cine, sino que directamente se puso a la venta.

La existencia de este formato no podría haberse dado sin la invención a mediados de los 70 de los sistemas de reproducción de vídeo domésticos VHS y Betamax. El primer sistema de VHS (Video Home System) sería de la compañía Japan Victor Company (JVC), que lanzó su sistema de reproducción de vídeo analógico doméstico en 1976. Sería lanzado como competidor de Betamax, sistema de menor duración pero de mayor calidad de vídeo, y que sacaría un año antes Sony.

No sería hasta 1983 que el estudio Pierrot sacaría las primeras OVA’s de la historia: Dallos, una serie de 4 OVA’s de 30 minutos cada una, y que además supusieron el debut como director de Mamoru Oshii. Un anime que no comentaré en esta entrada, pero sí en una futura sobre el director. Se tardaron 8 años desde la salida del primer sistema de reproducción de vídeo doméstico a que este fuese aprovechado por los estudios de animación, y sería lógico pensar que las productoras o los estudios no se decidiesen a sacar anime en ese formato hasta que no se afianzase el mercado de ese novedoso sistema de vídeo.

El formato de OVA presenta varias diferencias respecto a los animes en forma de serie de televisión y de película. Primero de todo, y el más usual, la durada. En general las series de OVA’s presentan pocos capítulos (a veces son de uno solo), pero en cambio estos suelen durar más minutos, llegando algunos incluso a la hora. Por supuesto, tenemos algunas excepciones como Ginga Eiyuu Densetsu (Legend of the Galactic Heroes, 1988-1997), que llega a los 110 episodios. El tiempo de puesta en venta ya depende de la largada de la serie o duración de cada episodio. Las series de OVA’s, al igual que las películas, suelen presentar una mayor calidad en dibujo y animación, dejándonos algunas joyas como Bubblegum Crisis (1987-1991), una de las OVA’s con más renombre y de la que hice una reseña. Otro de los elementos más destacables del formato es que al salir directamente a la venta no pasa por las posibles restricciones o filtros de la televisión o el cine, dejando más libertad al estudio, director… a la hora de crear el anime, en el caso de que no sea una adaptación. La prueba para afirmar esto último está en que en las OVA’s es donde se concentra la mayor cantidad de anime no apto para todos los públicos, siendo las películas el siguiente formato en el que vemos más anime +18. Como curiosidad a esto último, decir que el primer anime hentai es de 1984 y, efectivamente, salió como una serie de OVA’s (Lolita anime). En las OVA’s también es donde se concentra la mayor cantidad de animes originales (no adaptaciones), un producto más arriesgado a la hora de crear ya que no cuenta con la popularidad de una obra ya existente. Pero el tema de la creación de animes originales y adaptaciones pertenece a otra entrada.

Una vez acabada esta introducción, me gustaría presentar 5 series de OVA’s que he visto, y a las que he atribuido una nota que especifico a continuación:

1: No vale la pena perder el tiempo en ella, totalmente olvidable.

2: Correcta, pero nada sobresaliente o de gran calidad.

3: Buena, puede que no del agrado de todo el mundo, pero merece un intento.

4: Muy buena, aunque con sus defectos y puede que no tan icónica como para ser algo indispensable de ver.

5: Excelente, indispensable de ver de la década.

Esta no va a ser la única entrada sobre OVA’s de la década, y conforme vaya viendo iré comentándolas y presentándolas en el blog, al menos aquellas que merezcan algún tipo de mención y hasta que crea que he hecho un buen repaso al formato dentro de la década.

 

Midnight Eye: Goku I&II

Año: 1989

Género: seinen (+18), acción, ciencia ficción, misterio

Episodios: 2 (50 min cada uno)

Estudio: Madhouse

Director: Yoshiaki Kawajiri (Ninja scroll, Bio Hunter, Demon city Shinjuku…)

Goku Fuurinji es un detective privado cuyo ojo izquierdo artificial tiene un increíble poder, y es que puede controlar cualquier tipo de mecanismo que funcione con un ordenador. Las dos OVA’s nos muestran dos casos en los que trabaja Goku, el primero siendo una investigación de un seguido de suicidios inducidos, y en el segundo le contratarán para la investigación de un hombre desaparecido.

Goku es el típico protagonista tipo duro ochentero, de los que no mira hacia atrás cuando provoca una gran explosión. Por desgracia, los OVA’s no cuentan quienes son los que le ponen el ojo artificial, algo bastante importante teniendo en cuenta la magnitud de poder que tiene este. Por culpa de ello, aunque él es un simple humano, su ojo lo vuelve un personaje demasiado poderoso que lleva a alguna resolución final un tanto estúpida y sin gracia. Aún así, la acción es decente y con su buena ración de sangre y violencia típica de la época. Aunque en el aspecto técnico no está a la altura de otras OVA’s de gran calidad de los ochenta como Gunbuster o Bubblegum crisis, es curioso ver alguna otra obra del director que crearía el clásico de los noventa Ninja scroll.

NOTA: 2’5/5

Tatakae!! Iczer-1

Tatakae Iczer 1

Año: 1985-1987

Género: (+18) acción, ciencia ficción, aventura, ecchi, mecha

Episodios: 3 (1h 20 min en total)

Estudio: AIC

La tierra está siendo invadida por unos terroríficos alienígenas llamados Cthulhu, y una misteriosa chica del espacio llamada Iczer 1 intentará evitarlo. Para ello usará su mecha Iczer Robo, pero necesita una compañera con la que fusionarse para activar todo su poder. Aquí es donde entra la protagonista de la historia: Nagisa, que se verá envuelta de golpe en un conflicto entre alienígenas.

Tatakae!! Iczer-1 son tres OVA’s 100% olvidables que solo destacan por la decente calidad del dibujo y la acción. Igualmente, aún eso los diseños no logran brillar nada, pues los mechas son feos y los personajes no tienen nada de especial. Respecto al argumento, es una historia demasiado corta que se siente muy acelerada, que no tiene ningún tipo de presentación ni introducción, y que sus intentos de clímax dramático o de resolución final fallan a causa de todo ello. La protagonista es de lo más corriente, está solo para enseñar carne – de forma bastante forzada e innecesaria- y no se llega a empatizar con ella, aún el claro intento de la historia por hacerlo. Lo único destacable es lo adecuadamente horribles y feos que son los alienígenas invasores, cuyas formas cumplen a la perfección la intención de dar asco y un cierto miedo.

NOTA: 1/5

One pound Gospel

Año: 1988

Género: seinen, romance, comedia, deporte

Episodios: 1 (50 min.)

Estudio: Gallop

¿Quieres ver la adaptación de algún manga de Rumiko Takahashi (Urusei Yatsura, Ranma ½, Inuyasha…) pero te da pereza empezar un anime de más de 100 capítulos? One pound gospel es un manga de 4 tomos que sería adaptado en una OVA de unos 50 minutos y dirigida por Osamu Dezai, director que en los setenta se haría cargo de clásicos como Ashita no Joe o La Rosa de Versalles.

Kosaku es un boxeador profesional que en sus inicios prometía mucho, pero una vez sus malos hábitos alimenticios aparecieron empezó a echar por la borda su carrera, llegando incluso a vomitar en medio de un combate. Justo cuando parece que su entrenador tirará finalmente la toalla por él, aparecerá en la vida del joven boxeador la monja Angela, que aún no ha tomado sus votos. Kosaku tardará poco en enamorarse de ella, y la hermana Angela sentirá compasión por como Kosaku está echando a perder su carrera como boxeador. ¿Será el apoyo de la monja suficiente para que Kosaku deje de ser un glotón y vuelva a ganar un combate?

La principal motivación para ver esta OVA, más allá de por ser la adaptación de una obra de Rumiko Takahashi, es seguramente por la curiosa pareja que hacen el boxeador y la monja protagonistas. Por desgracia, los 50 minutos que dura esta seguramente se quedan cortos a la hora de adaptar la relación que se debe desarrollar entre ambos en el manga, pues estos se centran más en la carrera de Kosaku que no en el romance. Aún así, el sello de calidad de la autora sigue estando en sus simpáticos personajes y el siempre presente tono humorístico de sus historias, que difícilmente se ven sin que logren arrancarnos al menos alguna sonrisa.

Una OVA correcta  que sabe a poco en el romance, pero que se deja disfrutar gracias a lo tontorrón que es el protagonista, al buen par de combates que se ven y a las diversas interacciones entre el boxeador y la joven e inocente monja. Sirve bien para saborear un poco el estilo de la autora sin tener que gastar media vida en ver al completo una obra suya. Si te quedas con ganas de más, especialmente respecto al humor, Ranma ½ (1989) o Urusei Yatsura (1981) son muy recomendables en ese aspecto, mucho más alocadas, divertidas y, sobre todo, largas.

NOTA: 3/5

Outlanders

Año: 1986

Género: shonen, ciencia ficción, aventura, comedia, ecchi

Episodios: 1 (51 min.)

Estudio: AIC

Con una evidente inspiración en Urusei Yatsura, Outlanders nos cuenta en poco tiempo cómo durante la invasión de la tierra por parte de unos extraterrestres el fotógrafo Tetsuya es secuestrado por la atractiva Kahm, la princesa de la especie alienígena invasora. Kahm le cogerá cariño al humano, y debido a esto ella se opondrá a la voluntad de su padre, el emperador, de invadir el planeta tierra.

Una OVA en la que no vale la pena perder el tiempo y que solo sirve de ejemplo de la influencia que ejercería la popularidad de la clásica comedia romántica de principios de década creada por Rumiko Takahashi. Un intento fallido de emular la fórmula, que en vez de coger la vía de la comedia romántica apuesta por un mayor peso de la acción, es más violenta y algo más subida de tono. El dibujo se asemeja al de Rumiko, la protagonista tiene incluso la misma seiyuu que Lum y hay algún guiño a los mangas de la autora. Más allá de eso, los diseños están lejos de ser tan icónicos como los de la aclamada autora de Ranma ½, la historia se siente totalmente acelerada y los personajes no tienen sustancia alguna y son fáciles de olvidar.

NOTA: 1/ 5

Dragon’s Heaven

Año: 1988

Género: acción, aventura, fantasía, ciencia ficción

Episodios: 1 (42 min.)

Estudio: AIC

Corta OVA de acción que intenta presentar un conflicto bélico entre humanos y robots, pero que debido a la escasez de su duración su importancia y disfrute recae más en el apartado artístico que en la historia o los personajes. Después de 1000 años desde la última guerra, el robot/ mecha Shaian es despertado de su letargo por la humana Ikuru, y cuando el robot se da cuenta de que su principal enemigo El Medine (que mató a su antiguo piloto) aún está vivo, decide unirse a Ikuru para combatir contra él una vez más.

Dragon’s Heaven destaca sobre todo por su apartado artístico inspirado en el dibujante francés Moebius. Gracias a este estilo resulta en una OVA de ciencia ficción distinta al resto, con un buen diseño de robots que se adecuan mucho al dibujo, y que se distancian de otros diseños y estilos más frecuentes para representar a los mechas, robots… tan típicos y ampliamente representados a lo largo de los 80. La OVA empieza con un pequeño fragmento en Live action con representaciones de los dos robots principales en la vida real. Es un detalle curioso y los robots están bastante logrados, así que también es recomendable por ello, aunque no sea animación.

NOTA: 3/5

Conclusiones

Hasta aquí esta primera entrada sobre OVA’s de los ochenta. Como habréis visto he incluído algunas que simplemente no merecen la pena ser vistas, y es que también es importante remarcar que se hacía anime malo antiguamente. Solo aquellos animes de los que verdaderamente no tengo nada que decir una vez los termine no los mencionaré de ningún modo. Espero que os haya gustado la entrada,  podéis esperar entradas con un formato similar respecto a series y películas.

Primeras impresiones de “Cherry”

Ficha técnicaPortada Cherry

Título: Cherry

Autor: Eisaku Kubonouchi

Género: Slice of life, drama, comedia, romance

Año de publicación: 2006-2007

Volúmenes: 4 (acabada)

Editorial: Milky Way Ediciones

 

Sinopsis

Kaoru lleva una vida tranquila en un pueblo rural donde no hay nada de nada. ¡Pero un día conoce a una chica angelical que definirá su destino! No queda otra que salir pitando lo antes posible… ¡y escapar de esa situación junto a ella!

 

Impresiones

¿Qué pasaría si dos jóvenes pueblerinos se fugasen por amor de forma repentina a Tokyo? Esa es la historia que nos cuenta Cherry, de cómo el día de la boda por conveniencia de Fuko Tokiwa, Kaoru la rescata de su desdichado destino y sin pensárselo dos veces se plantan ambos en Tokyo sin plan alguno.

Kaoru, Cherry

La historia empieza de forma bastante cliché y poco original, aunque rápidamente pasa a la parte interesante, que es el momento en el que el par de tortolitos protagonistas se encuentran en Tokyo. El romance entre ambos es al más puro estilo Romeo y Julieta, flechazo adolescente alocado y con alocadas consecuencias. Una “niña bien” mimada desde pequeña y un chaval que no sabe qué hacer con su vida se encuentran de golpe en Tokyo, casi sin un duro y sin nadie conocido en el nuevo lugar en el que han decidido escapar de su vida pueblerina. Por suerte, rápidamente encontrarán a buena gente que les ayude, y que serán el plantel de secundarios que evitarán en primera instancia que la historia acabe en tragedia.

Yuko y Kaoru forman una pareja protagonista simpática, ambos bastante inocentes, enamoradizos y, porque no decirlo, algo tontitos. Aunque el primer tomo pasa de forma bastante ligera y llena de humor, seguramente en el segundo les llegarán las consecuencias de las malas decisiones que ya han cometido en sus primeros días en Tokyo, de modo que les esperan los primeros reveses de su fortuita huida a la gran ciudad y, esperemos, que a consecuencia de ello un buen y necesario desarrollo de personaje. Se supone que esta obra es también un drama, al menos según Milky way, de modo que no siempre debería quedarse en las risas y en la simple comedia romántica.

Vivir de golpe en la gran ciudad no será el único problema, pues además hay que tener en cuenta que Yuko abandonó su boda y plantó a su indeseado prometido, de modo que en algún momento de los siguientes 3 tomos también se tendrán que enfrentar a eso. De momento, ha sido una historia decente, puede que algo cliché al principio y con un romance poco pensado o insustancial, pero divertida y agradable de ver y leer. Por ahora le queda lo mejor, que es la superación de las dificultades de sobrevivir en Tokyo, así que a partir de aquí hay que esperar a que vaya mejorando.

Arte

Si algo me llamó la atención de esta obra fue sobre todo el precioso dibujo Eisaku Kubonouchi, que ya solo en la portada te llama a leer su manga con el bonito diseño de la protagonista femenina. El dibujo en general es agradable a la vista, con formas más bien suaves y redondeadas (especialmente en los personajes femeninos), y que quedan a disposición de la comedia para ser modificadas a voluntad para pasar a formas diferentes, ya sean más agresivas y toscas, o caricaturescas para enfatizar las escenas de humor.

El diseño de ambos protagonistas se adapta muy bien a todo tipo modificaciones en el dibujo según convenga en la escena, y las expresiones que hacen son la mar de divertidas y encantadoras. Yuko y Kaoru contrastan muy bien en diseño, él más macarrilla con su tupé rebelde y además pecas en la cara, y ella bien mona y fina, muy angelical, tal y como es descrita por el propio Kaoru. Del resto de personajes poco más a añadir, aparte de Aboro y Justice Yamada, dos vecinos de los protagonistas muy caricaturescos y estrambóticos.

Conclusiones

Slice of life romántico que de momento ha mostrado un tono más bien humorístico y ligero, pero que seguramente en un futuro ahonde un poco en sus personajes con el drama que supondrá a los protagonistas de pueblo tener que sobrevivir solos de golpe en la ciudad. Es una manga corto de solo 4 tomos, así que probablemente tampoco hay que esperar gran cosa de la historia o de los personajes (teniendo en cuenta lo leído hasta ahora), pero que puede estar bien mientras mantenga el nivel de entretenimiento y diversión con las aventuras y desventuras urbanas de esta alocada y rural pareja que forman Yuko y Kaoru.

Como es corta, el dibujo me gusta y los protagonistas me han caído bien, la compraré hasta el final. Su publicación es bimestral y este primero tomo salió a finales de julio, de modo que el siguiente debería ponerse a la venta en septiembre. Finalmente, decir que hace un tiempo que las editoriales españolas ofrecen el primer capítulo de sus mangas de forma gratuita en sus propias webs, y Milky Way ha hecho lo mismo con Cherry. 

¡Al día con el anime de Gintama! Impresiones varias

Después de 4 años, 5 temporadas y 328 episodios, al fin me he puesto al día con el anime de Gintama. No podía acabar con lo que se había emitido de esta gran comedia y no escribir nada para el blog, así que ahí van mis impresiones generales de todo lo emitido hasta ahora, de lo bueno y lo malo de esta larga comedia/ shonen de peleas, de aquello que más me gusta de esta serie y de lo que no.

Gintama: la comedia

Zura y Eli

Todos los shonen de peleas están formados por una amalgama de géneros que los hacen historias de lo más versátiles y que ofrecen de todo un poco a su público: drama, fantasía, aventura… y también dejando momentos para la comedia con sus arcos argumentales más ligeros, o con algunos capítulos un poco más intrascendentes para aflojar la carga dramática o argumental de sus partes más intensas. Pero Gintama es diferente, pues uno des del principio ve que destaca en un género en concreto más de lo que lo hacen el resto animes de su tipo: la comedia. En general, los personajes – incluso los que tienen más protagonismo y relevancia argumental- suelen ser muy “burros”, despreocupados, alocados y que suelen hacer muy el tonto. De entre estos tenemos a la propia protagonista Yorozuya formada por Gintoki, Kagura y Shinpachi, a Kondo, Okita o Hijikata del Shinsegumi, Zura… e incluso uno de los personajes más importantes para la trama central de la serie: el propio Shogun, Shigeshige Tokugawa. Además, a esto se le suma que también hay arcos argumentales enteros de pura comedia, como: el de intercambio de cuerpos (287-289), de género (275-277), arco de Otsu (157-163), ranking de popularidad (182-184)…

Este gran peso del género humorístico en un anime que en sus arcos serios saca a relucir su aspecto más de “shonen de peleas” y drama es un arma de doble filo, pues tiene consecuencias buenas y malas. Respecto al aspecto bueno del predominio de este género, Gintama durante todo su transcurso demuestra un gran dominio de la combinación de la comedia y el drama, y no hay mejores géneros para combinar que esos dos, pues se potencian el uno al otro. Cuanto más nos reímos con unos personajes más sufrimos por ellos después, y es por ello que encuentro que ese es uno de los mejores elementos de Gintama y por el que más la valoro. Usualmente sabe muy bien cuando hacer reír y cuando llorar, y eso no siempre es fácil. Respecto al aspecto negativo, esta tiene una comedia que puede no gustar a todo el mundo, siendo muchas veces absurda, y otras infantil y burda con bromas del nivel de “caca, culo, pedo, pis” (no recuerdo vlcsnap-2017-02-20-00h18m01s073cuantas veces he visto vomitar Gintoki y compañía). Otras veces esta se basa en referencias culturales y juegos de palabras que se escapan del entendimiento del público no japonés. También suele hacer guiños al mundo del manga y el anime que puede que algunas veces si no estás muy metido en el mundillo pues se escapen también y no se entiendan, aunque normalmente hace referencias a series muy populares o actuales como One piece, Dragonball, Kuroko no basket…. Pero también hace bromas sobre animes muy clásicos o antiguos como Gundam, Capitán Harlock, Ashita no Joe… Evidentemente, para los que podamos apreciar al menos una parte de todo ese humor de Gintama eso no es un aspecto negativo y entonces esta se convierte fácilmente en una de las mejores comedias que hayamos podido ver.

Kagura Super saiyan

Por otro lado, he dicho al principio que he tardado 4 años en ponerme al día con Gintama, y eso lo achaco sobre todo al gran predominio de arcos y capítulos totalmente de humor, con poca o nula trascendencia argumental. Y eso no significa que me haya forzado a verla o que no me guste, más al contrario, adoro Gintama y es de mis animes favoritos, pero si no la he visto más seguida y del tirón es precisamente por su faceta como comedia. Las comedias no se ven – o no deberían verse- del mismo modo que una historia con una continuidad argumental más marcada, pues las hay que suelen basarse en gags recurrentes (Kondo, Madao, Zura…), y al final eso puede resultar cansino y repetitivo. Eso no significa que no tenga un argumento serio cuya resolución vaya a poner fin a la serie, pero debido al gran peso de la comedia esto hace que ese argumento quede diluido en muchos arcos argumentales que tengan poco o nada que ver con este, haciendo que la historia quede muy ralentizada o se sienta que simplemente no avanza.

Puede que sí que hubiese veces que empezase a ver capítulos o arcos de comedia con más continuidad, pero la motivación para seguir con el siguiente episodio no llega a ser nunca como puede serlo cuando uno ve el arco de Benizakura, el arco de las Devas o del Mimawarigumi. La mayoría de veces uno ve Gintama con la motivación e interés de querer echarse unas risas, y eso no tiene porqué ser siempre una motivación válida, aunque sepa que Gintama me las fuese a dar como otros pocos animes me las han dado. Personalmente, creo que una comedia se ha de disfrutar con pausa y moderación, porque si es muy buena, y esta lo es, si se ve todo muy deprisa después rápidamente te quedarás con ganas de más. ¿A qué se reduce todo este aspecto negativo? A que si bien Gintama es un shonen de peleas y puede ser visto como tal, el contenido mayoritario de esta es el de una comedia, y uno no puede esperar de esta una buena continuidad argumental, pues no la tiene.

Gintama: el shonen de peleas

Yorozuya

La mayoría de arcos argumentales serios de Gintama se dedican a presentar personajes u organizaciones, y a través de diversos conflictos desarrollar a los protagonistas y diversos secundarios que tomarán parte en el gran clímax final que será la resolución de la historia (algo que no se ha iniciado hasta el capítulo 300). De entre estos arcos previos al gran clímax final tenemos: Benizakura (58-61), Mimawarigumi (244-247), la crisis del Shinsengumi (158-168), las cuatro Devas (210-214), Yagyu (78-81)… Que el argumento principal de la serie no se desarrolle verdaderamente hasta tan tarde no es malo, cualquiera de los arcos mencionados son muy buenos, disfrutables, y que aportan mucho tanto a la historia general como a los personajes.

Aún el aspecto negativo de una falta de avance argumental consistente, si Gintama quería ser fiel a su naturaleza como comedia tampoco se podía permitir ahondar demasiado en el drama o un desarrollo argumental muy profundo. Eso queda demostrado con los últimos tres arcos emitidos, empezando el primero en el capítulo 300. En estos últimos 29 capítulos Gintama se ha visto obligada finalmente en centrarse en avanzar en su historia, pues ha llegado a unos niveles de relevancia argumental en los que ya no puede dar marcha atrás, y combinarlo con un arco menos serio no tendría sentido ni con la historia, ni con el estado emocional o implicación de los personajes en lo sucedido.

Sakamoto, Takasugi, Gintoki y Zura

Si bien sí se van combinando arcos muy serios  o incluso importantes para el desarrollo de algunos personajes durante los 299 episodios previos, se acaba haciendo evidente que el argumento fuerte y central de la historia de Gintama se encuentra en el pasado de Gintoki, Zura, Takasugi y Sakamoto en la guerra, de lo que ocurrió con el maestro de los tres primeros y, ya en el presente, de cómo cada uno enfrentaría la nueva situación política derivada de la llegada de los Amanto (aliens) a la Tierra de los samuráis. Teniendo en cuenta esto, y como Gintama es en esencia una comedia, lo que se desarrolla a partir del capítulo 300 y que siempre es algo que queda de fondo y se va dando información sobre ello a cuenta gotas, es mejor comprenderlo como una historia marco que se va construyendo alrededor del grueso de sucesos más corrientes en Gintama: los trabajos/ aventuras de la Yorozuya dirigida por Gintoki. Resumiendo, esta historia marco sirve para dar inicio y contexto a la serie y permitir después ir contando las locas y divertidas aventuras de la Yorozuya, el Shinsengumi, las desgracias de Madao, los clásicos episodios de “cuidado” del Shogun… Finalmente, su resolución servirá para dar fin a la historia de Gintama, serie que en realidad podría alargarse eternamente mientras Gintoki, Kagura y Shinpanchi sigan teniendo fuerzas para trabajar en la Yorozuya y ayudar a las gentes de Edo.

Concluyendo, Gintama es un anime que he disfrutado muchísimo, que tiene un buen argumento que mezcla lo histórico y lo futurista, con muchos bandos e intereses enfrentados, excelentes escenas de acción en sus momentos de mayor clímax y un reparto de personajes único y que logra adaptarse y brillar tanto en escenas de comedia como en los momentos más dramáticos de la historia. Pero, por sobre de todo, Gintama es una gran comedia indispensable para cualquier amante del género en el anime.

NOTA: Justaway/ 10

Bubblegum Crisis|| Chicas guerreras, monstruos biomecánicos y una gran OST

 

Ficha técnicaBubblegum Crisis OVA's cover

Título: Bubblegum Crisis

Género: ciencia ficción, acción, mecha, cyberpunk

Estudio: AIC

Año de emisión: 1987-91

Episodios: 8. 40 minutos por episodio, aproximadamente.

 

 

Sinopsis

En un futuro no muy lejano, Tokyo fue devastado por un potente terremoto. Sobre la antigua Tokyo fue levantada MegaTokyo, gracias en parte a la ayuda de la compañía multimillonaria Genom Corp, que creó y produjo en masa unas criaturas biomecánicas llamadas Boomers para ayudar en la construcción de la nueva Tokyo. Pero los Boomers empezaron a perder el control, y la ADPolice intentó pararlos, para darse cuenta en seguida que era muy complicado lidiar con estos. Ante la amenaza de estas criaturas un grupo de cuatro chicas de varios espectros de la sociedad se unieron para combatirlos. Autodenominándose “Knight Sabers”, ellas son las únicas con suficientes recursos y armamento para defender a la renovada Tokyo de Genom y los Boomers.

Opinión personal

Argumento

Bubblegum Crisis nos sitúa en un Tokyo distópico en el que la ciudad está asolada por el peligro de los Boomers, unos monstruos biomecánicos fuera de control creados por la compañía Genom. Durante las 8 OVA’s estos son combatidos por las Knight Sabers, cuatro chicas en trajes de combate de alta tecnología. Cada capítulo trata un conflicto diferente, introduciendo nuevos personajes en cada uno, aunque la mayoría tienen siempre de fondo a Genom como antagonista. Son episodios autoconclusivos de unos 40-50 minutos cada uno, en el que iremos conociendo a las chicas detrás de los trajes de combate: Sylia, Priss, Nene y Linna. Algunas historias irán muy ligadas a las protagonistas, llevándose la mayoría de protagonismo Priss.

 

Todo el contexto es bien presentado des del principio, teniendo una de las mejores introducciones que he visto nunca en un anime. Mientras suena el temazo Kon’ya wa Hurricane, interpretado por el grupo de música de la serie Priss and the Replicants se van mostrando los personajes principales de la historia, y también el problema que suponen los Boomers en esta nueva Tokyo. En general cada episodio es entretenido, teniendo una estructura muy pautada para cada uno que se va repitiendo, pero sustituyendo los personajes que introducen y mueven el conflicto. Venganza, intereses económicos, científicos o políticos, son algunos de los temas que van generando el conflicto en cada una de las diferentes historias, y aunque tampoco hay una gran resolución final, es una serie digna de ver.

Aunque se explica el origen de los trajes y porqué estas 4 chicas disponen de tantos recursos para combatir a los Boomers (y en cambio la policía no), me ha faltado que una de las OVA’s contase cómo se reunieron, y cómo 4 mujeres tan diferentes decidieron hacerse justicieras de la noche al día cual Batman. Otro tema que no me quedó muy claro y no se llega a explicar muy bien es la posición legal en la que se encuentra la empresa Genom. Ellos son los culpables del problema de los Boomers, pues los han producido, pero el gobierno ni nadie parecen hacer nada para impedir que siga produciéndolos o que sean ellos los que hagan algo con ese problema. Puede que se especifique en otras OVA’s posteriores, pero al menos en estas primeras no se dice nada, al menos que yo recuerde.

Personajes

Las cuatro protagonistas son muy distintas, y es algo que da chispa a las escenas y hace que las interacciones entre ellas mejoren. Sylia es una empresaria y la jefa del grupo, la que se dedica más a dirigir a las Knight Sabers y es la figura madura de este grupo justiciero. Por otro lado tenemos a Priss, una joven cantante de una banda de poprock, es la más rebelde y la que más conoceremos durante la historia. Después tenemos a dos más secundarias que poco se profundiza en ellas: Linna, una entrenadora de aeróbic y Nene, la más infantil de todas y que forma parte de la ADPolice.

 

 

No se llega a profundizar demasiado en los personajes, a excepción de Priss, pues en un par de capítulos el conflicto le es cercano a su vida personal. Después tenemos a Sylia, que sí llegamos a conocer algo de su pasado, pero por razones argumentales necesarias.  Hay algunas cortas escenas de ecchi algo innecesarias, pero en general como personajes femeninos están bien. Para 8 OVA’s que ofrecen sobretodo acción, son correctos. Una cosa es que en algún momento (como en un concierto que hace Priss al principio) se vean sexys, y otra es que repitan el mismo gag varias veces de  el chico que las ayuda en su lucha contra los Boomers las intente espiar mientras se cambian. Pero en general tampoco están demasiado sexualizadas ni se reducen a ser personajes que enseñen cacha, como otros de la época como Kei y Yuri de Dirty pair o Lum de Urusei Yatsura.

 

Como personajes secundarios tenemos sobretodo al policía Leon, el único personaje masculino que llega destacar. Tampoco se profundiza demasiado en él, le va detrás a Priss y será de los pocos personajes que tienen escenas de acción a parte de las Knight Sabers. Los enemigos van y vienen, a excepción del presidente de Genom, como ese villano entre las sombras que va apareciendo y desapareciendo pero que nunca llega a ponerse en peligro ni al alcance real de los buenos.

 

Arte y animación

Todas las OVA’s son visualmente espectaculares, para ser una serie de hace más de 25 años. El nivel de detalle (especialmente en la tecnología) es impresionante, y es una delicia ver el cuidado con el que está hecho todo. Está claro que después de haber visto animes más recientes como Mob psycho 100 o Hibike Euphonium pues Bubblegum Crisis se ve vieja, pero hay que tener en cuenta esos años que lleva encima, y entonces uno se da cuenta de la gran calidad y trabajo que hay detrás de estas largas OVA’s. Hay combates muy logrados, y el diseño más ligero de los trajes de las Knight Sabers permite movimientos más ágiles y dinámicos que nos dejan con grandes momentos de acción de estas chicas guerreras.

 

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Debo repetirlo, y es que el nivel de detalle de algunos planos me parecía hasta absurdo, y tenía que parar el capítulo para admirar detenidamente cada matiz mecánico. De un nivel envidiable para cualquier anime actual. Parece que el amor por la tecnología no se transmitía solo en hacer 200 animes de mechas, sino que además también empleaban mucho tiempo en plasmarla fielmente en las escenas. Respecto a los diseños, los Boomers son decentes, de aspecto monstruoso, tienen un aspecto al que temer y también son muy detallados en la mayoría de las escenas. Por desgracia, los trajes de ellas me parecieron algo sosos, y que podrían estar mejor. La elección de colores no me convenció demasiado. A excepción de la forma especial de uno, en la que una moto se transforma en una armadura que le permite volar, el resto no me llamaron demasiado la atención. Por suerte el diseño de ellas compensa, cada una está bien definida y cuando van con ropa casual es interesante ver las vestimentas de la época.

 

OST, openings y endings

Está claro que si no te gusta el estilo musical de los ochenta una banda sonora como la de Bubblegum Crisis no te atraerá mucho. Yo la disfruté de principio a fin, y como he dicho, el tema con el que es introducida la historia me pareció espectacular y que quedaba de maravilla con todas las escenas. Cada OVA tiene su tema principal, algunos mejores, otros peores, pero en general encajan muy bien con la acción. Lo que son ya canciones más de fondo son correctas, pero canciones como Mr. Dandy, Lonely angel, Mad Machine, Priss in Disco o Remember, hacen de la banda sonora de Bubblegum Crisis algo difícil de igualar. Es el mejor recuerdo que tendré de la serie.

 

Conclusión

Estas 8 OVA’s merecen ser vistas por dos motivos: un apartado artístico impecable y una tremenda banda sonora que pone la guinda al pastel. No es un pastel espectacular o con un argumento especialmente complejo o sobresaliente, pero se deja ver y la gran calidad de esos dos apartados hacen que entre mucho mejor.

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NOTA: 7’8

 

Análisis Seikaisuru Kado

Ficha técnicaKado the right answer

Título: Seikaisuru Kado (Kado: The Right Answer)

Género: ciencia ficción

Estudio: Toei animation

Año de emisión: 2017 (temporada de primavera)

Episodios: 12 + un especial precuela

 

La pasada temporada de primavera se emitió Seikaisuru Kado (Kado: The Right Answer), un anime bastante único y que presenta unas ideas y conceptos muy interesantes, pero que por desgracia sentí que los personajes no estaban a la altura de la sesuda temática que tenía la serie. Por esa misma temática he preferido hacer una entrada de análisis más específica y concreta en vez de una reseña general de la serie, ya que creo que es importante y provechoso tratar esos temas más que valorar la serie en sí misma.

El argumento

Un día llega a la Tierra alguien llamado Yaha-kui zaShunina, un ser de una dimensión/ realidad llamado por él mismo “anisotropico” que es diferente a la del universo comprendido y conceptualizado por el ser humano. Está más allá de este, es algo superior al universo. ZaShunina dice que viene para “avanzar a la humanidad”, ¿pero es ese su verdadero propósito? ¿Está preparado el ser humano para aceptar la existencia de algo como zaShunina? ¿Podrá asumir la humanidad las propuestas de este ser superior?

¿Qué es Yaha-kui zaShunina y lo anisotropico?

zaShunina seikaisuru kado

Antes de pasar a discutir los temas sobre cuál es  la respuesta correcta o los conflictos que se plantean alrededor de la llegada de un ser como zaShunina, es importante aclarar primero qué es lo anisotropico y los seres que hay en esta dimensión. Para ello he de comentar los capítulos 9 y 10, en los que muchos podrían pensar que la serie descarrila totalmente, que se va de su argumento principal o que tira por caminos en los que se pierde. Esto se debería básicamente porque hasta antes de ese momento la serie tenía un punto de ciencia ficción más o menos comprensible, al menos para entender lo que es el Wam, pues el Sansa ya era algo más difícil.

¿Qué hace en este par de capítulos Seikaisuru Kado, sobretodo en el 10? Presenta un desarrollo de la formación de la realidad. Como la serie no iba a hacer una ponencia científica sobre ello, todo es presentado de una forma un tanto mística al usar la animación y las voces en off que parecen algo casi divino. Estas voces en off son los seres anisotropicos (conceptos abstractos llamados Ki, Wa, Sa…), y ni si quiera ellos saben cómo o porqué se da la singularidad que hay en nuestro universo. La palabra más cercana y puede que adecuada con la que se puede definir lo anisotropico y a los seres como zaShunina es como algo “divino”, ya que es algo simplemente incomprensible. Representa que son las fuerzas creadoras de las leyes físicas, el tiempo o el universo mismo. Me gusta también pensar en lo anisotropico como algo divino por cómo es se ve zaShunina en la imagen promocional de la serie, pues parece Jesucristo dando la buena nueva. Una referencia bastante acertada por tal y como es presentado al principio el personaje en su llegada a la Tierra.

El plano anisotropico parece ser una dimensión superior a los universos, pues en ella hay más información y capacidad de procesarla. Pero lo seres anisotropicos necesitaban más de esta, y por ello crearon los capullos de información (se comparan con capullos de gusanos de seda). Estos capullos son la realidad comprendida y conceptualizada por la humanidad, pero no pueden entender lo anisotropico, debido a que es algo superior a su entendimiento. Ki, Wa, Sa… esperaron eternamente a que uno de estos capullos presentase algo especial, una singularidad, hasta que uno lo hizo: el capullo (universo) en el que se encontraría la humanidad. Ahí es donde la serie peca de antropocentrista, pues concibe al ser humano como lo especial y singular no en el universo, sino en la existencia más allá de este. No es que nosotros seamos únicos y especiales, sino que nuestro mismo universo lo es al estar nosotros. Tal y como lo presenta la serie, entiendo que la singularidad a la que se refiere es básicamente la razón humana, que supuso una fuente de información única para los seres anisotropicos. Puede que al principio se refiriese a la vida misma, pero entonces no se explica el porqué zaShunina no llega a la Tierra hasta que se haya desarrollado el pensamiento humano.

Resultó que ante esta esperada singularidad solo hubo un ser anisotropico que decidió adentrarse en el universo en el que se dará la vida y, posteriormente, la humanidad (que tiene esa singularidad tan deseada). Es el Wa, lo que en un futuro se encarnará en la persona llamada Saraka Tsukai. Es entonces cuando el concepto de Dios o lo divino queda algo distorsionado, pues tal y como vemos en Wa/ Saraka y también en zaShunina, estos pueden corromperse con las emociones humanas. No solo eso, sino que además parecen sentir la necesidad de algo (información). Tampoco entraremos en una discusión teológica, pero está claro que la serie presenta su idea particular de ser superior creador, ser anisotropico, Dios, o como lo queráis llamar. Del mismo modo que lo han hecho las religiones. Solo que esto es una pequeña obra de ficción que juega un poco con los conceptos, y no un dogma o una teoría teológica de la realidad.

Respecto a la llegada de zaShunina a esa zona concreta de Japón, esta está justificada bien en su momento, pero hay que decir que también es mucha casualidad que fuese justamente donde estaba la persona en la que se había encarnado el primer ser anisotropico (Wa). ¿Acaso fue ella quien subió el nivel de la bondad que sintió zaShunina allí? ¿Cómo no se dio cuenta antes de que se encontraba tan cerca?

La evolución humana y la respuesta correcta

ZaShunina no parece tener malas intenciones para la humanidad, más bien al contrario, sino que quiere hacer que avance. ¿Pero hacia dónde? En el capítulo 8 Wa/ Saraka dice que la aparición y evolución de la vida es algo que se da de forma natural, simplemente se da y es así. Nadie ha intervenido en ella, y tal y como los seres anisotropicos presenciaron en su aparición, es algo que sucede naturalmente y que por ello supone un milagro. ¿Entonces hacia dónde representa que va esa evolución si parece darse de forma tan arbitraria?

Seikaisuru Kado, Shindo y Saraka

Cuando zaShunina dice que viene a “avanzar” a la humanidad ya está diciéndolo dentro de unos valores que la misma humanidad ha creado, y son los que establecen que la evolución es algo que supone un avance hacia lo mejor, siendo lo mejor en nosotros una facilitación de nuestra vida a través de la tecnología. Esta es la “respuesta correcta”, falsa o no, que parece haberse creado la humanidad para su propia satisfacción personal. Puede ser totalmente falso, como falsa era la concepción occidental de la civilización (en la época de la colonización) como el culmen de la evolución humana, siendo esta para ellos superior a las sociedades de “salvajes” que se encontraron en sus periplos de exploración. Es misma idea de “civilización” fue una falsedad ideada para la propia satisfacción de los colonizadores occidentales, y para la justificación misma de esa colonización.

Si la “respuesta correcta” que estamos manteniendo ahora (y que es liderada por la ciencia) es falsa o no, es algo que puede que la serie cuestione un poco. ¿Acaso el objetivo final de la evolución es la inmortalidad que nos hará trascender nuestra humanidad y aquello que nos define? ¿Acaso importa verdaderamente eso mientras tengamos otros problemas como la injusticia social? ¿Qué nuevo sentido tendría la vida si se pierde la muerte, que es el opuesto que la define? Dejo simplemente caer estas preguntas que la serie puede despertarnos y plantearnos durante su desarrollo. Shindo parece tener claro al final de la serie que no aceptará perder su humanidad, además de que todo el plan de zaShunina era un acto de egoísmo para su propia satisfacción de sed de información.

ZaShunina puede equivocarse, y no ve las claras repercusiones negativas de los artefactos que trae para “avanzar” a la humanidad. Estos acarrean consecuencias que no había contemplado, pues suponía ilusamente que la humanidad iba a compartirlos de forma totalmente igualitaria entre sí.  Ese es el problema respecto al primer artefacto, el Wam, que aunque el tema de la distribución queda algo solucionado, después tenemos el problema de qué se hace con las otras energías y toda la gente que trabajaba en ellas. Algo que la serie no plantea (pues sería muy complejo y extenso de desarrollar) pero que con su final dilucida rápido.

No es necesario ir comentando cada artefacto que presenta zaShunina, pues esencialmente lo que comportan estos es el tema central de la serie, la voluntad final que tenía zaShunina y de lo que se deriva las dos posturas enfrentadas que se dan hacia el final: a la humanidad se le presenta la oportunidad de trascender su humanidad misma, de superar aquello que la había definido como tal durante su historia. Esto es así ya que en realidad los artefactos anisotropicos solo son piezas para el “paso evolutivo” final, que es el paso de la humanidad al plano anisotropico. A una realidad superior más allá del universo concebido y conocido, es decir, elevar a la humanidad a lo divino.

ZaShunina, que no ha conocido por dentro a la singularidad que es la humanidad, quiere elevar a esta a lo que cree ser su paso evolutivo final para así poder satisfacer su ansia de información. Por otro lado, Wa/ Saraka, que sí ha conocido a la humanidad y su forma de ser, ve que lo anisotropico simplemente destruirá la naturaleza de lo humano y quiere impedir que zaShunina acabe con ello. Ella ha aprendido a amar a la humanidad por lo que es para sí misma, no por lo que puede ofrecerle a los seres anisotropicos. Dice ella misma: “Los seres humanos viven como mejor pueden con el tiempo que se les es dado”. Es decir, cuando son mortales. Si pasan al plano anisotropico se entiende que dejarían de ser mortales y, por lo tanto, humanos. Tampoco tiene sentido forzar a la humanidad a ello, pues entonces se perdería la singularidad que hay en ella al ser doblegada por una voluntad superior. No es que zaShunina quiera acabar con la humanidad, pero cegado por querer convertir a esta en la fuente de información única que los seres anisotropicos estaban buscando, no ve que si lo hace la humanidad ya no será aquello que la define. Cuando ve que es así, y que aquello que podía llenar su vacío de información se niega a serlo, corrompido por lo humano decide simplemente eliminarlo.

Finalmente, ¿a qué se refiere el título de la serie con “la respuesta correcta”? Es el destino de la humanidad y, de forma individual, aquello por lo que uno vive. ZaShunina lo ve en términos de evolución, la cual es clara para él: la elevación de la humanidad a lo anisotropico, en lo que dejará de tener problemas y su poder singular podrá ser explotado al 100%. Al menos hasta que se da cuenta de que eso no puede ser así. De forma individual se ve clara en algunos personajes, como en los periodistas en el último capítulo. Ven que zaShunina parece pretender acabar con la humanidad, y ante esta situación de desesperación ¿cuál es su resolución final? ¿Su “respuesta correcta”? Informar de la verdad, como periodistas que son.

La conclusión final es que básicamente todos vamos hacia algo, y descubrir el qué o dónde es algo que solo cada uno descubrirá. Los periodistas informan de la verdad, el padre y hermano de Saraka practican su arte de esculpir el metal, la profesora Kanata seguramente se pasará la vida intentando saber cómo llegar al plano anisotropico, etc. Todos buscan su “respuesta correcta”, como las escenas finales de la serie nos muestran. Respecto a la “respuesta correcta” de la humanidad, como ya he dicho la serie simplemente cuestiona algo lo que podríamos concebir como la que se está siguiendo ahora liderada por la ciencia, pero no se moja mucho más. Al final de la historia deja una humanidad consiente de la existencia de algo superior (lo anisotropico) y de que hay algo más allá del universo concebido.

Y hasta aquí la primera entrada de análisis del blog. Espero que os haya gustado y que os haya parecido interesante. ¿Estáis de acuerdo con el punto de vista con el que he visto la serie? ¿Difiere mucho del vuestro? !Comentádlo! Desde luego Seikaisuru Kado ha sido una gran sorpresa que ha salido en una temporada algo floja,  y que presenta uno temas muy potentes e interesantes. Además, logra transmitirlo de una forma relativamente comprensible, al contrario que otras como Serial Experiments Lain. Es una pena que la animación en cgi aleje a muchos de ver este anime, entre los cuales me incluía. No es que lo defienda, me sigue pareciendo aún algo inferior respecto a la animación 2D tradicional mientras siga viéndose así de mal. Uno se acaba acostumbrando, pero es eso, que me tengo que acostumbrar a algo malo. Tampoco entiendo su uso totalmente arbitrario y sin seguir ninguna lógica, combinándolo con la animación tradicional (en los personajes) sin ton ni son. En ese aspecto se podría haber aprovechado más la clara diferencia que hay entre ambos estilos de animación. Igualmente, es una muy buena serie y hasta ahora ha sido de los mejores animes que han salido este año.

Repaso final animes primavera 2017

Tranquilo ya después de acabar exámenes pude retomar los animes de temporada que me llamaron la atención o que les quise dar una oportunidad, así que antes de que se estrene un capítulo más de la temporada de verano mientras escribo esto, vamos a ver primero qué es lo que he abandonado y después qué es lo que he visto hasta el final de los animes de primavera.

Sukasuka – 03

Sukasuka anime

Con tres capítulos ya tuve suficiente para darme cuenta de que de esta adaptación de una LN de nombre estúpidamente largo no había nada relevante que destacar. Un anime más sin personalidad alguna, que no destaca ni por sus diseños, ni por tener una premisa original o interesante o unos personajes que llamen la atención. Todo lo encuentro muy mediocre y plano, y sin nada que me diga: “oye, me gustaría ver más de esto”. Es como una película de serie B de sábado por la tarde.

“La humanidad está extinta y el prota es el único que queda”. Bien, hasta ahí correcto, puede ser interesante. “Pero los personajes con los que se rodea este tienen una apariencia totalmente humana, aunque sean de otra especie”. No comprendo el porqué, me molesta, lo encuentro un desaprovechamiento total, pero vale. “Esos personajes son todos femeninos, en su mayoría niñas y después dos chavalas guapas con trajes cuquis”. Sigue siendo anime, no sé ni qué pretendo esperar a veces de este medio. Ah, sí, contenido de calidad, personajes interesantes que aprovechen bien el argumento y que encajen en este. La escena del masaje fue forzada y lo del beso ridículo, que la peliazul sintiese celos de Wilhem porque este hubiese dormido con una niña era entre raro e igualmente estúpido, las niñas no me despiertan empatía alguna, se ve demasiado claro que están para machacarlas y que mueran sufriendo. Tampoco la veo mala, simplemente mediocre, insulsa y con un drama más obvio y previsible que la muerte de All might. Pero al menos este es un buen personaje, y aunque sea obvio que va a ocurrir algún día, me importará.

Eromanga-sensei – 03

[insertar mentalmente imagen guarrilla que me dará visitas al blog pero que me da pereza descargar un capítulo para buscarla porque en su momento no hice ninguna captura]

Demasiado ecchi para mi exquisito gusto. Es broma, pero no me hacía la suficiente gracia como para soportar la evidente voluntad de la serie de mostrar los encantos sexuales de niñas/ adolescentes.

Sakura Quest – 07

Sakura quest anime

Un slice of life de mujeres trabajadoras que no estaba mal, pero que tampoco era algo tan sobresaliente como para seguir durante 25 capítulos. Si fuese de 12 no hubiese tenido ningún problema, pero aunque las chicas eran entrañables (al menos la protagonista) y solía ser entretenido ver como lidiaban con los distintos trabajos respecto al reino Chupacabra, tampoco me gustaba o disfrutaba tanto como para seguirla durante 6 meses. Simplemente, me da pereza seguir un slice of life durante tanto tiempo, sabiendo que no va a llevar a nada relevante dentro de un género un tanto difícil de hacer bien.

Sakurada Reset – 02

Sagrada Reset anime selecta

Las personas con poderes que quieren ayudar a la gente molan. Los personajes con poderes que tienen la expresividad de una patata no. Y ni siquiera hablo del más evidente que es Haruki, sino que el protagonista también parece padecer de severos problemas de expresividad. Una serie con algo de potencial que presenta la voluntad de sus protagonistas de una forma un tanto ridícula y poco realista (les faltó decir: “para proteger el mundo de la devastación”), y cuya forma de ser me parece de lo más rancio, soso y monótono que uno se puede echar a la cara. Algo raro teniendo en cuenta que los actores de voz japoneses suelen ser bastante exagerados, pero parece que para esta serie han elegido a los más calmados. Los personajes tan pasivos y monótonos me irritan, y aunque Sakurada Reset puede llegar a estar bien, soy incapaz de disfrutarla con una pareja protagonista tan poco natural y sosa. Además, tendrá 25 capítulos, así que como siempre, eso solo hace que se me quiten más las ganas de seguirla.

Una de las apuestas de la temporada de primavera de Selecta visión que, personalmente, encuentro algo fallida. Creo que acertaron algo más con Atom: The Beginning, que también puede ser vista en su canal de Youtube de forma legal y gratuita, y la cual también comentaré.

Oushitsu Kyoushi Haine – 02

Oushitsu Kyoushi Haine anime

El argumento tiene su qué y ver las versiones chibi de los personajes siempre me ha hecho bastante gracia, pero está lejos de las grandes comedias de otras temporadas como Konosuba, Osomatsu-san o Prison school. Además, el profesor mini vuelve a tener el mismo problema que los personajes de Sakurada Reset, y es que es un soso. Es evidente que eso está hecho a propósito para contrastar con los estrafalarios príncipes, pero eso al final me acaba aburriendo el personaje y mata bastante el ritmo animado y dinámico que debe tener para mí una buena comedia. Además, aún lo excéntricos que puedan parecer los diferentes príncipes, estos no me llaman nada la atención, cuando deberían ser una de las partes más importantes de la serie.

Warau Salesman NEW – 02

Warau Salesman NEW anime

Serie doblemente episódica que va repitiendo la misma estructura en cada par de historietas que forman cada capítulo. Moguro se encuentra a alguien desgraciado, aparentemente le ayuda, y con ello lo lleva a otra vez a la desgracia al descubrirse la verdadera naturaleza de la persona o parándole algún tipo de trampa. No es mala, es interesante el planteamiento, pero el hecho que sea doblemente episódica no le hace ningún bien y simplemente se acabará volviendo repetitiva. Antes de que ocurriese eso, simplemente la dejé en el segundo episodio, ya que ya me he hice a la idea del funcionamiento de la serie y con ello me valió. Si fuesen capítulos mucho más cortos me parecería mejor, pero 20 minutos de dos historietas que tendrán siempre la misma estructura solo se puede acabar convirtiendo en algo pesado, previsible y aburrido.

 

Kabukibu – 03

Kabukibu

Tres primeros episodios para mostrar lo mucho que al protagonista le gusta el kabuki en vez de dar motivos para que al espectador le guste también. Con el primer capítulo ya me puede quedar claro que al protagonista le gusta mucho el kabuki, con el resto debería convencer al espectador para compartir esa pasión. Vi por encima el cuarto y parece que ya se mete algo en el asunto en cuestión, pero ni los personajes me gustaron ni tampoco me despierta mucho interés ver a través de un anime el kabuki, no al menos con estos personajes y partiendo de un simple club de instituto. Parece ser una especie de teatro muy estilizado y dramatizado en el que las actuaciones son muy exageradas. Interesante, pero no me parece Kabukibu un buen medio para adentrarse en ello o aprender de este arte tradicional japonés.

Alice to Zouroku – 04

Alice to Zouroku anime

Aunque el dibujo y el diseño de Sana me gustan, el argumento no me atrae demasiado y lo encuentro ya muy trillado y que necesita de alguna vuelta más. Es ese ya tópico de: niños/as con especiales o con poderes perseguidos por científicos malos malosos. No veo que esta aporte nada nuevo, más allá de una protagonista que he de reconocer que me cae simpática, pero que el resto de personajes no me dicen demasiado.

Debo decir que la revelación del capítulo 4 me pareció interesante, pero con el discursito moralista de Zouroku ya me aseguró que la serie no avanzaría por ningún camino interesante. Simplemente, mantendría ese argumento de huir de los malos malosos y proteger a la cría, que en realidad no es ni una cría.

 

Y a continuación, aquellos animes que he llegado a seguir al completo:

Zero Kara Hajimeru Mahou no Sho – 12

Grimoire of Zero anime

El trasfondo se presenta rápidamente e implica directamente a los protagonistas, que forman una pareja simpática y con buen diseño (especialmente Mercenario). El aire a historia medieval europea no está mal, y la introducción de dibujos un poco al estilo del arte de la época durante los momentos de narración es un acierto y ayudan a meterse en la historia.

No innova demasiado, la historia en sí no es nada original ni algo sobresaliente, pero los personajes principales me gustaron des del principio, y encuentro que compensan la simpleza de la historia. Me recordaron a Reena y Gaudy de Slayers, combinan bien y tienen gancho, así que aunque todo el tema de la magia y brujería es poco original (aunque no me desagrada como es planteado el conflicto), creo que los personajes principales suplen algo la falta de un argumento verdaderamente potente. La historia queda abierta, y la verdad es que no me importaría ver continuar las aventuras que esperan fuera del reino de Wenias a Mercenario y Zero.

Seikaisuru Kado – 12

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¡Salud por el mejor anime de la temporada!

Revelación de la temporada de la que ni siquiera hice primeras impresiones en su momento, pero que gracias a una seguidora de twitter me animé a ver y seguir. Y todo por culpa del cgi que tanto repudio. Sigue siendo una animación que aún no llega a cuajar en Japón, aunque al menos esta es mejor que la de Berserk. Más allá de este defecto, que por desgracia alejará a muchos de verla (entre los que me incluía), Seikaisuru Kado es un anime que maneja temáticas muy interesantes que no había visto presentadas nunca en ningún otro anime de ciencia ficción.

La evolución de la humanidad, la creación del universo, el contacto con seres superiores más allá del entendimiento del ser humano… Seikaisuru Kado empieza como un anime de ciencia ficción más o menos comprensible, pero que conforme avanza se va torciendo y planteando temas más densos de los que hablo en esta entrada de análisis. Solo decir que queda por mi parte muy recomendada y que entrará seguro en el Top 10 del año.

Atom The Beginning – 11

Atom the beginning

Historia precuela de la Atom original de Ozamu Tezuka que nos cuenta los hechos previos a la creación del hito robótico que sería Astroboy. Serie con mucho potencial que por desgracia le cuesta bastante arrancar y explotar bien su temática más potente, que es la de lo que comporta un sistema como el Bewusstsein (término filosófico alemán que significa “conciencia”) y como este se va desarrollando en A106. La mayoría de la serie está formada por episodios autoconclusivos que aunque sí van desarrollando muy poco a poco esto, no es hasta el tramo final del torneo de robolucha cuando empieza a despertarse en Six lo que parecen ser indicios de conciencia. Ser consciente del “yo” o el “tu” forma parte de eso, y hasta este punto solo lo habíamos tenido los humanos.

Entiendo que todos estos temas de robótica y conciencia sí serán mucho mejor desarrollados en posibles futuras temporadas, o al menos en el manga original de Tezuka. Aunque aún queda un episodio por emitirse, la serie ya ha dado todo lo que tiene que ofrecer en su conjunto de esta primera temporada, y ya ha presentado muy bien lo que son las dos posturas respecto a los robots: Dr. Roro y Tenma, que ven a los robots como simples instrumentos, y Ochanomizu, que les tiene verdadero respeto y en una consideración especial más allá de simples instrumentos.

Conclusión

Una temporada que se salva por Seikaisuru Kado y Atom: The Beginning, que de lejos son lo mejor que se ha emitido durante la primavera. Del resto poco más a añadir, me esperaba más de Grimoire of Zero, la cual me pareció el mejor estreno en su momento pero una vez me puse a fondo con ella perdí parte de la emoción con la que me dejó el primer episodio. ¿Cuáles os han parecido los mejores animes de primavera? ¿Habéis abandonado muchos? ¿Cuál ha sido vuestro opening favorito? Yo me quedo con el de Atom: The Beginning, cuya animación me pareció fantástica y la canción que la acompañaba muy adecuada para la temática de la serie.